Death metal, una breve historia.

Los ochenta, la década que quizá más nostalgia genera desde que murió con la llegada de 1990. Musicalmente hablando hay muchas maneras de entender esa nostalgia pero depende en gran medida desde que postura se les mire. En México por ejemplo fue la década de Timbiriche, Flans y Pandora; de los baladistas tipo Emmanuel, José José y Juan Gabriel; de fenómenos latinoamericanos como Menudo y Los Chamos y claro, de esa mentira mal llamada Rock en tu Idioma, encabezada por bandas como Soda Stereo, Charly García y La Unión.

En el plano internacional fue la década de incontables “one hit wonders” en el mundo pop. ¿Alguien recuerda nombres como Frankie Goes to Hollywood, Culture Club, Wham!, New Kids On The Block, Bananarama, Hal and Oates, Whitney Houston..? Eso era lo que dominaba las listas de popularidad y claro, estaban los grandes de la década como Madonna, Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Cindy Lauper, Bruce Springsteen y algunos más. Fue también la década en la que géneros más subterráneos como el hip hop y el rap comenzaban a dar de que hablar.

Por eso, la nostalgia no siempre es una buena idea, porque los rockeros que hablan de los 80 con esa creencia de “qué padre era todo” tal vez no lo vivieron en carne propia o tal vez, ya olvidaron como era esa época.

Pero el metal tuvo en esos diez años una etapa que dio vida y consolidó innumerables sub géneros. Fue la década del New Wave Of British Heavy Metal, del glam, del thrash… fue también la década en la que nació el death metal.

Los 80 fueron años en los que la tecnología avanzó considerablemente. En el mundo de la música se crearon y mejoraron muchas técnicas para grabar y producir discos, pero en el metal fue una década en la que se consolidó el concepto de subterráneo, el famoso “underground”. No existía internet, por lo menos no de manera comercial, los metaleros del mundo se comunicaban entre sí gracias a la cultura del intercambio de casetes. Había una gran cantidad de fanzines en todo el mundo y en casi todos había secciones de cartas. El metalero de los 80 intercambiaba cintas y conocía bandas gracias a esa cultura del fanzine, iba a los conciertos y apoyaba su escena local (y me refiero a la de su ciudad, era algo muy íntimo).

Cuando el thrash comenzó a ser notorio con bandas como Metallica, Exodus, Slayer, Megadeth y Anthrax entre otras, hubo algunas otras que tomaron elementos de ese sonido, que le pusieron tintes de Motorhead y Kreator y lo modificaron poco a poco. Una de las bandas más influyentes de ese tiempo fue Venom, vigente desde antes que las recién mencionadas. Sucedió entonces que algunas personas tomaron la violencia musical de Venom, la velocidad de Metallica y Slayer, hicieron más grave la afinación de sus guitarras, le subieron aún más a la distorsión, inventaron los llamados “blast beats” en el doble bombo de la batería y sin saberlo, crearon el death metal.

Ponerle padre y madre al género es una labor complicada y comúnmente generadora de controversia, pero hay ciertos puntos de encuentro que son comúnmente aceptados por la mayoría. Así, es viable y más o menos certero decir que la primera banda que estableció un sonido que ya no era del todo thrash y que se mostraba tendiente hacia la creación de algo distinto fue Possessed. El reconocido sitio musical All Music Guide acredita a este cuarteto californiano, fundado en 1983, como el primero que “unió los puntos entre el thrash y el death” con el lanzamiento de su álbum debut, Seven Churches, en 1985.

Pero 1983 fue un año clave para el death, porque en la otra costa de los Estados Unidos, la del Este, concretamente en el Estado de Florida, nació también la otra banda que podría disputar la paternidad del género: Death. Originalmente se llamaban Mantas y grabaron su primer demo en 1984 bajo el sugerente título de Death By Metal. Ese y otros de sus primeros demos fueron ampliamente distribuidos en el circuito de intercambio de cintas, lo cual les ayudó de inmediato a establecerse como una banda que proponía algo nuevo, mucho más extremo que el thrash y muy excitante. Tal vez lo que apoye la teoría de que Possessed es el padre del género más que la banda del ya fallecido Chuck Shuldiner, además de la innegable brutalidad de Seven Churches sea que ese disco fue editado en 1985, mientras que Death sacó Scream Bloody Gore, su debutante larga duración, hasta 1987.

La tercera banda que conforma la que se podría llamar “santísima trinidad del Death Metal” fue Master, una agrupación originaria de Chicago que empezó también por 1983. La diferencia entre ellos y los otros dos fue que tuvieron una combinación de mala suerte y malas decisiones de parte de su manager de la época, mismo que desechó un contrato con Combat Records con la idea de que su banda, entonces no tan influyente, merecía mejores condiciones. Combat siguió adelante (ese mismo contrato lo firmó por ejemplo Death) y Master nunca logró establecer una carrera firme. Aun así, su impacto en el circuito de intercambio de cintas no ha muerto y su nombre se encuentra ahí, junto a los pioneros del género.

Ya casi para finalizar la década había otros nombres que sonaban fuerte. El uso de blast beats, popularizado sobre todo por los británicos Napalm Death y el desarrollo de técnicas para mejorar la velocidad de los bateristas ya había logrado establecer como sub género y no como una idea al Death Metal.

El establecimiento formal del nombre Death Metal por cierto se atribuye indistintamente a un demo de Possessed editado en 1984 bajo ese rubro; al demo de la banda Death llamado Death by Metal y a un fanzine de nombre Death Metal creado por Thomas Fischer y Martin Ain, dos personajes suizos que también tendrían que ver con el desarrollo del metal extremo en Europa con Hellhammer y posteriormente con Celtic Frost.

Poco tiempo después de que aquellas tres bandas (Possessed, Death y Master) definieran el nuevo sonido surgió una camada de agrupaciones -muchas originales de Florida- que tomaron el nuevo estilo y lo llevaron a sitios diversos. Entre esas estaban Obituary, Morbid Angel, Deicide y Cannibal Corpse. Desde el primer momento, el death metal exploró en su aspecto lírico temas como violencia, muerte, mutilaciones, horror, sangre, satanismo, misticismo, política, ocultismo, enfermedades y en general todas esas situaciones y aspectos de la vida que hacen que exista el horror. Todos son temas que se encuentran en bandas de otros sub géneros del metal, pero en el death se exploraban de manera mucho más directa y brutal.

Desde el inicio, el death metal se caracterizó por usar voces mucho más graves que la norma, lo que casi de inmediato fue denominado como “voces guturales”. Fue sin embargo Cannibal Corpse, en ese tiempo liderada por Chris Barnes, la primera banda que llevó el concepto de guturales a un plano superior e inconfundible. A muchos no les gusta, pero desde que Barnes apareció en escena, a ese estilo de cantar se le llamó en diversos medios “cookie monster” por el parecido entre esa forma de cantar con la voz oscura y grave del monstruo come galletas de Plaza Sésamo.

A partir de la llegada de Cannibal Corpse, el death ha sido el sub género metalero más popular que hay. Ciertamente algunas bandas de otros géneros han vendido tantos discos que equivaldrían a la población total de varios países –Metallica y AC/DC por ejemplo-, pero esas bandas salieron del subterráneo y se establecieron (aunque fuera sin quererlo) en el mundo del llamado mainstream, un término que en español es sinónimo de alcance masivo. En el contexto subterráneo, el death es el estilo de metal extremo que más vende, que tiene la escena más sólida y fiel y que se mantiene vibrante y cambiante. Baste decir que de sí mismo han nacido otros sub géneros como el melodic death metal, acreditado principalmente a Carcass; technical o progressive death metal (Nile, Opeth…), death doom (My Dying Bride, Asphyx, Paradise Lost), deathcore (Suicide Silence, Misery Index), entre otros.

Lo que hizo diferente a Cannibal Corpse fue que accedieron al éxito comercial –hoy por hoy está certificada como la banda death que más discos ha vendido en el mundo- sin comprometer su sonido o su concepto. Ciertamente el hecho de que diversos países hayan prohibido sus portadas, canciones y artes ha sido un impulso importante, pero también lo ha sido el mantenerse apegados a un estilo, a una idea sonora pero sin negarse la oportunidad de experimentar un poco.

En la actualidad hay muchísimos sellos discográficos especializados o semi especializados en el death, pero a finales de los 80 y principios de los 90 fueron tres los que ayudaron a establecer y consolidar al género: Roadrunner, Earache y Relativity.

Pero no todo sucedió en Estados Unidos. Europa tuvo también en aquellos años su propia escena death, aunque comenzó un poco después y primero se estableció con otro de los sub géneros más brutales del metal: el grindcore. Napalm Death es la banda pionera del género y de acuerdo a diversas definiciones lo que hacían era básicamente una forma más rápida y con canciones mucho más breves de death metal. Son ellos a quienes se les atribuye el establecimiento de los blast beats como base sonora para desarrollar la música. Carcass fue la otra gran pionera del grind y fue una de las primeras bandas en el mundo, si no es que la primera, en hacer un disco que se consideraría melodic death, el Heartwork. De ahí surgieron infinidad de grupos que llevaron la idea de colocar melodía en una base death al límite, sobre todo en la ciudad sueca de Gotenburgo.

Con el paso del tiempo muchas de las bandas pioneras se han ido (Possessed, Death, Master), algunas lograron establecer carreras sólidas (Obituary, CannibalCorpse) y otras han tenido altibajos que los han mantenido vigentes, pero sin recuperar la gloria de sus días primarios (Morbid Angel, Deicide).

En el 2003, las siete bandas de death metal que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos eran, en orden descendente (primero la más vendedora y de ahí para abajo) eran Cannibal Corpse, con poco más de 558 mil copias; Deicide, más de 481 mil; Morbid Angel, arribita de las 445 mil; Six Feet Under con cerca de 371 mil, Obituary con 368 mil, Death con una cifra muy cercana a la de los hermanos Tardy y Carcass, arriba de los 220 mil. Y parece poco comparado con las ventas de otros, pero son números que muestran una tendencia, una fidelidad que no se agota.

En cuanto a discos individuales (reitero, hasta 2003), el “Covenant” de Morbid Angel era el disco death más comprado en E.U con poco más de 127 mil copias, seguido en los lugares dos y tres por Deicide, que en sus primeros años realmente se hizo de un gran nombre con “Deicide” (el álbum de 1990) y “Legion” que alcanzaron 110 mil y 103 mil respectivamente y luego Obituary que vendió también un poquito más de 103 mil copias de “The End Complete”. Curiosamente, a partir de esos discos que en todos los casos son el primero o segundo de cada banda, no volvieron a alcanzar esos niveles de venta. Cannibal Corpse en cambio fue al revés; hasta ese 2003 había logrado con The Bleeding su mayor alcance al mover poco más de 93 mil copias; ya para el 2015, en febrero para ser exactos, el sello discográfico Metal Blade les otorgó una placa conmemorativa como la banda que más discos ha vendido en el death metal al alcanzar poco más de 2 millones copias repartidas entre sus 13 discos. Ese número significa que en promedio, el quinteto neoyorquino ha colocado 153, 846 copias de cada placa que han editado.

Tampoco es que en ese número haya algún truco como por ejemplo haber logrado que un solo disco alcanzara un porcentaje alto de esas ventas, su popularidad se ha incrementado año con año y para muestra se puede mencionar su movimiento en la lista Billboard 200 en los últimos años, ya que 5 de sus discos han logrado colarse ahí (y tres de ellos incluso en el Top 100), otro hecho inédito en el death metal.

Consistencia es entonces la palabra con Cannibal Corpse, un trabajo sistemático y sustentado en la vieja escuela, en cómo se hacían las cosas justo en el amanecer del género que era sacar discos de manera constante y promoverlos con giras y conciertos en cualquier parte del mundo que quisiera darles una oportunidad. De esa manera se alcanzan hitos como ser llamados “la banda Death Metal más grande en el mundo” por una publicación con autoridad para hacer el comentario como lo es Metal Hammer UK.

