Megadeth, no iba a empezar un
concierto con una canción de amor, aunque no es que tengan muchas. “The sick,the dying… and the dead!” fue una excelente manera de arrancar el show. Como es la primera y la emoción está a florr de piel no da tiempo para que la gente se queje (por lo menos no de manera instantánea) o baje la intensidad. Se apagaron las luces y 22 mil personas explotaron en júbilo.
Cuando iniciaron las primeras notas la reacción fue, no diría que sorpresiva, más
bien alentadora. Ese disco más reciente de Megadeth The sick, the dying... and the dead!, al igual que el anterior (Dystopia 2016),
los volvieron a poner en la cima, y la manera de entenderlo en México es verlos
ante la mayor audiencia que han tenido en cualquier concierto que hayan hecho
solos.
Me tocó ir solo. Años en el mundo de las
relaciones públicas y la prensa me enseñron que a veces así debe ser y no porque se te
de la gana, sino por necesidad. No importa, a estas alturas de mi vida puedo
decidir a qué conciertos ir y a cuáles no, aunque sea solo. Pero acá
estamos hablando de Megadeth, no era algo para pensarse dos veces, y más que en
situaciones festivaleras recientes no los vi. Siempre quiero ir pero hay veces
que las circunstancias no lo permiten. Bueno, acá tenía el permiso de faltar a
la chamba, la motivación del discazo que se refinaron con The Sick y a pesar de que hice casi dos horas de camino y llegué literalmente 3 minutos antes del
cierre de acreditaciones, pude verlos. Fue una noche brutal y algo
que pocas veces ha sucedido con ellos en México, en un inmueble donde se
escucha perfecto estés donde estés.
Siguieron de inmediato con “Dread and thefugituve mind” y después, sorpresiva y agradablemente, al menos para mí, “Skin o´my teeth”. Según algunos archivos que encontré la tocaron en 2015 en el
Knotfest, solo que no fui a ese festival y antes de eso habría que remontarse
hasta 2012 cuando trajeron al Pepsi Center la gira de aniversario de Countdown
to extinction. Eso quiere decir que del primer cañonazo de tres rolas hubo una
nueva y una que yo no escuchaba en vivo desde hacía 12 años, nada mal.
La siguiente triada de temas fue “Hangar18”, que no se cuántos años tiene que la venían tocando como abridora de set,
detalle que siempre me ha molestado, “Angry again” y “She Wolf”. ¿Por qué la
molestia de abrir con lo que para mí es un mega clásico? Porque la primera rola
suele ser la que el ingeniero de sala usa para ajustar todo. Sí, para eso son las pruebas de sonido pero esas siempre se hacen con el inmueble vacío. A la hora del show hay miles de personas que absorben el audio y eso implica que habrá que ajustar sobre la marcha, eso significaba que una
de las canciones que más marcó mi adolescencia siempre la he escuchado con
detalles de ajustes de audio. Anoche (escribo esto el 26 de abril, al día siguiente del
concierto en CDMX) sonó perfecta, magistral y cualquier adjetivo de
glorificación que exista. En algún momento de esa terna de rolas, Mustaine se
dirigió a la audiencia con algo así como “buenas noches” jaja, nada más. Y aquí
vale la pena hacer un comentario extra.
Dave nunca ha sido el más parlanchín, por
lo menos no en México. Ha habido conciertos donde habla un poco más, otros
donde habla un poco menos, y recuerdo que cuando es menos siempre hubo quejas
de que en tal o cual país hablaba y aquí no, que era mamonería de él y demás.
Lo dudo y me hace pensar en junio del 2000 cuando tuve chance de convivir unas
horas antes y después de su concierto en el Hard Rock Live con Dee Dee Ramone. Por
ahí tengo guardado el set list de aquella noche pero recuerdo que fueron como
18-20 canciones en 45 minutos. El guitarrista estaba encabronadísimo y Dee Dee,
sentado en un sillón del Hard Rock me decía que pinches chamacos no entienden
la esencia del Punk Rock. Mustaine tiene un alto porcentaje de punk
rocker en la sangre, nunca no la ha negado e incluso en la edición japonesa de
The sick, the dying… and the dead! viene como bonus track “Police truck”, un
cover de The Dead Kennedys. Bueno, este concierto en la Arena CDMX, para mí,
fue una versión punk de Megadeth. Las rolas eran como balas de ametralladora, una tras otra y Mustaine se
acercó al micrófono solo otras dos veces (según recuerdo): para presentar “una
canción que habla del clima ("Tornado of souls") y para decir en español “gracias
chicos” ante las constantes ovaciones. Y no hace falta más, no con Megadeth.
La chela en los conciertos suele ser cara, Afortunadamente un par de amigos y colegas me regalaron una y con eso me hicieron el día, porque eso sí es una excelente cualidad de la Arena, siempre están bien frías. Ahora, lo malo en todo esto es que significa que tarde o temprano debes ir al
baño. Para mi ese momento llegó cuando tocaron “Sweating bullets”. No me prende tanto y después me quedó claro que ese fue el único momento en el que podría haber salido de la arena y no , porque es la única rola que tocaron que me no
disfruto tanto. Por suerte estaba en general, casi contra la pared, así que fui y regresé en un par de minutos. Inmediatamente después otra agradable sorpresa con “This was mylife”. Ya para ese punto había disfrutado prácticamente todo lo que había
pasado. No soy de los que se ofenden porque no tocan tal o cual rola (aunque reconozco que nunca siento que sobre "In my darkest hour", y no la tocaron), soy de los que
se emocionan cuando suena algo que no esperas (tampoco me pongo a ver y
aprenderme de memoria lo que vienen tocando en fechas previas, ¿para qué?). Después sonó también “Trust” y antes tocaron “Angry again”.