En la actualidad, el death es tal vez el sub género del cual se han derivado más sub géneros, a pesar de la redundancia. Su popularidad no ha menguado y por el contrario, cada vez crece más. Prueba de esto podrían ser la cantidad de festivales que sucederán en este 2016 dedicados al Death o con fuerte presencia del mismo como son por ejemplo Maryland Death Fest XIV, Raleigh Deathfest, In Flammen Open Air, With Full Force, Obscene Extreme, Brutal Assault y Party.San Open Air.


De esa manera el death metal ha mantenido su vigencia. Y en este texto sólo se mencionan a algunas bandas que dieron vida al género porque la lista de contribuyentes al establecimiento y mantenimiento de dicho sonido es larguísima y diversa.

**Los flyers fueron tomados de la siguiente página.

AC/DC y la novela Axl Rose

Mucho se ha dicho y escrito sobre la decisión que tomó AC/DC de reemplazar a Brian Johnson con Axl Rose. Pasaron ya varios días y hasta ahora la banda había guardado silencio. El mismo Johnson había aclarado que no lo corrieron, que simplemente por salud no podía seguir en el futuro inmediato y probablemente más a mediano y largo plazo.
Pero a la gente nunca le importan los comunicados oficiales, siempre les queda mejor creer los chismes y alegatos infundados que surgen en la red y más si les brinda la oportunidad de encontrar uno o varios villanos. Aquí tuvieron por lo menos a dos: Angus Young y Axl Rose.
Primero, dejaré mi postura sobre por qué yo no estoy de acuerdo con la elección de Rose como sustituto. Y en ese tenor lo primero que quiero expresar es que no pasa tanto por su capacidad vocal, para mí el gran pero en esta historia es el personaje creado por Brian Johnson y el creado por Axl Rose.
Musicalmente hablando Axl puede con el paquete porque Brian es un cantante único en cuanto a estilo, pero no en cuanto a capacidad vocal. es decir, es absolutamente reconocible cuando canta pero no es ni remotamente un súper dotado como Dio, Halford, Gillan o Dickinson. Es más como Lemmy, una voz inconfundible y entrañable, pero nada más, y Axl, que tampoco es un dios de las cuerdas vocales `por lo menos tiene un buen rango vocal, mucha experiencia y actitud al cantar.
El problema es entonces el personaje en sí. AC/DC ha tenido a lo largo de los años algunos problemas de abusos de sustancias por ejemplo, pero jamás fueron escándalos. Tienen una reputación de caballeros y son de las bandas que más respeto muestran a sus fans ofreciendo siempre lo más básico de un grupo de ese tamaño: profesionalismo. Nunca cancelan a menos que su cantante se quede sordo, no salen borrachos o drogados a tocar, no se pelean con los medios, no se pelean públicamente entre ellos, no salen tarde, no cortan sets sin razón aparente, no agreden a nadie, no dejan pasar 13 años entre un disco y otro, no provocan historias mediáticas llenas de controversia nomás porque sí, no buscan constantemente la luz sobre sus hombros, cuando responden entrevistas lo hacen de manera formal y seria, no están metidos en escándalos de esposas ex estrellas porno o modelos que luego se divorcian de ellos y les sacan dinero y trapitos al sol... Todo eso sin embargo define a Guns and Roses y la mayoría de los casos define por lo menos ante la mirada del público a Axl Rose. Ese es para mí el verdadero problema, la volatilidad del cantante de Guns and Roses.
Y claro, habrán firmado contratos y habrá cláusulas y demás, y tal vez Rose sea un poco menos megalomaniaco hoy que hace 20 años, pero no es posible saberlo hasta que concluya la gira y veamos si estuvo a la altura. El problema para mí es que es demasiado riesgo innecesario.
Todo esto sin embargo no importa porque es meramente mi opinión y ni Axl ni AC/DC la conocen o la toman en cuenta, pero como todos, tengo derecho a expresarla. A lo que no tenemos derecho, nadie, es a creer las cosas que nos dicen sin investigar. Lo que detonó el que AC/DC finalmente hablara públicamente de lo sucedido no fueron las firmas de inconformidad por la adhesión de rose a la banda ni las ridículas sugerencias de que se deberían retirar (ya quiero ver que alguien le diga lo mismo a todos esos que gritaron que mejor se retiraran, a ver qué opinan) ni las 7 mil entradas devueltas en Bélgica (que por cierto se pusieron de n uevo a la venta). No fue nada de eso, lo que detonó la respuesta fue la acusación cada vez más repetida de que a Brian lo corrieron. Así las cosas, ayer sacaron un video de 1:17 minutos en el que Angus, Cliff y Axl dijeron lo siguiente:
Angus dijo: “hay muchos rumores por ahí que aseguran que Brian fue despedido de la banda, pero eso no es verdad. La razón principal de su salida fue su problema con el oído. Ya de por sí andaba muy mal de un oído y el que le funcionaba bien estaba perdiendo su capacidad rápidamente. En verdad ya era algo que llevaba tiempo, casi desde el inicio de la gira”
Cliff agregó: “hubo un momento en el que la audición en el oído bueno disminuyó mucho, pero luego regresó, sólo que ya no de manera completa. El doctor le dijo que esa variación de audición podría volver a suceder y que podría ya no regresar. Y bueno, ya sabes, ¿qué puedes hacer ante algo así?
Angus agregó que la decisión “estaba fuera de nuestras manos, la decisión de no seguir fue de Brian porque creyó que era la mejor manera de proceder. De todas maneras no había un escenario en el que todos ganáramos porque si simplemente hubiéramos parado, entonces muchos se habrían enojado por eso”.
En ese primer video, Axl comentó que “es horrible lo que le pasó a Brian y uno espera que mejore. Yo no estoy tomando esto como un juego ni presumiéndolo por todas partes porque no es como que la banda decidió hacer un proyecto diferente, lo que sucedió fue una circunstancia muy desafortunada, y yo estoy muy consciente de ello”.


En otra edición del mismo video Axl habló sobre el reto que representa sustituir a Brian: “Back in Black es el disco de rock más vendido de la historia así que me queda claro que muchos van a estar pendientes de cómo lo canto. Y realmente no hay nada que pueda yo mejorarle a Brian como cantante, es lo que hay, es uno al que le puedes llamar EL cantante de rock. Además, ¿cuántos discos tienen? Ya sabes, yo tengo un par (risas) y ellos tienen todo un bonche”.

Rose admitió que al principio no sabía si podría hacer o no los shows. Explicó que “de entrada era la agenda. Dos, es la manera en que ellos hacen las cosas y hay mucho que yo no sabía. Me preguntaba si funcionaría, si nos llevaríamos bien, ese tipo de cosas. Además está el material en sí mismo. Había ciertas cosas que yo nunca había escuchado con atención. Supongo que como cualquiera alguna vez en el coche canté Back in Black pero nunca la había cantado completa, o alguna vez habré cantado parte de Shoot to thrill pero no completa, uno sabe que es una canción bien complicada para cantar. Y nunca lo había hecho de manera profesional o me había aprendido todo así que ciertamente es un gran reto y yo quiero hacer lo mejor para la banda y para los fans”.
Video donde Axl habla un poco más


Así las cosas, cada uno tendrá su idea de si Axl tiene los tamaños o no, pero por lo menos ahora cada uno tendrá oportunidad de conocer un poco más de la historia. Pero eso no es todo, eso es sólo en cuanto al famoso video. El sitio NME tuvo una larga entrevista exclusiva con Angus, Cliff y Axl y me dí a la tarea de traducir algunas de las preguntas más importantes, mismas que les pongo a continuación. Para consultar la nota completa sólo hay que dar click aquí. Está en inglés obviamente pero está muy interesante.
NME (New Musical Express es hoy un medio en la red que comenzó como diario musical desde 1949. En los 70 se convirtió en la publicación de mayor venta en el Reino Unido y luego en los 80 adoptó el formato de revista. En la primera mitad del 2015 su circulación pagada fue de apenas 15 mil y pico de ejemplares y como ya se había establecido como número en la red, se decidió que el formato impreso ahora sería gratuito.
¿Cómo han sido los ensayos?
Angus (A): ¡Muy buenos!
Axl (X): ¡Maravillosos porque ya se acabaron!

La práctica hace al maestro. ¿Cómo se sienten ahora sobre el inicio de la gira, se siente diferente a lo normal?
A. Estamos muy emocionados
(X). Hay algunas diferencias pero al mismo tiempo no porque para este momento he estado cerca de estos tipos por alrededor de un mes, he ido conociendo a todos en el equipo de trabajo, viendo como hacen el show, viendo conciertos, has de cuenta como un futbolista, viendo videos. Así que para mí sí hay diferencias pero porque se trata de un show diferente y de canciones nuevas para mí.

¿Cuántas veces los has visto en vivo?
(X) Nos conocimos muy al inicio de Guns and Roses, en los primeros años, en el Forum de Los Ángeles, lo conocí a él (Angus) y a Cliff en el backstage.
(A) ¿Qué no fue en aquella estación de policía?
(X) No… bueno esa fue la segunda vez.

¿Cuánta influencia tuvo AC/DC en Guns and Roses?
(X) Mucha, fue una gran influencia para Izzy y para mí. Y luego fue algo que teníamos en común cuando conocimos a Slash porque su novia lo hacía escuchar a AC/DC todo el tiempo, si no lo hacía ella no salía con él.

¿Por qué Axl? ¿Cómo sucedió todo esto de tenerlo ahora a él?
(X) Les pagué una lanota
(A) ¡Y yo lo gasté bien Axl! Creo que Axl mismo podría contar mejor la historia, contactó a un tipo que había trabajado con nosotros…
(X) Opie, una persona de su equipo de producción de hace tiempo y que también trabaja para los Stones está haciendo la gira de Guns and Roses ahora mismo. Así pues teníamos a esta persona en común. Cuando supe lo de Brian le llamé a Opie para preguntarle qué iban a hacer –y no en el sentido de ofrecerme mal plan o agandallando- era más bien como si hay algo que yop pueda hacer, aquí estoy. Yo ni siquiera sabía que canciones podría cantar, no sabía nada de sus fechas, nada, pero luego supe que Opie ya había puesto mi nombre en la mesa.

¿Qué otros nombres estaban en la mesa?
(X) Era mi mesa así que no había más nombres ahí
(A) Ya estaba todo arreglado por debajo de la mesa
Cliff (C) Trabajamos con varias personas
(A) Te llega mucha gente, siendo el mundo como es ahora todos llegan y dicen que ñpieden cantar.
(X) Hay muchos desafíos en el material, hay toda clase de cosas que ambos cantantes hacen (Bon y Brian) que hacen que cada canción sea especial. Cada canción está casi gravada en piedra en cómo se debe de cantar.
(A) Ví lo que hiciste con Guns and Roses, lo ví en internet…
(X) Alguien anda moviendo ahí nuestro material
(A) Era Whole Lotta Rosie versión Guns and Roses así que sabía que él era capaz de hacerlo, lo ví y pensé que era un buen inicio.

¿Llegaron a considerar el tener diversos cantantes invitados?
(A) Para serte honesto era más un caso de ¿y ahora qué hacemos?
(X) Estaban en el proceso de determinar como banda qué camino seguir, eso es lo que yo entiendo, porque sucedió de repente.
(A) Era una crisis repentina y teníamos que acyuar. Estábamos en Miami en ese momento, cuando todo esto pasó y desafortunadamente cuando estás en ese tipo de escenario no te queda más que tomar decisiones rápido porque tienes detrás a mucha gente esperando. Se suponía que íbamos a tocar en Atlanta así que estábamos presionados, tipo ¿qué hacemos?. Debido a la naturaleza de la pérdida de audición de Brian sabíamos que la respuesta no sería fácil así que llega el momento en que te preguntas ¿y qué hacemos ahora? Las opciones eran muy limitadas y pensábamos que si deteníamos todo de golpe entonces tendríamos un verdadero tinglado legal que resolver.
(X) Eso y los fans, además no quieres que la banda pase por todo eso, ¡lo digo por experiencia!
(A) Fue un alivio que él se ofreciera ¿sabes? Llegó y dijo “si puedo hacerlo, lo hago”.
(X) Y yo no tenía idea de si podría hacerlo, digo, ellos tocan realmente fuerte, tienen su propia manera de trabajar y uno nunca sabe si va a acoplarse o no. Pero todo empezó muy bien y ha ido mejorando con los días. ¡Espero terminar el primer show antes de que me corran!

¡Llegaron a pensar en cancelar la gira?
(C) Queríamos terminar lo que empezamos
(A) Y esa era nuestra principal meta, sobre todo para Cliff y para mí ya que somos los que más tiempo llevamos en la banda. Queríamos terminar lo que iniciamos. Además, no puedes llamar a una gira Rockea o Revienta ¡y luego reventar!
(X) Jaja, esa estuvo genial.

¿Qué pasará luego de los shows, continuarán con este formato? ¿Traerán a otro cantante? ¿Regresará Brian?
(X) Sea lo que sea que hagan con Brian a mí no me corresponde hablarlo, es cosa de ellos. Sobre que fuera alguien más, ¡lo envenenaría lentamente!

¿Cuál es el pronóstico de Brian, podría reincorporarse a la banda?
(A) Él debe ser muy cuidadoso con la audición que le queda. Eso es lo que nos dijo, eso y que estaba encabronado de poder terminar porque no le gusta dejar las cosas a medias, pero la decisión fue de él. No quería quedarse sordo. Y yo lo entiendo perfectamente bien, ¡quieres que cuando te toque salirte de esto sea con tu ser completo, con todas las piezas! ¡Yo no querría salir y que me faltara siquiera una uña!

¿Qué le dirías a los 7 mil fans en Bélgica que pidieron su reembolso?
(A) Que se perderán una gran noche
(X) Yo siento que ya los extraño, y eso que ni siquiera los conozco

Ya veremos si vienen a México. Mientras, más o menos así suena Axl interpretando a AC/DC, aunque el video es de Guns con Angus con invitado.
Riff Raff

Reseña Origins Vol. 1 de Ace Frehley

**Las canciones que se muestran son propiedad del autor, yo sólo las uso como muestra. No pretendo lucrar ni mucho menos infringir los derechos de autor**

Inicialmente un “plan B” de la discográfica (E1 Music, antes Koch Records) en caso de que Ace no pudiera completar lo que eventualmente fue Space Invader a tiempo para capitalizar la inducción del Spaceman al Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los otros tres fundadores de Kiss, Origins Vol 1 es ahora una realidad y además ofrece gran calidad. Desde que Ace grabó su primer disco solista en 1978, cada uno de sus discos con su nombre o bajo el rubro de Frehley’s Comet ha contado con al menos un cover, por lo que el proyecto en sí no parece tan fuera de lo común. Ofrecido el contexto, esta es mi reseña de éste, un trabajo que con poco más de 16 300 copias vendidas en su primera semana alcanzó el nada despreciable puesto 23 en el Billboard 200, #1 en el Billboard Hard Music Chart y #3 en la Billboard Rock Chart.

El disco empieza de manera sobresaliente con una maravillosa versión de White Room, tema del cual el solo original es el segundo mejor de la historia según la revista Guitar World y que fue de los primeros en usar el pedal wah wah. Ya desde aquí se nota que el disco tendrá mucho respeto por las versiones originales pero que también estará la firma Frehley por todos lados. Por ejemplo, contrario al clásico de Cream, en Origins no hay teclado; la versión original tiene en la mezcla al mismo nivel bajo, guitarra y batería, probablemente por la desmedida calidad que tenía el trío, pero en la versión de Ace la mezcla es con las guitarras al frente dejando la maravillosa base rítmica del tema como soporte nada más. Otra gran diferencia o algo que hace que se note que es una creación desde la perspectiva de Frehley es que toca dos guitarras: una hace el riff básico que en la original hace el bajo y la otra toca solos empapados de efecto wah todo el tiempo. Al final es un excelente tributo ya que Ace ha dicho muchas veces que haber visto a Cream y concretamente a Clapton cuando tenía 15 años fue una experiencia que le cambió la vida.


Con Street Fighting Man igual que en su momento con 2000 Man, Ace lleva la música de los Rolling Stones por una vereda desconocida. Respeta algunos detalles clásicos del tema, como el uso de maracas al inicio por ejemplo pero luego la llena con el sonido clásico de Les Paul y le agrega algunos solos que la versión original no tiene. Es además una canción cuya letra le queda perfecto a lo que vivió Frehley de niño y adolescente. Probablemente será sacrílego decir que mejoró la versión original ya que es u clásico de Sus Satánicas Majestades pero ciertamente le da un aura absolutamente rockera y moderna que la original no tiene.

La idea del disco era usar temas de bandas o guitarristas que marcaron a Ace en su etapa de crecimiento y por lo tanto no sorprende que aparezca un tributo a Jimi Hendrix, concretamente Spanish Castle Magic. La versión de Origins es muy buena, una vez más con el toque Ace, sobre todo en el solo, pero ciertamente hay una razón por la que Hendrix es el papá de los dioses de la guitarra. Es tal vez la primera canción en el disco en la que se siente que falta más peso en el bajo y la batería ya que en la original de Jimi Hendrix Experience esos dos instrumentos no sólo acompañan sino que redondean magistralmente la canción.

Luego viene el momento del morbo, el que todos los Kisseros esperaban con ansias y que finalmente es bien recompensado. En Fire and Water, una vez más Ace ofrece una versión moderna, mucho más guitarrera que la original. Ojo, en ningún caso esto quiere decir que Ace hace mejores las canciones que ya existían, eso dependerá de cada escucha pero logra llevar temas que tienen30 años o más a un sonido que es mezcla de modernidad y del tono característico de Frehley, además de agregar, modificar o incluso inventar, eso sí, solos maravillosos. Excelente decisión poner a Paul Stanley ya que la voz de Paul Rodgers (cantante de Free) es más grave que lo que se acostumbra escuchar de Paul y al ser ese el caso, no sufre con su desgastadas cuerdas vocales. La mezcla de ambos personajes irremediablemente recuerda al Kiss primigenio, lo cual para los Kisseros es bueno evidentemente. Es en general una de las canciones mejor logradas del disco.


Emerald es otro de los momentos más plausibles de Origins. La combinación es perfecta: un tema de Thin Lizzy y un duelo extendido de solos entre Ace Frehley y Slash, poco más se puede pedir. En una entrevista con Rolling Stone comentaba Frehley que Slash sugirió que tocaran en vivo en el estudio, cara a cara. El resultado es un maravilloso ir y venir de esos solos que se distinguen inmediatamente por el tono de cada guitarra y por la manera de “requintear” de cada uno. Dice Ace que le llevó 3 días escoger las mejores tomas y a uno sólo le queda maldecir en broma al ingeniero que estuvo ahí y vio esa parte de la historia suceder frente a sus ojos. White Room fue el primer sencillo, ahora lo es Fire and Water y resulta muy claro que es el empuje mediático que le puede dar Paul Stanley, pero Emerald es tal vez el mejor track del CD y podría ser sencillo sin ningún problema. Una joya de verdad.


El blues nunca ha sido referente en la música de Ace o de Kiss, sin embargo la versión de Bring it on home lo muestra en buena forma y a pesar de que su interpretación del género es con un sonido menos pulcro que el clásico, la parte media de la canción que ya está sustentada en un riff Zeppeliniano pone inmediatamente una sonrisa en el escucha. A destacar el truco que habrán usado en el estudio para hacer que el Spaceman sonara parecido a Robert Plant. Es también la canción del disco que más se acerca a la original en cuestión sonora (excepción obvia los 3 temas de Kiss). Ésta probablemente sea la canción más tributo de todo el álbum en el sentido de su apego a la versión clásica, ya que en el caso Led Zeppelin también es un cover.

Muchos han cuestionado la relevancia de tocar una vez más Wild Thing de The Troggs. Probablemente quienes tengan en sus colecciones de discos muchos compilados de versiones de diferentes artistas podrían estar hartos pero en el caso del rocker clásico que tal vez ha escuchado la canción en alguna fiesta no debería ser algo tan oneroso. La versión es sin embargo bastante sencilla y cuenta con Lita Ford en la voz y guitarra líder. El solo de la dama es muy bueno y si se toma en cuenta que la idea de Ace al hacer estas tomas era pasarla bien y que los que escuchen el disco se pasen un buen rato, la canción entonces cumple y con creces. La batería por cierto realza el aura pesada que le ponen el Spaceman y Lita.

En el caso de Parasite y Cold Gin, la primera con la colaboración de John 5 (Marylin Manson, Rob Zombie…) y la segunda con Mike McCready (Pearl Jam), aunque son bastante apegadas a las versiones originales de Kiss excepto por algún lick por ahí de cada uno de los invitados que le pone su propio sello, lo realmente destacado es que son temas que se hicieron clásicos en la voz de Gene Simmons, pero ambos fueron escritos por Ace. Tímido en sus inicios con la banda, nunca se sintió lo suficientemente a gusto consigo mismo en su faceta de cantante para ponerle voz a sus propias creaciones. El resultado final, para mí, es que le pone quizás el sentimiento y la intención que debía llevar cada uno de los temas, sobre todo en el caso de Cold Gin, aunque también queda claro que gene Simmons había hecho un gran trabajo vocal en ambas.

Steppenwolf es conocido por todos gracias a Born To Be Wild, pero Magic Carpet Ride también fue un sencillo importante en su carrera y parece una elección menos obvia para tributar. Una vez más Ace lleva la guitarra a primer plano y vocalmente es uno de los temas que los fans del músico de 65 años más gozarán porque tiene todos esos matices de timbre típicos en él. La mayor variante contrastada con la versión original es el agregado de un solo que sustituye de cierta manera la segunda parte del tema original que es más bien una especie de outro de psicodelia prolongada.

En cuanto a Till The End of The Day de The Kinks es también una version bastante fiel a la original ya que los británicos tenían ese sonido distorsionado que después se convirtió en precursor del hard rock, sólo que con un sonido más enfocado en la guitarra, unos cuantos gramos más pesado y con un solo creado por Ace para la ocasión.

Finalmente la versión que le hace a Rock and Roll Hell tiene varios matices dignos de ser comentados. De inicio, a mi parecer, en la versión de Ace la voz queda un poco, si no a deber, sí un poco forzada. Será tal vez la cantidad de veces que la escuché con Kiss y con los tonos y matices de Gene Simmons que la hacen parecer más ruda. La voz de Ace en esta versión es más funky, le falta agresividad. Sin embargo en cuanto a lo instrumental y concretamente el trabajo de adaptación que le hizo en la guitarra es sencillamente soberbio. De entrada el riff básico de los primeros versos que en la original hace Gene con el bajo, aquí Ace la toca con la guitarra, con un tono grave machacante y soberbio que potencia mucho esa vibra callejera que tiene la rola; es como ese riff lento, sencillo pero magistral de The Zoo de los Scorpions sólo que en formato Ace y en una canción de uno de los discos más pesados de Kiss. Además le agregó dos solos muy a su estilo, con un toque de crudeza callejera pero que le quedan perfecto al tema y lo visten mucho. Sólo queda imaginar lo fantástico que hubiera sonado con esa base en la guitarra y la voz de Gene.


En general, Origins Vol. 1 es lo que se espera de un disco tributo de Ace Frehley: rocker, sin compromisos, con temas que a él lo marcaron y sin ningún propósito extravagante más allá de tocar por el puro placer de hacerlo y sin la presión que conlleva escribir temas nuevos y lograr que pasen los criterios de selección de una discográfica. Supongo que nunca se trató de descubrir el hilo negro o hacer versiones alocadas y extravagantes de las canciones ofrecidas sino divertirse, darles un toque guitarrero y moderno y ofrecerlo al público para que lo ponga a buen volumen mientras vbiaja por ejemplo en la carretera. La parte del título que dice Vol. 1 abre necesariamente la puerta para que venga uno más en el futuro cercano. Cuando se empezó a hablar de este disco se mencionaban bandas como The Beatles y The Who, mismas que no aparecen en esta entrega por lo cual no queda más que esperar, por qué no, que en años venideros aparezcan el sucesor de Space Invader y un nuevo Origins. Los jendelianos y kisseros por igual lo recibiremos con gusto.