Curioso título porque enfrente de mi había un grupo de unas 5-6 personas que
estaban por lo menos dos metros adelante de mi. Luego pasan los riffs y las
chelas y empezaron a recortar esos dos metros. Dos veces di un paso largo hacia atrás para
que ellos tuvieran espacio de moverse como dueños del lugar pero justo en Angry decidí ya no moverme más y cuando uno de ellos se me vino encima,
le puse la mano en la espalda para detenerlo, que supiera que por esas cosas
raras de la vida en los conciertos, había alguien detrás. No fue nada agresivo,
nada más puse la mano para detenr su marcha porque si no me atropellaba. No pasó nada más, sólo es anécdota,
pero fue curioso que esto sucediera jastamente mientras Mustaine cantaba “Enfurecida, mi
mente empieza a echar humo, me viene una sobrecarga mental, estoy enojado otra vez”.
Siguieron “Tornado fo souls”, “A tout lemonde” y “We’ll be back”. En Tornado, además de presentarla, Mustaine hizo algo
que no recuerdo haber visto antes con Megadeth: dejó que la gente cantara el coro.
No dijo nada antes, tampoco durante la rola como lo hacen los cantantes
tradicionales que apuntan el micro a la audiencia (él no puede porque está
tocando la guitarra), nada, pero no hizo falta. Se ve que sabe que es una de
las rolas favoritas en nuestro país y dejó que esas 22 mil gargantas (la mayoría al
menos) cantaran “But now I’m safe in the eye of the tornado. I can’t
replace the lies, that let a 1000 days go. No more living trapped inside,
in her way I’ll surely die, In the eye of the tornado, blow me away”
con todo y “huh” al final. Cada quien tendrá sus momentos memorables, en mi
caso, este fue uno de ellos. Y del disco nuevo, bueno, “We’lll be back” era
para mi un sí o sí y afortunadamente me tocó escucharla en vivo. Es una gran
rola y vaya que queda como anillo al dedo en un entorno de concierto.
Después fueron “Symphony of destruction”, “Mechanix”
que sé que le hizo la noche a muchos y “Peace sells… but who’s buying”. Creo, y
seguramente es una percepción equivocada pero creo que en este show en
particular los vieja escuela éramos un poquito más que las generaciones más jóvenes,
y eso se notó particularmente en Symphony. Sí, el ya inevitable “aguante (o a
huevo en algunos casos) Megadeth” estuvo presente pero se escuchó muchísimo
menos que en otras visitas. Y no tengo nada en contra del cántico, pero eso es
algo surgido en Argentina que significa mucho a ellos, pero escucharlo
fuera de ese contexto me parece un poco bobo. No entiendo ni me gusta ni aliento el pleito constante en redes sociales de México vs Argentina, mi comentario no viene desde ese lugar, viene en sentido “bien
por ellos, le dieron eso al mundo” pero insisto, fuera de ese país en
particular y tal vez Sudamérica en general, no tiene mucho sentido. En “Peace
sells” salió Vic Rattlehead y aquí se abre la oportunidad de otro comentario extra: parte
de lo que me encantó del concierto fue la vibra vieja escuela. Lo que veías era una manta con la
portada del disco más reciente, el brutal juego de luces para lo cual ayuda mucho la tecnología robótica que hace que unas decenas de lámparas parezcan cientos de ellas y claro, la banda. Y soy fan de Kiss antes que otra cosa así que
este comentario tampoco es pedrada a otras bandas que se apoyan en elementos escenográficos o pantallas u otras cosas, es meramente que Megadeth es
de las pocas bandas, llamémosle de grandes ligas, que puede pararse en el
escenario sin mayor cosa que cuatro músicos, una manta y luces y dar un
conciertazo memorable. El Vic es u toque muy emocionante pero es eso, un
toquecito. A Megadeth vas a escucharlo más que a verlo, y si vas con eso en
mente, te rompen la madre con lo brutal que suenan, lo amarrados que están y lo
bien que traducen al escenario lo que hacen en el estudio.
Cuando ves el set te das cuenta de todo lo
que ha hecho la banda, todos los rincones metaleros que ha pisado y puede dejar
claro por qué unos amamos a Megadeth, y otros nomás no la toleran. La
del 25 de abril de 2024 fue una gran noche, cortita porque tocaron como 80
minutos nada más pero siendo honestos, si Mustaine se detuviera a platicar un
poco cada dos o tres canciones y trajeran escenografías y detalles visuales extrahubiera sido un concierto de 95 minutos tal vez,
con la misma cantidad de canciones: 16. Esta vez Megadeth vino a tocar y romper
madres, no a platicar, y yo no le veo nada de malo.
Ah sí, la otra anécdota es que alguien
decidió aventar su chela cerca del final del show, y parte de ella me cayó
encima. Afortunadamente era cerveza, y eso quedó claro porque estaba fría y
porque después salí oliendo a chela. Ni hablar.
Bueno, pues tocó turno con Chris Reifert, de Autopsy. La anécdota es que yo le hice algunas preguntas sobre el hecho de que es baterista, aunque es el cantante y lider de la banda. Tiene una forma de hablar muy suave, sin emociones, y como fue mediante zoom pero sin cámara, uno se queda con la incógnita de si la entrevista le pareció chafa. Pues resulta que al final, en la despedida, me dijo que disfrutó mucho ese tipo de preguntas. Buen detalle.