Entrevista con Nervosa, Prika Amaral.

Por esas cosas que no dependen de uno (ni de ellas), esta entrevista fue la primera que hice por audios de whatsapp. Eso complica que haya una charla fluida así que las preguntas son más bien sin chance de variarle o de seguir algún concepto que te respondan en la entrevista, es como por mail, sin interacción real. Aún así, muy amablemente Prika Amaral, la guitarrista, accedió a contestarla. Aquí el resultado.


Sobre la historia detrás del nombre, su significado…
El nombre Nervosa viene de la palabra en español Rabiosa. En inglés es Angry pero es una palabra en portugués, una palabra femenina que ustedes pueden aplicar para cuando una mujer está rabiosa, cuando es así, en portugués decimos que la mujer está nervosa. Es una palabra agresiva y aunque está en portugués es fácil de decir para mucha gente, se parece a muchas palabras de otros idiomas así que no es difícil entender su significado. Cuando creé el nombre de la banda me inspiré en Sepultura, ese también es un nombre en portugués que es agresivo y que va muy bien en el metal así que Sepultura digamos que fue una influencia para crear el nombre.

Sobre su opinión de la escena metalera en Latinoamérica, si existe tal escena fuera de las grandes bandas que todos conocemos y que siempre llenan en nuestra parte del continente…
La escena de Latinoamérica es diferente por una cuestión económica también. Son realidades diferentes (se refiere a Europa) aunque no creo que sea inferior o mejor, apenas diferente. Brasil es un país muy grande y tenemos muchas bandas, como en toda América Latina; nosotras hemos tocado con muchas bandas buenísimas en Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, Bolivia, Guatemala, El Salvador, en verdad es una escena muy grande y muy especial. En Europa las cosas son un poco diferentes porque ellos tienen mejores condiciones que nosotros, comparando, nosotros somos más bien países pobres, entonces nos resulta mucho más difícil hacer ciertas cosas que por ahí para ellos son fáciles. También creo que nosotros tenemos algo especial en cuanto a la escena latinoamericana ya que somos muy pasionales, tenemos muchas ganas de tocar y el sonido es muy diferente. Las bandas que salen de Sud América y Latinoamérica tienen algo que a los norteamericanos y europeos les gusta mucho y lo reconocen siempre. Nosotras estamos orgullosas de ser latinoamericanas, de venir de esta parte maravillosa del mundo y aunque tenemos muchas dificultades por ser países pobres y con tanta corrupción yo siempre digo que somos como hermanos, porque todos vivimos lo mismo. Pero es una escena muy grande y maravillosa.


Sobre su actual alineación, si les ha hecho falta tener un músico extra o si el futuro será ya siempre como trío…
Estamos acostumbradas a ser solamente un trío, es muy difícil hallar chicas que toquen metal y que estén dispuestas a dejar a sus familias y amigos y pasar mucho tiempo fuera de casa, dedicarse a esto de manera profesional es muy difícil para una mujer. Además es muy importante que las integrantes de la banda sean de fácil convivencia, en realidad son muchas cosas las que nos llevaron a ser solamente tres personas. Nosotras componemos la música pensando sólo en una guitarra así que por lo pronto no necesitaríamos otra integrante. Ya en el futuro no sabemos que pueda pasar, sería buenísimo tener otra guitarra porque yo podría trabajar más las guitarras, hay muchas cosas que no puedo hacer porque en todo caso me falta una guitarra más que esté haciendo base pero creo que esta fórmula nos funciona bien. Hay algunas ventajas como que en las giras los costos, la logística y demás se facilitan al ser sólo tres. Además tenemos una gran energía así que ahora no necesitaríamos a nadie más. Ya somos conocidas como tres y yo creo que eso es especial también. Estamos felices así.

Más o menos padecemos los mismos problemas en Latino América como corrupción y demás, en ese sentido ¿les afecta piratería?
Eso es algo nuevo, algo que ha sucedido apenas en los últimos años y que no podemos controlar, es una cosa natural pero también creo que los verdaderos fans, aquellos a los que les gusta nuestra música normalmente comprarán las cosas. Quienes hacen eso (copiar un disco y venderlo) normalmente es porque no tienen dinero, lo importante para mí es que les guste la música, que vayan al show y disfruten lo que hacemos porque lo demás, aunque puede ser importante, no importa más que la música. Hoy en día no podemos ganar dinero vendiendo discos pero sí vendiendo shows, tocando seguido y haciendo giras, eso es suficiente para nosotras. Yo creo que la piratería es una cosa natural pero espero que puedan vernos en vivo, que les guste la música y puedan comprar nuestro material y disfrutar. Lo más importante siempre es disfrutar.

Sobre internet, empezaron su carrera ya en la época digital, redes sociales y sitios como Spotify y Deezer. ¿Crees que la tecnología y la internet benefician a las bandas o no? Algunas bandas más viejas dicen que las bandas nuevas no tendrán futuro porque internet y las descargas mataron la industria. ¿Qué opinas?
La internet nos ayuda mucho, sin ella no podríamos hacer lo que estamos haciendo, es una herramienta muy importante para la difusión, es como una gran grabadora global. Gracias a internet nosotras que apenas tenemos seis años como banda hemos podido tocar en todo el mundo. La industria musical cambió mucho, en los 90 era posible ganar mucho dinero vendiendo discos, era fácil vender un millón de copias pero todo eso cambió por las descargas, la internet y la piratería. Nosotras hemos logrado ganar algo de dinero haciendo shows pero tampoco somos tan interesadas, necesitamos el dinero suficiente para vivir bien y hacer lo que nos gusta. El dinero es más una consecuencia del trabajo pero te digo, no necesitamos de mucho, no queremos ser millonarias. Creo que lo mejor de todo esto es la experiencia de poder tocar en todo el mundo, hacer amigos, tener contacto con bandas de las que somos fans. Ser parte de todo eso es lo que realmente nos parece importante, hacer música. Por otro lado también es cierto que sin dinero todo se complica porque te imposibilita el hacer ciertas cosas. Entonces, para tener dinero la banda tiene que trabajar y no pensar tanto en vender discos, por ese lado las cosas son más difíciles pero yo no creo que sea tanto así como dicen que las bandas nuevas no tienen futuro sin industria discográfica, pienso más bien que haciendo lo que te gusta todo es posible.

Sobre lo cansado y tedioso que puede resultar hacer giras, si vale o no la pena…
Sí, hay veces que es muy cansado pero no me parece que sea tedioso. Parte de estar en una banda implica pasar por todo eso pero no es algo que nos pese. Nos gusta mucho viajar y conocer distintos lugares y personas. Lo que nosotras siempre quisimos fue estar en el escenario y tocar en todos los lugares que se pueda, hacer muchas giras, conocer muchas personas. La parte mala es dejar atrás a la familia y amigos pero es normal, nosotras nos divertimos mucho en el escenario, lo disfrutamos y eso es lo que queríamos así que lo hacemos con muchas ganas y mucho placer.

El circuito del metal tiende a ser machista o misógino, puede ser un medio en que a las mujeres se les maltrata un poco, ¿ cómo ha sido su experiencia?
Para mí es muy natural tocar con otras chicas, tanto como para un hombre lo sería el tocar con puros hombres. Hay algunas cosas positivas como que al ser sólo chicas es más fácil hacer promoción por ejemplo, pero al comienzo de la banda fue difícil porque mucha gente decía que por ser chicas no sabríamos tocar y eso no es verdad claro, hay muchas bandas de mujeres y si nosotras estamos haciendo muchos shows y giras no es por ser mujeres, es porque somos profesionales y hacemos muchas cosas extra que otras bandas no hacen porque sacan un disco y se sientan a esperar a que las cosas sucedan. Nosotras tocamos puertas y hacemos todo el trabajo que haga falta para que nos conozcan y eso fue complicado, pero a estas alturas ya no pasa, hoy nos respetan y si a alguien no le gusta nuestro sonido ya no nos dicen de cosas. Así que tener una banda de mujeres es igual que una de hombres, existen los mismos problemas.

¿Cómo funciona Nervosa a la hora de componer?
Nosotras componemos juntas, es un trabajo comunitario en el que todas participamos. Casi siempre empieza con un riff mío de guitarra, luego Fernanda agrega un riff de bajo, Pitchu pone las partes de la batería o puede empezar con un riff de Fernanda y luego yo le agrego lo mío o le modifico alguna cosa pero siempre cada una se encarga de su instrumento. Yo sólo compongo lo que es de guitarras, Fernanda solamente el bajo y Pitcho sólo la batería, pero siempre juntas. Yo podría hacer la música por ejemplo pero eso no representaría a la banda, me representaría en todo caso a mí, por eso creo que es importante que todas participemos en todas las cosas de la banda. Las letras son escritas por mí y recientemente por Fernanda también, mitad y mitad pero lo instrumental es trabajo de las tres.

Si existieran los genios de las lámparas y te concedieran sólo una oportunidad de tocar con la banda o músico que prefieras, vivo o muerto, ¿a quién escogerías?
Es una pregunta muy difícil pero escogería personajes que ya murieron porque con los vivos siempre existe la posibilidad de que algún día toquemos con ellos. Igual es una oportunidad muy lejana pero existe y con los muertos ya no así que con gran dificultad para elegir sólo a uno sería o Dimebag Darrell o Jimmi Hendrix. Creo que sería al final Dimebag porque yo toco metal, pero si fuera blues escogería a Hendrix. Obvio no toco como Dimebag pero por lo menos él tocaba metal, y yo también. Tengo algo de influencia del blues pero toco muy poco así que me sentiría más cómoda tocando con Dimebag Darrell.

Sobre su relación con Napalm Records y sobre planes de disco nuevo… Nuestra gira por México será sólo de tocar el disco que ya tenemos, Victim of yourself, porque nunca hemos tocado ahí pero esperamos regresar más adelante y ya tocar temas de nuestro disco que aunque ya está grabado, como no se ha lanzado no tiene caso tocar temas de él. El disco saldrá en junio por Napalm Records, estamos muy felices con ellos, nos dan libertad para hacer lo que queremos, nos apoyan mucho así que en junio saldrá, ya con Pitchu en la batería porque en el anterior no estaba. Será un disco diferente al primero, con más influencia del death metal pero con mucho thrash también. Estamos muy ansiosas por sacarlo ya y regresar a México para presentarlo.

Candlemass, reseña.

**Los videos los tomé de la red para ilustrar el texto. Al darle click a cada uno se abre Youtube y ahí viene el crédito de quien los haya filmado.