También como anécdota, cuando me dijo que tocaron en el 92 en una Plaza de Toros, su descripción me hizo pensar más bien en un lienzo charro. La charrería no es algo que esté en el vocabulario o la mente de los gringos, así que lo fácil es confundirlo con una plaza de toros. Total que buscando en la red me encontré con el flyer: Audotorio Lomas Verdes. Parecía poco probable que tuviera claros muchos detalles de aquella fecha pero que no recordara que fue en un auditorio. Total que viendo con calma el flyer, descubrí trístemente el logo de Juan Santos, y con defraudadores no hablo, así que no le podía llamar. Pensé llamarle a Carlo de Chas, pero ps era competencia así que decidí no hacerlo. Llamé, eso sí, a Adrián Muños, alias "Tiburock". Él no sabía si el Auditorio había sido Lienzo Charro, pero me dijo que investigaba y me llamaba. En eso, decidí preguntarle a Roberto Villa, alias "Valhallawarrior" porque, sin pena para decirlo, es unos 4 años más grande que yo y tal vez habría conocido el dichoso auditorio. Resultó que no (a muchos, Tlane y Lomas Verdes nos quedaban muy lejos), pero él me dijo que Diego del Pozzo era un sateluco consumado que seguramente sabría. Resultó que sí, él era de dicha zona y recordaba bien que había un Lienzo Charro que era llamado "Auditorio" y se a veces se hacían eventos de metal. Agradezco a los tres por la ayuda, y más al Tibu que buscó a otras personas para lo mismo. Después de armar el rompecabezas, creo que la descripción de Chris queda al dedillo con la idea del Lienzo.
Y ya por último antes de empezar, aclaro que las veces que parece que las entrevistas empiezan de modo brusco, es porque nunca grabo, y cuando lo hago no escribo los momentos previos tipo "hola Chris, soy Luis de Revista Marvin, ¿estás listo?". Son versiones sin edición de las entrevistas pero me refiero técnicamente a eso, la entrevista, el antes y el después son irrelevantes para los lectores, ¿no?
¿Has visto el line up del Festival?
He visto poco pero lo que he visto me
parece muy bueno.
La vez anterior que Autopsy tocó en México
fue en 1992, hace tres décadas. ¿Recuerdas algo de aquél concierto o del país?
Bueno un poco, 31años son muchos pero
recuerdo bien que tocamos con Incantation y Cenotaph, ambos estuvieron muy bien
por cierto. Fue en exteriores, en una plaza de toros, con una tribuna de
concreto. Fue como un gran día de campo, había una briza fresca ideal para
tocar Brutal Death Metal. Había una muy buena audiencia sobre todo al tomar en
cuenta que el Death Metal no se conocía tanto, y no solo Autopsy sino el género
en general. La pasamos muy bien.
Ya que mencionas que el Death Metal no se
conocía tanto, tú estuviste ahí en la primera formación de Death, la banda
considerada papá del género. La ecuación nos dice que si estuviste en la banda
papá del género tu eres parte de la familia directa del género. ¿Te ves a ti
mismo como leyenda o no?
Yo no me veo a mi mismo como leyenda,
simplemente me alegra ser parte del juego. Al final del día soy un fan más de
la música, me gusta tocar Death Metal y si a otras personas les gusta me parece
fantástico.
Leí que eres fan de Keith Moon. ¿Fue una
influencia en tu forma de tocar o fue la persona que te inspiró a ser
baterista?
Bueno por alguna razón cuando era niño mis
papás pensaron que sería una buena idea comprarme una batería. Cuando tenía
nueve o diez años, en los 70, formaba parte de una banda de marcha, tocaba el
bombo de marcha. Luego de eso quería tocar una batería de verdad, ese era mi
sueño pero tuve que empezar poco a poco. Lo primero que me compraron mis papás fue
un pad de batería, luego me regalaron una tarola y luego cuando tenía como 13
años finalmente me regalaron una batería completa, mi papá la consiguió en un
mercado sobre ruedas por 65 dólares. Era un kit color naranja que era perfecto
para un principiante y luego nunca quise ser baterista para ser como alguien
más, y obviamente admiro a muchos bateristas pero mi perspectiva era más de
seguir bandas que me gustaban. Pero en realidad es culpa de mis papás que
creían que era una buena idea darle una batería a un chamaco, porque es un
instrumento muy ruidoso, sobre todo para tocar en casa, tienes que escucharlo
aunque no quieras porque no tiene perilla de volumen pero no sé, es algo que
siempre quise hacer. De los primeros bateristas que admiré estaba Peter Criss
de Kiss, crecí con ellos y luego cuando salió The Number of the Beast de Iron
Maiden y fue la época en que tomé algunas clases de batería y entonces quería
tocar como Clive Burr pero el maestro no sabía como lograba su sonido así que
tuve que descubrirlo por mi cuenta. Siempre me gustó ser baterista y aún lo
disfruto mucho.
Además de baterista eres el cantante, lo
cual te convierte en el líder de la banda, y por un tiempo eras letrista,
parece mucho trabajo. ¿Qué tan complicado es tocar la batería y cantar al mismo
tiempo? ¿Se te dio de manera natural o tuviste que trabajar mucho para
lograrlo?
Pues un poco de ambas cosas. Yo no quería
ser el cantante, de hecho probamos con un par porque cuando iniciamos Autopsy
queríamos tener un cantante al frente, pero nunca encontramos a nadie que nos
gustara. En se tiempo nadie sabía bien qué era el Death Metal, no había mucha
gente a la que le gustara ese tipo de música en ese tiempo, simplemente no
pudimos encontrar a nadie. Probamos con un amigo nuestro pero no funcionó, era
malísimo así que nos encontramos con la situación de que debíamos hacerlo
nosotros mismos. Al principio tanto Eric (Gutler, guitarrista) como yo
cantábamos pero el decidió luego que quería enfocarse solamente en tocar la
guitarra así que honestamente lo que pasó es que me quedé con la chamba a
fuerza jaja, no es algo que quería hacer pero nadie más lo hacía así que lo
hice pero en realidad no fue tan complicado, creo que si tienes un buen sentido
del ritmo como baterista las letras terminan por quedar bien sin que te
esfuerces tanto. No sé, lo hicimos y funcionó y han pasado 36 años.
Tú y yo somos cercanos en cuanto a la
edad, venimos de una época en que existía el vinil, no se veía en el horizonte
algo como los CD’s y menos como Spotify. Tu has pasado por el vinil, los cd’s,
la música digital y de vuelta al vinil. ¿Te gusta la idea de que el vinil
regresara o eres de los que se adaptan a lo que hay sin pensarlo mucho?
Me gusta la idea de que el vinil siga
vigente, crecí con ellos y antes de ellos estaban los casets, y tal vez
recuerdes previo a ellos los cartuchos de ocho pistas (en México se les llama
cartucho ocho track), yo tenía de esos de Kiss y mi papá tenía de Led Zeppelin.
Me pone contento que cualquier producto físico siga vigente, ya sea vinil o cd,
esos también me encantan, los casets, pero también me alegra que exista el
formato digital, cualquier formato que permita que la gente escuche nuestra
música me parece bueno. No soy el tipo de persona que solo escucha viniles, lo
que puedo decir es que me sorprende que haya gente que aún quiera escuchar
nuestra música todos estos años después, es sorprendente así que no me queda
quejarme de cómo o dónde la escuchan, eso es lo importante. Pero regresando a
lo que dijiste, creo que fue divertido crecer en un mundo previo a que las
computadoras dominaran todo jaja, a veces pienso en eso, lo divertido que era
comprar un disco y mirar la portada y disfrutar sin tener que entrar a internet
y meterte en el hoyo del conejo, aunque eso también es divertido pero mientras
la gente quiera escucharnos, como sea, yo me siento agradecido.
Eso suena a lealtad, y Autopsy ha estado
desde siempre con Peaceville Records. ¿Qué tan importante es tener un sello
discográfico en 2023 cuando existe todo este mundo digital? ¿Qué sientes de
haber mantenido el mismo sello por tantos años?
Creo que estamos satisfechos con su
trabajo y ellos con el nuestro, hemos estado con ellos durante toda la carrera
de Autopsy menos uno o dos lanzamientos cuando estuvimos separados, algún disco
en vivo, algunos demos pero firmamos con ellos en 1988 y cada disco y EP que
hemos sacado ha sido con ellos así que supongo que ha sido una buena relación.
Es interesante porque Peaceville fue fundado en 1987 y un año más tarde los
contactamos, firmamos un contrato y seguimos con ellos así que todo ha ido
bien, estamos en 2023 y acabamos de terminar un disco nuevo que al tiempo de
esta entrevista (26 de abril) ya se mandó a masterizar así que seguimos en la
batalla.
¿Tocarán algo de ese nuevo material en
septiembre?
Tal vez tocaremos una o dos canciones del
disco más reciente, Morbidity Triumphant, sería lo más nuevo porque del disco
nuevo aún no se ha escuchado nada pero nos gusta mezclar el set, tocamos algo
de los primeros dos discos, sí, alguna que otra novedad, seguramente.
Ustedes son cuarteto y tres de ustedes han
estado ahí desde el principio, o casi, pero han tenido muchos bajistas. ¿Hay
algo raro en ellos que les impide quedarse en la banda?
Es un poco de todo cada uno ha tenido su historia
propia, algún cambio drástico en sus vidas o tienen problemas de drogas y no
pueden estar en la banda o se mudan, hemos pasado por todo eso. La banda no es
algo que nos tomamos a la ligera, siempre hemos sido muy serios en cuanto a
quien tenemos en la banda así que en realidad depende de la persona el que
fiuncione o no. Ahorita estamos muy contentos porque tenemos a Greg Wilkinson
de bajista y nos parece que por diversas razones es el bajista perfecto para
Autopsy. Por el momento estamos en un buen sitio, estamos contentos.
Los bateristas tienen el trabajo más
demandante físicamente. Hace poco leía una entrevista con Lars Ulrich de
Metallica y decía que quieres seguir con la banda otros 20 años. ¿Tú te ves a
ti mismo como baterista de una banda como Autopsy por 20 años más?
No tengo idea, podría atropellarme un
camión y sería el final de la historia jaja, lo que sé es que aún tengo
gasolina en el tanque, no me siento ni viejo ni cansado. Cuando toco música con
Autopsy, en mi cabeza soy un chico de 18 años de edad. Físicamente me siento
bien, no puedo predecir el futuro pero a menos que un día me despierte y diga
“ya no quiero hacer esto”, no veo el final del camino todavía. Siempre que me
veas en un concierto o en el estudio querrá decir que estoy metido al 100% y lo
hago con gusto, no por necesidad. Todos en la banda hacemos esto por gusto, el
día que eso cambie renunciaremos.
Como siempre, si llegaste hasta acá, ¡muchas gracias! eres un glóbulo chingón y muy amable.
En Sangre de Metal somos fans del Candelabrum, y eso ha quedadado claro en numersosas ocasiones. Pero como siempre, hay un por qué. Es innegable que cumplieron cabalmente con todo lo que prometieron, su puntualidad fue obsesiva, el cartel estuvo muy interesante, el lugar es cómodo y accesible, el ambiente fue realmente ameno y todo eso es porque está creado por gente que obviamente piensa en el negocio, pero que lo entiende como consecuencia de una labor de amor.
Este año igualmente hay varias bandas interesantes, varios géneros que cumplen nuevamente con el concepto de la curaduría de Candelabrum, que básicamente es ceñirse a lo clásico (Heavy, Death, Thrash, Doom, Black) y en conjunto, todo eso le da forma a un concepto que se ha instalado rápidamente en el gusto del público. Hay un poco para todos en el confín de los géneros mecionados.