La cita era de cierta manera ineludible. Claro, el calificativo de “ineludible” aplica no para grandes masas sino para un selecto grupo de metaleros a los que, o les gusta Candlemass, o les gusta el rock pesado a más no poder ejecutado de manera soberbia, independientemente del nombre de la banda. Pesado, esa es la clave en muchos aspectos de la música de Candlemass. No es necesariamente metal extremo como el death y sus derivados o el black y sus derivados, es pesado en el sentido primigenio de la palabra, como Black Sabbath cuando le dio al mundo sus primeros acordes y a ese mundo sólo le quedaba abrir los ojos a tope y rascarse la cabeza al no saber qué era eso que escuchaba.
Por diversas razones Candlemass tardó 30 años en visitar México, pero finalmente lo hizo y logró que poco más de 600 personas sintieran que cada segundo de esos años valiera la pena. Nota tras nota se sentía en la piel lo que es el doom metal, porque parece fácil, total nomás tocas lento y listo, pero no es así. Es todo un arte hacer que las notas lentas sean a su vez pesadas pero fascinantes; si uno cerraba los ojos y sólo escuchaba lo que sucedía en el escenario daban ganas de sacudir el cráneo como sonaja, pero la música no lo permitía. Se invitaba a hacer headbanging por supuesto pero muy acompasado, sintiendo cada vértebra cervical ocupando su lugar con el movimiento del cuello, lento, profundo, como acariciar a tu amante mientras ella duerme y no se da cuenta que le pasas la mano por la frente y el cabello, lentamente, sin prisa, gozando cada instante, absorbiendo lo que para ti es belleza única y especial.
“Feel the presence, the voice of the dark
Break the balance, intrudes your mind
Try to deny, oh master of fools
Captured forever, the loser learns the rules”

30 años que con sólo dos canciones parecían haberse borrado porque la banda arrancó con Mirror Mirror y Bewitched. Y así, de un solo golpe estaban representados ya dos discos clásicos de la banda y el género, Ancient Dreams y Nightfall. Pero Candlemass tiene 11 discos de estudio en formato larga duración, y si bien no todos son estelares, la mayoría son joyas de una corona forjada en la oscuridad de las temas depresivos y angustiosos que también pueblan la vida de las personas y así, la tercera canción volaba por la carrera de los suecos y aterrizaba en su más reciente disco con Prophet, tomada del Psalms for the Dead.
La primera vez que se deshizo la banda fue tras las pobres ventas del disco Chapter VI, primero sin Messiah Marcolin, pero eso no significa que no hubiera gemas brillantes en su interior así que la siguiente canción que cayó como baño de una oscuridad entrañable sobre la gente fue The Dying Illusion.
Pocas veces en México se ha visto un concierto en el que tema tras tema más del 85% de la gente corea las canciones, una tras otra, como si cantaran un arrullo amoroso a un ser querido. El calor en el lobby del Circo Volador era bastante intenso pero no importaba, el sudor que caía sobre los rostros encantados de la gente se perdía con algunas lágrimas de quienes sencillamente no aguantaban más la emoción de por fin tener ante sus ojos a una leyenda del calibre de Candlemass. No importa que Billboard o la RIAA o las revistas digan otra cosa, no importa que no fueran miles de personas, era un ritual al que estuvieron llamados esos pocos más de 600 porque el amor se siente mejor cuando se expresa en la intimidad.
De regreso al doblete Nightfall-Tales of Creation las siguientes dos canciones fueron Samarithan y A Cry from the Crypt. Ya para ese momento los gritos de euforia por no creer que la canción que tal o cual persona siempre quiso escuchar y no creyó que algún sucedería eran normales.
“I stand before destruction, touching the stone of my realm
So dignified...unmerciful, without empathy
You saw my birth, an ornament in your grain
You see my death, terrible and divine”

La siguiente canción fue un saludo a la era Rob Lowe (Solitude Aeternus). Emperor of the Void del maravilloso larga duración King of the Grey Islands mostró todos los colores que hay en la paleta de Candlemass. Y si bien Lowe es un gran cantante, Mats Levén no se quedó atrás en ningún momento. Yo he podido verlos ya cuatro veces, tres en Europa con Messiah Marcolin, Rob Lowe y Mats Levén y me queda claro que si bien Messiah siempre será el mito de Candlemass, Levén es quien mejor ha llevado el legado vocal en la banda.
Ya había avanzado bastante la noche, ya varios habíamos descubierto que se te puede enchinar la piel chinita, habíamos sonreído con el puño o la cerveza en alto, habíamos mirado al de al lado nuestro con esas miradas de complicidad metalera y sin embargo nada había sonado del disco que, en su momento y en su sub género, cambió la cara del metal, el Epicus Doomicus Metallicus. La espera concluyó por fin cuando las primeras notas de Under the Oak provocaron una exclamación de júbilo que si se hubiera planeado no hubiera sucedido.
Nightfall volvería a ser protagonista con la magistral At the gallows end, una de las más coreadas y vitoreadas en una noche donde cantar y vitorear fueron la norma en todo momento.
“With sad emotions, I sing this epitaph
my swansong, my headstone, the farewell of my heart
The hills of Tyburn, up where the gallows stand
only the vultures will come to see me hang
Behold the sight of my Golgatha
the gallows enlightened by the moon
proud of his art are the carpenter
his creation a tool for my doom”
Para cerrar la noche, o mejor dicho para cerrar la primera parte del concierto, cuando ya Candlemass tenía a su público mexicano en la bolsa y cuando el público mexicano le había mostrado a Candlemass un amor incondicional que no les pasó desapercibido, el Epicus se hizo presente de nuevo con A Sorcerer’s Pledge. Wow, vaya manera de dejar el escenario para respirar unos minutitos. Obviamente sabíamos que faltaba más, no sabíamos qué ni cuántas pero un grito al unísono comenzó a retumbar: ¡solitude! ¡solitude!...
Y esa hubiera sido la salida fácil pero este era un concierto destinado a ser recordado por siempre y para eso no se permiten las salidas fáciles, Solitude llegaría en su momento pero antes la banda estaba dispuesta a alargar la hermosa agonía musical con el uno dos del tales of Creation: The Prophecy y Dark Reflections dejaron claro no sólo que ese disco es uno de los mejores en su historia sino que también es de los más queridos por sus fans quienes entonamos a grito pelado cada frase. Clásicos de los conciertos legendarios como “¡no mames!”, “no puedo creer que toquen esta”, “tsss, qué cabrón” y “¡a huevo!” se escucharon sin parar.
Parecía que del Epicus no sonaría ya nada más excepto por la ansiada Solitude pero ya en la recta final del concierto y antes del glorioso final nos regalaron Crystal Ball. Ya para entonces el éxtasis era total así que cuando por fin llegó el cierre del concierto ya no se sentía como en esos típicos shows en que más bien ya esperas la clásica porque ya te quieres ir. No, en esa noche Solitude llegó para cerrar con broche de oro uno delos mejores conciertos en la historia de esta Ciudad. Levén la canta con un estilo muy sombrío y fúnebre, distinto a la versión que todos conocemos y que sin embargo se presta de manera soberbia para que todo mundo la cante, la goce, sufra lo mismo que el personaje que pinta y que pide “por favor, déjame morir en soledad”.

Candlemass demostró, por lo menos para mi entender que ni el rock ni el metal están muertos o en fase terminal. Para mí el metal está saludable y robusto en ese circuito más subterráneo de los conciertos “chicos”, ese circuito al cual siempre ha pertenecido porque ahí el metal es regla, en las grandes arenas y estadios es más bien excepción. Hoy no importa que el público llamado oportunista vaya a llenar el Foro Sol con Guns and Roses o Black Sabbath o que haya llenado el palacio con Maiden. Ellos y Sabbath se ganaron a pulso el tener esos foros enormes repletos de gente, aunque no necesariamente sea repletos de fans. De esos tres, al momento de escribir esta reseña sólo Maiden ha sucedido ya y claro, tuvo todo lo que se espera de un concierto de ellos: clásicos inmortales, espectacular escenografía, un público entregado. Los otrtos dos (Guns y Sabbath) aún no suceden y ya hay quien los califica como “concierto del año”. En mi opinión no puedes calificar algo que no ha sucedido pero tampoco importa. El de Candlemass fue uno de los conciertos más redondos y perfectos que se hayan vivido en México. No fue masivo pero 630 personas supimos de una buena vez lo que representa ser una leyenda del metal. Habrá conciertos que la masa llamará “el mejor del año” porque así rueda la pelota del mundo del entretenimiento y habrá conciertos que efectivamente sean de lo mejor en la historia. Candlemass entra en esa segunda categoría. Hay bandas que hacen y harán conciertos masivos, llenos de tecnología, llenos de gente, impulsados con grandes esfuerzos mediáticos y hay conciertos de élite, como el que ofreció Candlemass.
“I'm sitting here alone in darkness, waiting to be free,
Lonely and forlorn I am crying
I long for my time to come, death means just life
Please let me die in solitude-
Hate is my only friend, pain is my father
Torment is delight to me
Death is my sanctuary, I seek it with pleasure
Please let me die in solitude.
Receive my sacrifice, my lifeblood is exhausted!
No one gave love and understanding
Hear these words, vilifiers and pretenders
Please let me die in solitude..!”

Entrevista Dark Moor

Por una confusión anuncié que subiría mi entrevista a Dark Moor en el blog, hoy. la confusión es que entyrevisté a Angelus Apatrida, pero igual hay una entrevista a los Dark Moor, sólo que no es mía. Igual se las comparto.

1) En los últimos años han cambiado de metal neoclásico a sinfónico, a que se debe este cambio?
Bueno, nosotros hacemos nuestra música sin pensar demasiado en etiquetas, creo que eso es más labor de periodistas y las propias compañías para vender un producto. Nosotros hacemos Arte, o así lo pretendemos, así que no miramos demasiado si estamos más en un estilo o en otro, componemos lo que nos sale del alma y del corazón intentando ser sinceros y sin dejarnos llevar por modas pasajeras. Logicamente a medida que vamos sacando discos tenemos más claro cual es nuestro sello a la hora de componer y mientras respetemos esto todo lo demás es un poco igual. Yo nos definiría como una banda de Rock sin más etiquetas, porque la verdad es que desde que comenzamos nos han llamado de todo. Lo que tenemos claro es que no vamos a repetir dos discos iguales, esto también forma parte de nuestra manera de entender la música y el arte.

2) ¿porque si la mayor parte de las bandas españolas cantan en español, ustedes. han decidido hacerlo en inglés?
Esa es una decisión que tomamos hace muchísimo tiempo y que pese a lo que puedan creer algunos lo único que ha hecho es cerrarnos puertas en España. Tenemos un par de canciones en castellano, como La Canción del Pirata y El último Rey, y las hicimos porque nos apeteció en su momento y porque pensamos que era el idioma adecuado para cada una de esas canciones. Pero parte de nuestro estilo y manera de entender la música es como en inglés, imagino que porque la mayoría de nuestras influencias son bandas que cantan en inglés. En cualquier caso no descartamos hacer más canciones en castellano si nos lo pide el cuerpo.

3) Cantar en ingles te ha abierto las puertas internacionalmente, pero localmente hablando te las ha cerrado? o la gente lo acepta?
La verdad que como comentaba antes nos ha cerrado más puertas que abrírnoslas. Excepto en algunos lugares como Japón, México, Rusia o USA donde la gente parece que nos escucha sin importarle demasiado el idioma y fijándose más en el contenido y en el mensaje que en que lengua se usa para darlo. Pero realmente más que un problema del público, yo lo veo más como un problema de prejuicios de ciertos medios y compañías que quieren obligarte a hacer las cosas de una manera determinada, a nuestro entender a nuestra música no se le pueden poner barreras ni reglas, debe ser libre, y así lo hemos hecho desde nuestros comienzos hasta ahora. Echando la vista atrás la verdad es que no nos ha ido tan mal, así que yo animo a otras jóvenes bandas a seguir esta senda, ser ellos mismos y no dejarse manipular por presiones externas a su propio arte. Así serán auténticos.

4) ¿Cómo se dio la reincorporación de Danny Fernández?
Fue una feliz noticia. Dani siempre ha sido un buen amigo nuestro, también durante estos años que ha estado fuera del grupo haciendo otros proyectos. Él estaba deseando volver con nosotros y nosotros deseando que volviera así que el encuentro ha sido genial.
Estar otra vez la formación de Tarot, con la que creo que comenzó nuestro despegue internacional es muy ilusionante para todos.


5) ¿Cómo ha sido hasta ahorita aceptado el cambio de estilo musical por los fans a nivel internacional?
¿Cambio de estilo musical? ¿qué cambio de estilo musical? jajaja. He leído mucho sobre esto en prensa, pero la verdad es que siendo un disco totalmente diferente no me parece que hayamos dejado de ser nosotros mismos y que nuestros fans de verdad, los que se compran cada y disco y vienen a cada concierto saben que el estilo de Dark Moor consiste en no tener fronteras compositivas ni líricas.
Me parece que una banda tiene que intentar sorprender con cada disco que lanza, porque para repetir el disco anterior mejor te quedas en casa. Es nuestra humilde opinión.