Ah, y ojo con que si se veía lleno o no, la Velaria es enorme, pero es un espacio cómodo. La idea nunca fue (y creo que no será todavía) que se llene, porque le caben arriba de 20 mil personas. No es el tipo de festival donde mientras más grande mejor, sino uno en que mientras cómodo, mejor.
Pero mejor que sea Kezhia Quintero, productor general del fest quien nos cuente.
Esta debería haber sido la tercera y
cuarta edición del festival ¿no?
La tercera, si se hubiera hecho en el 2020
esta sería la cuarta, pero ya se convirtió en la segunda.
¿Por qué cambiaron la idea de un día por
dos?
Bueno la primera vez, la fecha uno
originalmente estaba planeada como pre fiesta el viernes y el festival el
sábado. Al final se nos hizo aburrido anunciar lo mismo que ya teníamos así que
la pre fiesta se convirtió en un segundo día del Festival. Por eso agregamos a
Carcass, a Voivod y como jaló muy bien se quedó el formato de dos días. Pero si
en lugar de pre fiesta hubiéramos planeado hacer dos días, habría sido como
este año que fes sábado y domingo. La cosa es que como originalmente teníamos
pre fiesta, pues la pusimos en viernes. Luego vimos que a la gente le gustó
mucho y por eso nos animamos, ahora sí, a hacer dos días de Festival. A partir
de ahora ambos días serán a partir de las 12 del día porque el vienes del año
pasado empezó a las 2 de la tarde.
Y con esa experiencia ¿hubo algún
aprendizaje o tenían todo claro?
Pues los cambios a nivel logístico y de
producción vendrán de que somos un festival que escucha mucho a la gente.
Leemos todos los comentarios en Facebook y en Instagram y ahí vimos que hubo
quejas por ejemplo de la lejanía del pit de prensa, de la valla digamos al
escenario, por ejemplo. Eso lo hicimos así por situaciones técnicas de la
Velaria, no tanto de nosotros, porque el escenario era de ellos y no era tan
moderno y sus anclajes eran diferentes y bueno, esa parte la vamos a modificar
este año, la distancia entre valla y escenario será menor. Y las quejas eran
más porque la gente quería ver más cerca a las bandas. El equipo técnico del
año pasado va a repetir en 80%, si no es que más pero en realidad no hay mucho
que modificar. Tuvimos dos años de error y prueba mental, ensayos generales
mentales en juntas de producción así que ya solo queda pulir detalles que le
gente nos hizo ver. Vamos a aumentar los horarios de show y ahora sí el viernes
tendremos una pre fiesta más o menos grande.
¿O sea que las bandas van a tocar más
tiempo?
Pues más bien ando haciendo los horarios y
sí van a tocar un poquito más pero me refiero a que habrá más bandas que el año
pasado. Este año habrá bandas en vivo desde las 12 del día hasta la 1 de la
mañana, aproximadamente.
¿Estas 25 que están anunciadas representan
el cartel final?
Así es.
Con tantos festivales que hay, ¿Por qué
crees que la gente debería ir al Candedlabrum?
Lo que nosotros siempre hemos ofrecido es
que vamos a hacer un festival como el que nos gustaría vivir a nosotros, eso es
lo que hemos trabajado mentalmente y logísticamente. Queremos que sea cómoda,
que haya servicios, que sea puntual porque a mi no me gustan los retrasos, y si
llega a haber será por una causa de fuerza mayor, pero queremos ofrecer al
menos las mismas comodidades del año pasado. Tendremos más oferta de comida y
bebida, más opciones de hospedaje en comparación al año pasado, vamos a buscar
mayor interacción con las bandas porque el año pasado por tema de pandemia no
pudimos hacer meet and greets o firmas de autógrafos, este año queremos que
haya. En resumen, ofreceremos comodidad, seguridad y profesionalismo. Que nadie
cancele, que todos toquen lo que les toca, ni menos ni más y la idea es hacer
que la gente se la pase bien y salgan con buen sabor de boca como el año pasado.
¿Les ha pasado por la cabeza ampliar la
cantidad de escenarios?
Por el momento no, lo que queremos ahorita
es ir paso a paso. Lo primero era posicionar el festival, que la gente viera
que somos una productora seria y bueno, eso ya se hizo. El segundo paso es
mantener ese buen nombre y después el siguiente paso podría ser ese. Ya lo
ampliamos a dos días así que el siguiente paso sería aumentar escenarios. Para
ello no podríamos hacerlo en la Velaria, pero sería en el mismo recinto (es un
conjunto cultural con espacios cerrados y al aire libre N de la R). Tal vez
podríamos dejar un escenario ahí y uno más en otro espacio, es un lugar que
permite expandirse mucho, pero por el momento lo que queremos es que la gente
disfrute absolutamente a todas las banas y que no se empalme ninguna, porque al
momento de hacer dos escenarios la gente tiene que decidir entre una u otra
banda. Por eso es que por ahora lo mantendremos así, para que quien quiera
pueda ver a las 25 bandas que hay y no perderse a ninguna.
Tú como organizador, ¿qué características
dirías que definen al Candelabrum?
Creo que nuestra esencia es el target del
sub género o el nicho de metalero que queremos atraer, es una esencia muy
especial y no la vamos a modificar y eso define el tipo de bandas que vamos a
traer. Y ya en vivo uno de los sellos que queremos mantener es la puntualidad
de nuestros horarios y que la gente llegue al festival y encuentre todo lo que
prometimos. Pro en mi caso si me gustaría que la puntualidad fuera siempre una
característica propia del festival.
¿Cómo arman el cartel? Tras el éxito del
año pasado sería lógico pensar que ahora las mismas bandas e acercan a ustedes,
pero ¿cómo es en realidad?
Desde el años pasado ya teníamos
apalabradas a algunas de este año y también teníamos algunas más en mente. Eso
quiere decir que este año todavía creamos el line up con buena parte de lo que
teníamos amarrado desde el año pasado. Todavía no hemos entrado en la idea de pensar
en más bandas porque teníamos una idea que llegaba hasta esta edición, pero
dicho esto, sí nos escribieron algunas bandas y nos decían que hablaron con
gente de Midnight o Night Demon y que les interesa ver si pueden venir con
nosotros, entonces sí ha habido ese tipo de acercamientos y de comentarios
positivos de bandas que tuvimos. En cuanto a bandas nacionales yo creo que he
contestado unos 300 correos, pero a todos les he contestado, hemos tenido muy
buenos comentarios y acercamientos.
Este año hay bandas nacionales como Black
Mask y Starforce que son de reciente llegada a la escena. ¿Cómo ven ustedes el
proceso? Porque muchas son muy buenas pero no necesariamente venden boletos.
Pues es que la parte de negocio, de vender
boletos, nos esforzamos mucho con traer bandas internacionales que justo nos
ayuden en ese departamento. Las bandas nacionales, el año pasado lo que hicimos
fue darle espacio a algunas que ya llevan muchos años, y este año como dices
están Majestic Downfall y Agony Lords que van en ese mismo rubro, durante años
han trabajado muy bien y se han ganado el puesto, y con las bandas más nuevas
es nuestra manera de poner un granito de arena en favor de la escena
independiente y nacional con bandas que lo están haciendo bien. Siempre he pensado
que no solo por ser mexicanos hay que apoyarlos, pero estas bandas lo hacen muy
bien y por eso se les apoya. Muchas bandas más recientes tienen mucha
actividad, se promueven, están activos en redes sociales y los ves en todo tipo
de eventos, que sacan discos y videos y trabajan bien, tienen buena presencia.
Todas esas bandas que entienden que para llegar lejos deben trabajar son las
que nosotros consideramos. Es te digo, nuestro granito de arena para la escena
nacional de metal. Afortunadamente cada vez hay más festivales y más apoyo pero
aún así hay bandas que no tienen presencia, entonces apoyamos a las muy nuevas
que hacen bien las cosas y a las clásicas que a pesar de los años hacen bien su
trabajo.
¿Qué bandas de este cartel son un premio
para ti?
Hay varias pero las que no pienso perderme
por nada son Vio-Lence, que me gusta desde muy chavo y Autopsy, porque ahora
que he estrado hablando con Chris (Reifert, baterista, vocalista fundador) la
verdad me dan muchas ganas de verlos y creo que es una banda que tiene toda la
esencia de Candelabrum, se me hace una band que queda perfecto con el festival,
el público, el nicho, además obviamente de que me gusta mucho.
¿Habrá alguna banda que toque un set vieja
escuela específicamente para el festival?
Este año solo será el de Grave, que quedó
pendiente el año pasado. Este año hay muchas bandas que tienen disco nuevo o
traen algo que quieren promocionar así que no se pudo, pero sí es un sello que
queremos tener como festival, que mínimo una banda nos presente un set
especial. Hemos buscado algunas bandas que no se lograron este año pero
esperamos que sean posibles para 2024 que podrían presentar algo especial para
el fest.
No estoy seguro así que mejor pregunto,
¿será la primera vez de The Halo Effect en México?
Me parece que sí. Y esa es otra de las
características que queremos mantener porque le gustan a la gente, traer bandas
que no puedan ver a cada rato, a veces será que nunca han venido y a veces será
que tienen años, incluso décadas de no venir. Autopsy por ejemplo vino en el
93, hace 30 años. Estas son cosas que le dan un plus a la gente y cuesta
trabajo traerlos pero nos gusta sorprender a la gente.
¿Planean hacerlo fijo en septiembre,
festival de otoño?
Pues originalmente iba a ser en junio pero
no se pudo, se movió a septiembre y resultó que le gustó a la gente, nos gustó
a nosotros, es un mes en el que no hay tantos festivales en el mundo así que es
menos complicado traer bandas y bueno, que cayera justo el 2 y 3 de septiembre,
que fueron los mismos días del año pasado fue más una coincidencia y si todo
sale bien, seguiremos haciéndolo en septiembre.
Lo siento pero no llegué a Hammerfall.
Pero qué tal Helloween. 9:25 de la noche, nadie en la calle, pocos puestos, mal augurio. No sé por qué pero creí que tal vez había poca gente en la arena, porque normalmente hay barullo afuera. Será tal vez que en realidad han sido pocas las veces que he ido ahí (Scorpions, Deep Purple, aquél Festival Maquinaria con Slayer y Mastodon y poco más) pero todo estaba silencioso, calmo. Afuera.
Entramos muy rápido y fácil y en el par de puestos de merca oficial que vimos en el camino, ni un alma, y poco barullo, nuevamente. Tristeza. Parece que muchos estaban en Monterrey y que seríamos pocos los que veríamos a Helloween. Es más, como no había estado pendiente de mucho y hasta apenas dos o tres días antes pensaba que no iba a ir porque trabajo y no me daría tiempo, creí que tal vez solo habrían abierto la pista. Una vez localizada la puerta de entrada y cruzado el umbral, todo cambió. Había mucha gente. Sí, el último piso de la arena estaba cerrado, pero tampoco es que Helloween tenga el arrastre para abrirlo, estaríamos hablando de cerca de 20 mil personas y ps no, tampoco. La parte de atrás de General no estaba llena, la grada tampoco, pero calculaba unos 7 mil. Resultó ser que la entrada fue de nueve mil, es decir y como lo platiqué con Weikath, poco más del triple de lo que normalmente convocaban (al circo le caben 2 mil 500). Wow. Ya hace algunos años que he entendido que lo principal es como me la pase yo, jaja, ya si se llena o no, pues es bronca de otros. Claro, quería que le fuera bien a Dilemma. Quiero que le vaya a todos los promotores que hacen metal, pero ya no me angustio cuando no es así.