6) La banda acababa de cambiar su logo, y con el nuevo disco lo cambiaron nuevamente, ¿a que se debe el cambio de logo?
Hay bandas que mantienen su logo desde el principio inamovible. Nosotros hemos ido cambiando nuestro logo durante todos estos años, digamos que evoluciona, como la propia banda y se adapta a cada momento. No es algo que nos preocupe demasiado, la verdad.

7) A que se debe que estén incorporando tantos elementos de Queen y rock de los 70’s y se estén alejando del metal, ¿Consideran que están enriqueciendo el metal con esto o se quieren alejar un poco del metal?
Nuestra música siempre ha tenido gran influencia de Queen y otras bandas de los 70’s y 80’s como Rainbow, Kansas, Zeppelin, Maiden, etc. Es la música que mamamos en nuestra infancia y adolescencia y con la que crecimos como músicos, es normal que estemos influenciados por ella.
Es cierto que quizás en este disco parece más evidente para algunos, lo cual nos alegra mucho ya que nos encanta que nos comparen con Queen, para mi entender la banda más grande de la historia. Ojalá alguna vez llegáramos a tener aunque fuera un 10% de su talento.
En cuanto a alejarnos del metal, nosotros hacemos música con sinceridad y sin etiquetas, “heavy metal” no es más que una etiqueta más inventada por la prensa, por cierto que la primera banda a la que se llamo así fue a Black Sabbath… pues bien creo que este disco quizás esta más cerca de Black Sabbath que de otras bandas más modernas que ahora abanderan el supuesto “metal” así que a lo mejor ahora somos realmente más “metal” que antes si se contempla desde esa perspectiva… jajaja. En fin, que nosotros hacemos nuestra música y ya ustedes le ponen la etiqueta que gusten. ;)

8) Proyect x además de ser su más reciente disco, contiene muchos cambios de producción etc, ¿qué buscan alcanzar con este nuevo álbum y en que se inspiraron para hacerlo?
Pues como digo no repetirnos y hacer algo nuevo y sorprendente manteniendo nuestra esencia.
Por supuesto como cualquier banda aspiraciones hay muchas, llegar a más público, poder tocar más conciertos y en más países, vender muchos más discos, etc. Pero para nosotros lo esencial es la obra en si, ya que eso es lo que va a quedar. Nosotros pasaremos, pero nuestra música seguirá ahí, para todo aquel que quiera escucharla, ya sea ahora o dentro de 100 años.


9) Son la primer banda española en visitar China, ¿cómo fue esta experiencia, que esperaban y cuál fue la reacción de los fans?
Fue una experiencia fantástica. Allí están un poco abriéndose ahora al Rock y todavía no hay una gran repercusión pero están en camino. Mucha gente joven está con inquietudes por descubrir todo eso que viene de fuera y que hasta ahora han tenido censurado, lo cual es una muy buena noticia para China. Lo pasamos en grande y esperamos volver en el futuro.

10) ¿Quién es el creativo en los videos, y porque tocan el tema de los ovnis en su sencillo Gabriel?
Dejamos todo en manos de Oscar Martin el director de El Ojo Mecánico, que son quienes han realizado todos nuestros últimos video-clips. Están muy involucrados con nosotros y le damos total libertad de trabajo porque a nuestro entender es un auténtico genio.
Todo el álbum tiene una temática ufológica y los 3 videos también, lógicamente, no solo Gabriel. Imperial Earth y The Existence también van por los mimos derroteros.
En el caso particular de Gabriel es un homenaje a la película de Spielberg “Encuentros cercanos del tercer tipo” (Close Encounters of the third kind), que nos marcó especialmente en nuestra infancia. Por cierto que el Alien es el actor Javier Botet, una de nuestros actores más internacionales y que ha trabajado frecuentemente con Guillermo del Toro.

11) Últimamente hay muchos artistas en contra de Spotify, pero ustedes lanzaron su disco en esa plataforma, ¿cómo consideran que ayuda o afectan este tipo de plataformas?
No sabia que había muchos artistas en contra de Spotify… no se, tendría que enterarme de sus razones… jajaja. En fin, en principio cualquier plataforma por el que pueda difundirse música me parece buena, pero si hay gente en contra me gustaría saber sus motivos antes de manifestarme.

12) ¿Por qué creen que a las bandas españolas que tienen buena recepción en América Latina, Asia y España , pero les cuesta tanto trabajo tener impacto en países como Estados unidos o resto de Europa?
Por lo que yo se, las bandas españolas tienen buena recepción en España y América Latina, no en Asia. Supongo que es una cuestión del idioma, al cantar en castellano tienen abierto esos mercados antes que otros y supongo que también de cultura en general al estar más cercanos que con otro países anglosajones o asiáticos.


13) La mayor parte de las bandas de metal español tienen un sonido muy clásico y característico, y el de ustedes no es tan parecido, ¿cómo creen que se ha desarrollado la escena del metal español en los últimos años?
No soy muy seguidor del metal español. Esto no quiere decir que no me gusten bandas españolas que me gustan y mucho, pero no puedo hacer un análisis mínimamente serio sobre la escena del metal.
En general en España la crisis ha afectado mucho a todo el ámbito de la música e imagino que el metal estará parecido.
14) La vez pasada que giraron por México, fue la gira de presentación, que pueden esperar los fans en esta ocasión, especialmente los que ya los vieron la vez pasada, ¿qué pueden esperar que sea distinto?
La gente que vino a vernos ya sabe como nos las gastamos en directo, jaja. Estamos muy felices de volver a Mexico ya que los mexicanos nos hicieron sentir como en casa y eso no está pagado con nada. Puedo asegurarle que daremos todo por ellos, para que pasen un rato agradable con nosotros y olviden por un momento sus problemas y sean felices.
Son nuestros hermanos y ¡les queremos!

Kerry King habla sobre Metallica y Iron Maiden

Kerry King sigue siendo un personaje vital para el metal, aunque de difícil acceso y que ciertamente no siempre le cae bien a todo mundo. Es un tipo difícil para ponerlo fácil, o eso aparenta en lo que a su personaje público se refiere, que es lo que el 99% de las personas podemos conocer de él. En entrevista con RVA Magazine habló de varias cosas interesantes, muchas obviamente sobre Slayer y le dio su raspadita (aunque bastante light para ser honestos) a Maiden y Metallica.

Y justo lo que dijo sobre ellos es lo que me motivó a escribir este desvarío que, como siempre, es apenas un paseo por mi mente, algo que va saliendo con el pulsar de cada tecla y no necesariamente un tratado bien pensado con ideas acomodadas de manera x, es simplemente lo que me hizo sentir el leer las palabras de King.
De entrada y antes de entrar en polémicas dijo que “definitivamente estuvimos pensando en no volver a hacer música nunca más” luego de la muerte de Hanneman. Según él se plantearon esa posibilidad o “hacer lo que hace Down, sacar 4 canciones antes de cada tour, pero en verdad, mientras los discos no se vuelvan absolutamente obsoletos, más les vale creer que Slayer seguirá sacando discos”.
Lo interesante vino más adelante en la entrevista al reconocer que de alguna manera, Slayer depende mucho de su historia: “Vivimos de nuestra historia, eso seguro, pero igual hace todo el mundo, la diferencia es que nosotros somos los que tratamos de empujar las cosas un poco más adelante. Yo diría que Maiden y Metallica viven de su éxito pasado, sin ofender. Metallica ha hecho giras en torno al álbum negro desde que salió y eso que a mucha gente no le gusta el disco. A mí sí me gusta, es pesado como la chingada. ¿Es como Master of Puppets? Por supuesto que no pero es un gran disco. Iron Maiden para mí vive de sus primeros tres discos. ¿Han hecho buenas canciones desde entonces? Sí, pero no han hecho grandes discos. Yo quiero pensar que nosotros seguimos haciendo grandes discos porque así como hay mucha gente que va a los conciertos para escuchar Raining blood y Angel of Death, también hay muchos que quieren escuchar Disciple e incluso Implode”.
Ok, aquí es donde quiero hacer una pausa y meter mi cuchara.
De entrada me dio mucha curiosidad y gracia leer a alguien de ese tamaño coincidir con algo que yo he pensado y dicho siempre (y obvio no me refiero a que él lo sepa sino a que pensamos igual y yo no lo sabía), el disco negro de Metallica es pesadote y es muy muy bueno. Mi manera de describirlo siempre ha sido que está tan pulcra la producción que parece que no rifa, pero cuando escuchas las rolas en vivo, es pesado y realmente bueno. Curioso pues porque jamás creí que yo estaría de acuerdo en algo con Kerry King.
Antes, en alguna entrevista con un diario irlandés había dicho que “Metallica en realidad vive de sus primeros cinco discos. No estoy seguro de que hacer un disco nuevo tenga sentido para ellos. Death Magnetic fue una buena versión de ellos mismos, sobre todo comparado con St Anger . Con suerte seguirán por ese camino y recuperarán la onda de hacer buenos riffs para el futuro”.
Y otra vez estamos de acuerdo, sólo que para mí el Death Magnetic fue un poco más que “una buena versión de ellos mismos2, a mí me pareció un disco que los ponía en el camino correcto aunque con algunos detalles horribles (Cyanide, The Unforgiven III por ejemplo).

En la entrevista para RVA dice más adelante que él cree que el metal no va a morir nunca pero dice que hay que poner atención a los 90, cuando casi desapareció. Dice también que si los cuatro del Big Four dejaran de tocar mañana, él no sabe quién podría ser el sustituto pero que ejemplos de cómo las cosas cambian hay muchos, como Black Sabbath que pasó de ser súper oscuro y temido a llenar estadios, sin dejar jamás de hacer metal.
Yo creo que efectivamente el metal no morirá jamás, que tal vez cuando no haya Metallica y Maiden no habrá por un tiempo quien llene estadios, pero eso no es morir, es hacerse un paso atrás y reconstruir.
En cuanto a sus comentarios sobre Maiden, ahí coincido menos. A diferencia de Metallica (que a mí me gusta muchísimo más) ellos sí han seguido haciendo discos de manera constante. Ahora bien, a mi parecer han sido discos más bien flojos, alguno por ahí tirándole a mediocre, pero no se han dormido en sus laureles. El set list para esta gira lo demuestra, hay como 4 o 5 rolas (si no es que más) del nuevo material, lo cual significa que le tienen la suficiente fe como para darles prioridad y sacar del set, por ejemplo, Aces High y 2 minutes to midnight.
Ya después cada quién tendrá su opinión, pero sacar dos temas clásicos, o muy importantes para poner más rolas nuevas habla de una banda que se tiene confianza y que le da peso a sus nuevas composiciones. En fin, interesante leer a Kerry más abierto y menos tirando calabaza a medio mundo nomás porque sí. También habló de cómo la venta de discos se fue a la goma pero no le preocupa porque realmente no puede hacer nada al respecto, como las bandas viven de las giras, como hacerlas en EU es relativamente fácil porque viajas en autobús y como lo que realmente odia es el ciclo avión-hotel-venue-hotel avión que nunca acaba. Concretamente odia a los encargados de armar giras en Europa por lo raro de las rutas que suelen presentarles.

Y ya para darle colofón a este pequeña nota, en otra entrevista de septiembre del año pasado con The Skinny, Tom Araya habló sobre lo que “realmente pasó” con Dave Lombardo. En resumen, Araya da a entender que cuando se fue Lombardo de Slayer y luego tiempo después regresó, lo hizo como músico contratado (igual que Peter Criss y Ace Frehley con Kiss por ejemplo). Con el tiempo le ofrecieron un contrato mejor, mismo que aceptó. Luego vino el tiempo de hacer un nuevo contrato y ahí fue donde –según Araya-, Lombardo ya no cooperó. Según él le ofrecieron un contrato de 3 años pero pasados esos tres años, Dave no lo había firmado. Poco después, explica Araya, Slayer tenía ciertas obligaciones que cumplir y como Dave no firmaba, aceptaron sin preguntarle. Cuando Lombardo supo se enojó mucho, entonces le dijeron que firmara el contrato y todo estaría bien para él, pero no quiso una vez más y fue entonces que le llamaron y le dijeron que estaba fuera. Luego vinieron las declaraciones de Lombardo de que el 90% de la lana generada por la banda se repartía entre los músicos y le parecía injusto… lo de siempre. Por lo menos ahora sabemos los dos lados de la moneda porque en ese caso el más parlanchín era Lombardo, los demás habían dicho poco.
Así pasa con las bandas, si eres fundador y repartes todo a partes iguales pero un día te vas (y sobre todo en el caso Slayer, la primera vez que se quedaron sin Lombardo fue porque él se fue, no porque lo corrieran), si algún día regresas ya no eres tomado en cuenta a partes iguales. Exactamente eso pasó, insisto, con Ace Frehley y sob re todo con Peter Criss en Kiss, pero el fan tiende a creer que todo eso vale gorro, que si el hijo pródigo se va, el día que quiera volver regresa a tener el mismo peso económico, y eso sencillamente está equivocado.
En fin, un poco de chisme antes del par de shows de Maiden en el Palacio, que por cierto y aunque se enojen, no son sold out.

Enforcer, Voltax, Warsenal, reseña.

Y llegó la noche que cerraba el ciclo de tour de inicio de año para Voltax esta es la tercera parte del texto, faltará aún la segunda, la que tiene que ver con Celaya y Toluca en el ¡Metal o Muerte! Tour Méxicos 2016.
Ahora el turno era con Enforcer, de Suecia y con los canadienses Warsenal en lo que prometía ser otra gran noche de metal. La promesa al final del día sería ampliamente cumplida, todo salió a pedir de boca en la medida de lo posible y de la mano de Ezkizoofrenia, una empresa que empieza a llenar los huecos que quedan abiertos en el amplísimo espectro del metal. Para Voltax era una fecha importante porque debido a cuestiones profesionales ineludibles, Boludo, el baterista, no podría tocar. El “paro” vino de parte de un antiguo amigo de la banda, alguien que como baterista es de lo mejor que hay por aquí, que funge como ingeniero de audio de la banda y que hace que las tocadas y giras sean o más divertidas, o más caóticas. Al final del día, trabajar con el famoso “Commander” Chavez (ex Strike Master y actualmente en Acrania y Grave Cross) siempre es una aventura.

Tres ensayos en una semana y a rezarlo a san Güapeche, la mascota de Voltax, una figura de madera pintada de rojo parecida a una calavera con largos pies que acompaña los shows desde hace algunos años ya. Su nombre es albur así que lo dejaré a la imaginación de quien quiera imaginarlo, nada más no lo sacudan mucho y listo. El caso es que no había marcha atrás, la música sigue con o sin las bendiciones de la normalidad.
Al llegar al Foro Indie Rocks, los chavos de Warsenal ya estaban ahí. Tres jóvenes músicos que más tarde abrirían la noche con un thrash que invita a matear, aunque para ser justos con ellos habría que decir también que es un poco genérico. Bien tocado, sí, pero quizás un poco verde todavía. Supongo que si le dedican más tiempo a encontrar su personalidad propia tendrán oportunidad de hacerse de un nombre más grande. Para la hora de su presentación había tal vez unas 250 personas adentro y muchas más que esperaban afuera… nunca he sabido que espera la gente que se queda afuera, así que esperaban afuera algo intangible, probablemente importante para ellos pero que les impidió conocer una propuesta que valía la pena presenciar. Los chavos se veían realmente agotados pero como suele suceder, pasadas un ar de canciones y ya con los oídos del público ajustados a su thrash vieja escuela empezaron a tener muy buena respuesta y su energía mejoró ampliamente.

El trío quebequense, fundado apenas en el 2012 está firmado por el sello Punishment 18 records y cuenta con un larga duración llamado Barn Burner (algo así como quemador de graneros). Hasta donde yo supe vinieron con la intención de abrirse camino, pagaron parte de sus gastos y su viaje con la intención de salir de su natal Canadá en una de las más antiguas formas de trascender: tocar en donde se pueda, salir de su país como se pueda, dormir sonde se pueda y mostrarle a la mayor cantidad de gente posible su trabajo. Si esa gente está en buen número, mejor, pero si no, entregándose igual. “Sólo hay un camino, nuestro destino es el rock”.

Mientras ellos tocaban llegaron al Foro los Enforcer. Altos, delgados, muy blancos… Saludaron amablemente, subieron a su camerino para atender algunas entrevistas y se habrán alistado mientras Voltax reventaba a poco más de 450 almas que para entonces ya estaban adentro (eso es un cálculo mío, no una cifra oficial).
Nunca antes habían venido a México pero no por falta de ganas. Activos desde el 2004 y con cuatro discos de larga duración en su cuenta, los rubios metaleros llegaron a un Foro Indie Rocks pletórico, ocupado casi en su totalidad con alrededor de 600 personas (esa sí es la cifra oficial). Su set fue una sólida presentación de heavy metal clásico con guitarras gemelas, riffs bastante melódicos, de esos que tranquilamente puedes corear a la par de la banda, con una enorme manta detrás que no dejaba duda de que estabas ante ellos y una colección de 14 temas que no dejaron sin representación a ninguno de sus discos.
Desde el balcón se aprecia muy diferente un concierto que desde el nivel del piso. Pierdes un poco en cuanto al sonido porque estaba planeado y dirigido hacia la pista pero ganas mucho en cuanto a ver a la gente. Desde ahí se disfrutaba mucho ver el mosh pit que se armó a la mitad de la pista y que, para no ponernos exquisitos, estuvo activo prácticamente durante todo el show de los escandinavos. Desde ahí también se veía la demografía del público. Contrario a lo que por lo menos yo esperaba no era tan mayoritaria la presencia de gente muy joven, si bien es cierto eran más, había también muchos metaleros de mediana edad que eso sí, brincaban, cantaban y mosheaban como chamacos. La barricada, pequeñita en su profundidad y angosta como las medidas del foro se veía llena en todo momento, ya fuera porque estaban ahí los fotógrafos acreditados para levantar imagen en las primeras tres canciones o porque los encargados de la seguridad estuvieron todo el tiempo recibiendo gente que caía después de navegar por un mar de brazos que les llevaban hasta ese destino.

"Ciudad de México, esta es la verdadera capital del heavy metal” decía Olof Wikstrand que se veía genuinamente emocionado. No era para menos, no recuerdo ni una sola de las canciones que no fuera coreada por la gente, era como si además de no haber venido nunca, Enforcer fuera la banda que todo mundo quería ver. Y claro, siempre que las condiciones para un concierto son así, se disfruta mucho más. Te diviertes viendo a la banda tanto como al público. En su encoré tocaron obviamente Katana, la que se ha vuelto el clásico de Enforcer para cerrar con Take me out of this nightmare y Midnight vice. Al final en el backstage todo eran sonrisas, firmas de pósters, saludos, abrazos… “Steelmaker! his dreams are made of steel, rolling like a wheel, his dreams are made of steel”.

Desde media tarde que Voltax llegó al inmueble el trato fue muy amable y profesional. Casi una hora sin presiones para soundcheck siempre ponen de buenas a cualquier banda. Al no contar con Boludo, el set debía ajustarse a los temas más sólidos que se pudieron ensayar en la semana. En otras circunstancias, cuando la gente pedía a coro Love is hell (misma de la que Jerry cantó a capela parte del primer verso mientras Diego cambiaba urgente de guitarra tras romper una cuerda), la hubieran podido incluir aunque estuviera fuera del set.

Buen equipo, buen audio y una audiencia mucho más allá del simple término “receptiva” hicieron una gran velada. Había algo de nervio, seguro, pero una vez que empezaron los clásicos acordes de Unmerciful reign, seguidos del enorme grito de Jerry, la noche fue otra. Había un gran contingente de fans que vino al show desde Oaxaca que además son fans de Voltax, así que el ambiente estuvo a tope desde el mero inicio. Es muy halagador y divertido escuchar al público corear no sólo Acero Inmortal, que en esta ocasión fue la tercera en el set y no el encore sino cada una de las rolas. Fue una noche de fiesta rockera que pasará a la historia de la banda como una de esas que no se borran fácilmente, y si bien una de las frases del viaje a Acapulco fue “hay mucho libido aquí”, en el Indie Rocks fue más bien un “gracias por todo, nos volveremos a ver”.

Al final, una noche a tope, sudorosa, llena de cantos y bailes y puños en el aire, como debe de ser.

Guns and Roses ¿qué?

Yo tenía 16 años cuando salió Apetite for Destruction y durante todo el año que le llevó convertirse en el disco debut mejor vendido en la historia de la música en su país, escuché todo tipo de críticas sobre la banda. A los 16 años uno cree que lo sabe todo y que el mundo está idiota. Y claro, era un mundo sin internet, así que lo más que había para mí por lo menos en cuanto a opciones de enterarme de cosas era leer revistas (la de mi elección era Hit Parader) y discutir con amigos.
Podría ver wikipedia y tratar de verme cool con lo maravilloso de mi memoria y sacar datos de ahí y ponerlo como míos o como que lo dominaba todo a la perfección, pero sería caer en el juego pretencioso que tanto abunda hoy en día, sobre todo en los medios de comunicación y más concretamente en los digitales. No, yo no recuerdo que estaba haciendo el 27 de mayo del 86 por ejemplo, y no porque la fecha sea importante sino por poner un ejemplo. No recuerdo que estaba haciendo la primera vez que escuché el Apetite porque no me cambió la vida ni mucho menos. Recuerdo que el disco, como ya dije, tuvo muchas reseñas mixtas; recuerdo también como poco a poco se empezó a hablar de que GnR era la última súper banda que había dado el rock (como sentenciando que después de ellos nunca habría nada más, una frase e idea bastante idiota y recurrente), y recuerdo vívidamente que cuando sacaron como sencillo Sweet Child O Mine, entonces sí, todo explotó.
Recuerdo también los apodos tipo “la banda más peligrosa del mundo” y recuerdo que aún en esa etapa de mi vida a los 16-17-18 años, no me gustaba. El rock tenía –en mi mente, aclaro- demasiados problemas como para sumarle a una banda a la que se le denominaba “peligrosa”. Recuerdo que el vinil que compré y que aún conservo traía una hoja insertada que de un lado traía un dibujo de una mujer aparentemente violada y en la parte de atrás, las letras. Recuerdo que me aprendí de memoria Sweet Child y Paradise City y buena parte de Welcome to the jungle. Recuerdo también que me gustaban mucho My Michelle e It’s so easy y que las demás me parecían X.
Era un buen disco, pero de ahí a llamarlos la última gran súper banda el abismo era enorme. No me quiero imaginar lo que hubiera sido de ese disco si hubiera existido o si ya hubiera estado totalmente instalada en nuestras vidas la internet. Qué pesadilla habría sido eso, hubieran vendido tal vez en lugar de 18 unos 25 millones de discos, quien sabe.
Recuerdo también cuando salieron los Use Your Illusion. Desde el día 1 me parecieron discos medianos, cada uno con un puñado de grandes canciones. Esa opinión no ha cambiado mucho, sigo pensando que podrían haber hecho un disco absolutamente maravilloso y ahorrarse la jalada de hacer dos.
Para entonces ya tenía 20 años, estaba absolutamente clavado en metallica y otras bandas del género y existía entre mis compañeros de la universidad un debate constante sobre qué banda era mejor. Guns siempre fue muchísimo más accesible, le gustaba por igual a rockeros que a fresas, a metaleros que a simples melómanos y Metallica en cambio (aunque con el álbum negro cambió esa idea) era para metaleros, y punto.
Para entonces el cable ya llegaba a donde viven mis papás y supongo que veía Mtv porque recuerdo que en la tele se hablaba mucho de Guns, y seguramente no era en el Canal de las Estrellas. Recuerdo que su primera visita a México sucedió en 1992, y de acuerdo a una agenda que ayudé a construir (y de la cual escribí la introducción, por cierto) con datos que se tenían archivados en Ocesa.
“Las posibilidades y ofertas en este rubro son tan variadas, que fue preciso que OCESA se especializara en las distintas áreas de esta industria, para generar más tarde lo que hoy es Corporación Interamericana de Entretenimiento (CIE). De aquí nació en 1995 OCESA Presenta y dos años después se sumó RAC Producciones, la más importante promotora de eventos latinos que existía en México. Actualmente ambas empresas están posicionadas como dos de las promotoras artísticas más importantes de Latinoamérica”. Breve paréntesis para poner un párrafo de lo que esta escrito en esa agenda, que curiosamente habla de dos empresas que ya no existen pues OCESA Presenta y Rac producciones hoy son englobadas bajo el simple rubro OCESA.
En fin, de acuerdo a esa agenda, la primera vez que Guns vino a México fue el 1 y 2 de abril del 92. Mi boleto era de lo que siempre ha sido en el Palacio la sección D, la grada que ya forma parte del palacio. En ese tiempo no se hacían accesos generales, casi siempre se ponían secciones A, B y C que eran desmontables y la grada propia del palacio se dividía en D y E. Como muchísimos conciertos más de mi vida en esa época, no tenía dinero para comprar así que me los ganaba en el radio. Los Use Your Illusion como ya dije me parecían demasiada música de la cual poca realmente me gustaba, pero a diferencia del Apetite, al ser CD, podía adelantar las rolas que no me gustaban con un control remoto, así que varias no las conocía y aún hoy, me valen madre.