Pocos días antes se había anunciado que Helloween tocaría a las 10pm y fue entonces que me animé. Yo salgo de trabajar a las 9 (y me pude zafar a las 8:30), así que para mi todo era ganancia. El show empezó como 4-5 minutos después de las 10. Un escenario sobrio, con tres plataformas, dos a los costados y una al centro, esta última enmarcada en una enorme calabaza con ojos de encabronada que sostenía la tremenda batería de Dani Löeble y una pantalla al fondo. El truco sería entonces enganchar a la gente con la música. Lo lograron con creces.
Foto Dilemma/Germán García
“Skyfall” fue la presentación de la banda cuando lograron su primer disco como septeto, y fue su carta de presentación esa noche de sábado en la arena. Es temprano en la reseña para poner un pero y sin embargo hace falta: es un lugar de acústica prácticamente perfecta pero el inge de la banda se llevó su buen rato en agarrarle la onda. No sonaba horrible tampoco, pero en una escala del 1 al 100 estaba como en 80% de nitidez, y estaba claro que fue su problema, no los rebotes, no la estructura. Ok, ya saqué ese pero del sistema. “Skyfall” es Helloween 2022 en su máxima expresión. Rolota, de un disco muy bueno, difícilmente había una mejor opción para arrancar el show con la idea de hacerlo con el disco nuevo. Pero como sucede en el box, no se conformaron con un buen derechazo, conectaron un brutal uno-dos al escoger nada menos que “Eagle Fly Free” para segunda rola.
En mi presupuesto previo al show estaba contemplada alguna lagrimita, pero no pensé que fuera desde la segunda canción. No recuerdo todas las demás pero fueron varias así que baste decir que sucedió. Mucho.
Foto Fernando Aceves
Dicen que por ahí de los 14 años es que realmente un individuo define su gusto musical. Yo conocí a Helloween un poco más tarde, como a los 16, misma época que Over Kill (cuando haga la reseña del Candelabrum tendrá más sentido esta referencia), por ejemplo Ya no recuerdo que fue lo primero que escuché de ellos, sobre todo porque antes de comprar mi primer disco, escuchaba algunas rolas en los casets de algunos compañeros de la escuela, pero desde que salió Keepers 2 (para entonces tenía 17 años), “Eagle Fly Free” me ha acompañado. Después regresaron al disco Helloween con Mass Pollution. Ya desde ese momento comenzaba a notarse que entre la gente había muchos fans más jóvenes, que recibieron muy bien el disco. Más adelante se notaría más.
Igual que al inicio, si pones una rola nueva, proteges la vibra de la noche con otro trancazo y en este caso fue “Future World”. Pocas veces se me enchina la piel tan de volada como al corear junto a 9 mil personas esa entrada tan clavada en el imaginario colectivo metalero: “If you’re out there all alone, and you don’t know where to go to, come to take a trip with me, to future world”. Wow.
Foto Dilemma/Germán García
Ya para ese momento habíamos gozado a los tres cantantes y por supuesto, a los tres guitarristas. Ya en su momento destaqué lo bien que sonó Maiden hace algunas semanas porque por fin Janick Gers se puso a tocar, pero con Helloween es algo que sucede desde hace años ya, y lo hacen realmente muy bien. Sabes que son tres guitarristas no solamente porque los ves, sino porque los escuchas.
Siguieron “Power” y “Save Us” y es el momento ideal para retomar la parte de cómo se notaba que había muchos fans más jóvenes, y muchos de la era Deris el cual, por cierto aclaro, yo no tengo queja. La tuve por algún tiempo pero hace años que no. No voy a entrar al terreno de la descalificación disfrazada con comentarios tipo “Save Us es para conocedores”, pero no la tocaban en vivo desde 1989 y por supuesto, jamás había sonado en México. Más lagrimitas. Y después de eso vino la presentación (palabras más, palabras menos y por eso no va en comillas): denle la bienvenida al creador de todo esto, el señor Kai Hansen. El popurrí “oficial” dice que tocaron partes de “Metal Invaders”, “Victim of Fate”, “Gorgar” y “Ride The Sky”. En las dos giras anteriores no habían tocado ni “Gorgar” ni “Victim of Fate”, así que más para recordar, sobre todo porque Victim es de mis favoritas. Y vaya que la gente estaba muy prendida, pero parecía que muchos, tal vez algo así como la mitad no las conocían. Y no tiene nada de malo, son rolas de hace 37 años, esa mitad de público probablemente ni había nacido. El punto a destacar es que de cierto modo, creo, le debemos mucho a Andi Deris porque fue la voz de la banda durante muchos años, esos en que empezaron a venir a México y es en buena medida parte del motivo por el cual se ven hasta tres generaciones en los conciertos actuales. Y después del popurrí, “Heavy Metal is the Law”, vaya manera de rendirle tributo al pasado y de consentirnos a los que los escuchamos hace poco más de tres décadas.
Después llegó “Forever and One”, un tema que me parece ayuda a que respiren casi todos porque la mitad de la canción la hacen solo Sascha en la guitarra y Kikse y Deris en la voz. En México no la cantaban desde 2011 y me parece que este formato a dueto les funcionó tan bien en el video grabado en Madrid que lo retomaron, y a pesar de que para mi gusto no es la mejor balada que tienen, para el gusto del 90% de la audiencia sí lo es, así que ni para quejarse.