Yo estudiaba comunicación en la UIC. En ese tiempo era la chida para esa carrera. Teníamos una UCA (Unidad de Comunicación Audiovisiual) con laboratorios (estudios más bien) maravillosos de radio y televisión por ejemplo. En Rock 101 existía un programa que se llamaba La Puertita Antiradio, y uno de los conductores era egresado de la UIC. Se hizo una semana de la comunicación y ellos llevaron la transmisión de su programa a la UCA de la UIC, y tenían boletos de Guns para regalar. “Al primero que se atreva a cantar una rola de los nuevos discos al aire, le damos un boleto”. Guns vino en abril del 92 y los discos habían salido en septiembre del año anterior. En México los discos no llegaban al instante de salir en EU y como fuera, el caso es que a mí me gustaban un puñado de rolas nada más, pero me la jugué. Antes de mí pasaron a otra persona, le pusieron Don`t Cry y no pudo. Ya no recuerdo exactamente qué pasó pero los conductores se enojaron y cuando pasé yo me dijeron que no pondrían una de las facilitas, así que literal abrieron el booklet, lo detuvieron en una página X y la rola que salió fue Estranged. Yo recordaba haber leído en el booklet que Axl le dedicaba un agradecimiento especial a Slash por sus liras en esa rola, pero nada más. Me dijeron que me daban chance de escuchar unos versos para no entrar tan en seco y que en el segundo intento debía cantarla yo. El tipo anterior no pudo ni abrir la boca, yo medio intenté seguir la melodía leyendo la letra y aunque seguro fue un enorme ridículo, justo por eso mismo me dieron el boleto. Ya no recuerdo si fue para el primero o el segundo de los días, pero estaba asegurado mi acceso.
Recuerdo muy bien y para ya no hacer este poste eterno que me encantó el show, y que se escuchaba peor que del asco. Axl usaba la palabra Fuck y sus derivados a cada momento, tanto que aún recuerdo muy bien que cuando acabó el show, un par de personas que venían caminando detrás de mí dijeron “¿ves? Lo que decían es cierto, el Axl es racista, nos dijo Fucking Mexicans” jaja. Idiotas siempre ha habido.
Esa noche, según recuerdo, iba con un vecino al que le decíamos el Che Ché. Él no llevaba boleto y llegando al palacio nos separamos porque ya era tarde, yo debía entrar y el debía buscarle en la reventa. No recuerdo que se haya retrasado gran cosa el concierto, tal veza en ese tiempo Axl aún no era el imbécil megalomaniaco que es ahora. Tocaron mucho de los Use y del Apetite (ojo, tampoco tenían mucho más que eso) y se birncaron por completo el Lies. Yo quería escuchar Patience por ejemplo, y sí, era la época en que existían las estaciones de radio que programaban rock así que esa, que pasaba seguido, era de las que yo quería escuchar. No tocaron, que yo recuerde, nada de ese disco.. En ese tiempo yo estaba delgado, jugaba futbol a muy buen nivel y no padecía ni de la espalda ni las rodillas jaja, estaba en muy buena forma así que podía usar unas botas espantosas tipo policía de la montada y caminar con ellas largas distancias sin ningún problema. Llevaba unos jeans deslavados que de viejos traían ya rasgaduras y hoyos por todos lados y que como no podía usar tanto para ir a la Uni los había pintado con logos de muchas bandas que me gustaban. Traería alguna `playera negra de alguna banda y una chamarra de mezclilla también bastante jodida y sucia. Cuando sonaron los acordes del riff de Sweet child me colgué con pies y manos de la reja que separaba la sección D de la C, tal cual como simio, pero el gusto me duró apenas unos cuantos segundos porque otro simio, este vestido de lobo, me bajó de las greñas. Se armó un pleito, casi nos agarramos a golpes y un par de desconocidos se pusieron de mi lado, llegaron más lobos y al final no pasó a mayores, sólo me perdí la rola que más quería ver en ese momento jaja.
Luego, al poco tiempo, así de la nada, la banda más peligrosa del mundo era la jalada más grande del mundo. Los videos de los Use eran cada vez mejor producidos pero también cada vez más sobadas de ego para Axl. La última gran súper banda sacó un disco terrible de covers llamado The Spaghetti Incident. La banda que cambiaría el rumbo del metal y el hard rock estaba agonizando y la banda que sepultaría al metal por algunos años, Nirvana, se apoderaba de la popularidad y credibilidad que dejaba tirada Guns and Roses. Creo que para muy pocos fueron sorprendentes las noticias de que los antiguos miembros de la formación clásica se iban. Poco a poco Guns and Roses se hizo apenas una pálida sombra de lo que fueron. A nivel chisme, los verdaderos fans de la banda, que no son tantos, tendrán su opinión sobre quien tuvo la culpa y quien no. El caso es que después de Spaghetti, el drama que se creó al incluir sin crédito una canción de Charles Manson y algunas declaraciones de pleito, Guns desapareció del mapa. Y habrá quien diga que el Chinese Democracy es una joya y demás, pero lo que terminó siendo Guns and Roses era una lejanísima referencia de lo que alguna vez fue.
Años y años de insultos de ida y vuelta finalmente concluyeron cuando, historia conocida por todos que no hace falta reseñar, PARTE de la alineación clásica decidió reunirse.
Me parece que lo que van a tocar es material de esos discos en los que estuvieron todos ellos, Apetite, los Illusion, Lies y chance el Spaghetti. No creo que toquen nada de Chinese Democracy, pero el punto es, ¿Guns and Roses 2016, qué? ¿Se juntaron sólo por dinero, de verdad ya se quieren otra vez, planean hacer música nueva juntos, se arrepienten de sus desplantes en el Salón de la infamia...? Desde mi perspectiva, Guns dejó de ser relevante hace cerca de 10 años, y eso, contrario a decenas de otras reuniones, le quita credibilidad a su recién encontrado amor mutuo. Recordemos que entre Spaghetti y Chinese pasaron casi 15 años y que desde los Illusion, que eran el referente de música original más “actual” antes del Democracy pasaron ¡17 años!
La mitad si no es que más de los pseudo ciber reporteros que hoy hacen tanta lharaca por Guns ni siquiera habían nacido cuando esos discos (los Illusion) salieron, y hoy los tenemos por todos lados hablando de la banda como si fuera lo más importante de sus vidas. Y eso por no hablar de los “fans”. ¿En verdad alguien cree que Guns tiene fans suficientes en México para llenar dos veces el Foro Sol? Cuando vinieron en su mero momento llenarod dos veces el palacio, sí, pero la diferencia entre vender 30 mil boletos y 110 mil es enorme, además de la exorbitante diferencia de precios que hay entre aquellos tiempos y los tiempos modernos. ¿De dónde salió tanto amor por una banda que dejó de ser relevante hace más de 20 años?

Tampoco es que me indigne. Ya no. Ahora me da risa, pero aún me molesta ver notas que, con toda información disponible, sean incapaces de definir lo que viene de Guns and roses como algo cercano a la realidad en lugar de llamarle alineación original o alineación clásica, porque no es ninguna de las dos. La banda misma en su página hace referencia a la “alineación icónica”, pero no clásica ni original.
De las últimas veces que vino Guns lo que yo recuerdo, porque me tocó trabajar, es lo desesperante que resultaba esperar a que el tal Axl saliera de su letargo para empezar el show. Una vez tocaron dos abridores, se pasó en pantallas del Palacio casi completo un partido amistoso de futbol entre México y Venezuela y todavía el señorito se tardé una hora más en salir. Patético, pero aún así había medios que le lamían las botas llamándolo una verdadera super estrella jajajaja. Lo que hay que leer.
A mí me encanta ver gente que pierde el control como lo hice yo en ese 1992 y que se ponga algo salvaje, y en aquél show platico lo que yo viví, pero medio Palacio andaba en ese plan. Hoy no me imagino a nadie volviéndose loco en tal o cual canción. Si acaso habrá algún momento en el que en lugar de medio foro Sol, tr3es cuartos de Foro sean los que levanten al unísono sus celulares para luego poner el video en Youtube o facebook o lo que sea y demostrar que ahí estuvieron, aunque el concierto en sí no les diga nada, no les deje nada.
Y habrá pinche mil reseñas de las cuales el 90% serán malas, con información incompleta o sin entender lo que estará sucediendo frente a sus narices, porque la banda que tocará en el Foro Sol en semanas próximas no tiene nada que ver con aquellos mugrosos desarrapados que vivían en condiciones de pobreza que grabaron Apetite, y con menos sufrimientos, los Use. Será en todo caso interesante ver como se desenvuelven en el escenario, si se nota o no tensión (cuando se reunió Soda Stereo por ejemplo era obvio el mal ambiente entre ellos), si `presentan algo de música nueva. Serría interesante también que se permitiera por parte de la banda algo de entrevistas, aunque sería una pena que las entrevistas las hicieran reforma o Milenio y le preguntaran si conocen alguna banda mexicana. O peor, que los entrevistara algún portal de internet de esos que ni redactar saben y les vayan a preguntar alguna estupidez.
Para el análisis también la decisión de ellos de tocar 4 shows en Estados Unidos y dos en México. No una gira completa, no Europa no nada, un puñado de fechas gringas y un par en México, ¿por qué? Yo por ejemplo no creo que sea porque les llegaron al precio, cualquier promotor grande querría y podría pagar esta gira. Eso me parece lo interesante y tristemente, no veo que nadie haga el análisis u ofrezca alguna idea. Yo por ejemplo creo que estarán “midiéndole el agua a los camotes”, viendo como funciona un concierto de ellos solos (en Coachella es un cartel enorme así que no toda la gente va por ellos), midiendo si la producción tipo estadio les queda bien o no. Agarraron a México porque saben que se va a llenar, porque hay infraestructura de primer mundo para conciertos, por la cercanía con Estados Unidos. O puede no ser nada de eso, pero el detalle es ciertamente curioso.
En fin, para mí el punto es ver si realmente hay algo de relevancia en esta semi reunión, más allá de los llenos totales, que seguirán sucediendo mientras sigan abriendo fechas. Es decir, esto es como los Rolling Stones, sabes que cuando salgan de gira van a llenar pero eso no los hace relevantes, son un acto de nostalgia, enorme pero de nostalgia al fin y al cabo, y lo que está vendiendo Guns and Roses es justamente eso, nostalgia.
Por eso la pregunta. Guns and Roses ¿qué?

Esta es por cierto la alineación clásica, nomás por no dejar.