Foto Fernando Aceves
La tercera de las rolas nuevas fue “Best Time”, el sencillo más reciente, seguida por “Dr. Stein”. Ambas me gustan pero ninguna es mi favorita de sus respectivos discos. Siguió “How Many Tears” y para entonces llevaban poquito más de hora y media sin parar. Tiempo suficiente para apreciar detalles, como el hermoso bajo naranja de Markus Grosskopf y su estamina, no para de bailar y moverse y es además la mitad de la brutal base rítmica de la banda. También se podía ver, sobre todo en las pantallas de la arena, no tanto en la del escenario, el trabajo de Dani en la batería. No solo es brutal sino que lo hace como si nada a 2 mil 200 metros de altitud. Impresionante. También hubo tiempo suficiente de ver a Weikath, sólido, sin aspavientos pero ahí en las buenas y las malas.
Para el encore arrancaron con “Perfect Gentleman” y luego con “Keeper of the Seven Keys” en toda su gloria. Ya solo faltaba el climax y ese llegó al final con el segundo encore, “I Want Out”. Esta vez no hubo globos ni confetti pero ¿a quién le importa? Bueno, se menciona porque afectivamente algunos lo notaron, mi Castañita Kelpy Interesante entre ellos, pero no pasa nada, es pecata minuta porque lo que no faltó en esa canción fue el juego con la gente de que la mitad de la audiencia canta la melodía mientras la otra mitad canta el “I want out”. Fue probablemente lo más apegado a un script, o lo que menos sorprendió pero es al mismo tiempo el final que la mayoría querríamos (y no digo todos porque seguro alguno habrá que refunfuñe) y fue una cereza en el pay de calabaza que redondeó una noche de poquito más de dos horas de magia pura.
Foto Fernando Aceves
Un set muy bien balanceado, una banda que ya se nota totalmente compenetrada en su formato de septeto, en la que se siente una actitud de equipo en la que todos ponen su granito de arena en favor del grupo y no de cada quien. Por supuesto, al ser una reseña hecha por un fan abundarán las flores y faltarán las críticas, pero ¿cuál es el punto de destacar lo malo (que fue casi nada) cuando casi todo fue bueno? Igual si hubiera sido un desastre se menciona, pero como no, yo lo dejo ahí en nivel casi de fantasía.
Esta es la entrevista que hice con Michael Weikath en junio del año pasado. Para mí fue muy interesante y me permitió conocer a una persona muy distinta a como me la imaginaba. Él estaba en una especie de pijama y me pidió no grabar video, yo no pensaba poner video porque también estaba en pijama jaja, pero entonces convenimos hacerla así para tener la referencia visual, sin usar video.
Luego de que le dije que con esas preguntas era suficiente, antes de despedirnos empezamos a platicar fuera de registro y fueron como otros 25 minutos. Resultó ser un tipo muy agradable que también se notaba que no tenía nada que hacer, pero yo tenía que salir y tuve que cortar la comunicación, pero fue realmente entretenido y hasta cierto punto conmovedor, porque tiene pinta de mamón y es justamente lo contrario.
Como no me gusta el agandalle, lo que platicamos sin grabadora fue en verdad así, sin grabarlo, así que no puedo reproducirlo acá (además no me acuerdo jaja), pero insisto, fue una gran experiencia. Hansen por ejemplo contestó todo pero no usa ni una palabra más. Es muy amable y amigable pero sabe que está haciendo una chamba y así se siente, con Weikath en cambio era como estar en un bar, cotorreando sobre pendejadas. De las entrevistas más entrañables que he tenido. Y bueno, sin más, esta es la versión sin ediciones de aquella charla. Algunas preguntas se las hice también a Hansen, por si alguien lee ambas sí, y lo hago a propósito, jeje.
¿Por qué ponerle el nombre de la banda al
disco? Nunca antes lo hicieron ¿correcto?
No soy músico así que lo que voy a decir
puede ser estúpido, pero, con todo respeto para ellos, cuando uno ve a Iron
Maiden en vivo se siente como que tres guitarras es demasiado, no se escuchan
tres guitarras, pero cuando yo vi el show de Pumkins United, en mi pobre entendimiento,
como fan escuchaba ciertos arreglos que hace que se entienda que son tres
guitarras. Entonces, ¿cómo es el proceso de componer con tres guitarristas,
cuando solían ser solo dos?
Y funciona muy bien. Eso me lleva a esta
otra pregunta. Ahora son siete, pero seis de los siete son compositores. No sé
que tan común sea eso pero ¿cómo es el proceso para decidir qué canciones
quedarán en el disco y cuales no? ¿Lo deciden entre todos, es cosa de un
productor? ¿Cómo llegan al track list final con tantos compositores poniendo
ideas?
Es una mezcla de todo eso. Todos los
involucrados tratamos de ofrecer ideas nuevas que fueran muy buenas, y normalmente
lo que pasa es que tienes canciones de una calidad similar, y es algo que es de
esperarse, pero también todos traíamos ideas que eran raras o que eran muy
diferentes a lo que se espera de la banda y entonces quedaba claro que sería
muy complicado darle vida a ese tipo de canciones. Por ejemplo había una de
Markus que será uno de los Bonus Tracks de la edición japonesa, se llama “We
are real”, Kai Hansen hace casi toda la voz aunque tiene algo de Andi Deris
pero es más como una rola punk y quizás por eso no terminó en la versión
regular del disco, pero tratamos de mantenerla en alguna edición, pero para la
versión normal de un disco tienes opiniones de los miembros de la banda pero
también del management por ejemplo, y ellos no lo ven desde la perspectiva del
músico sino de un escucha, como tú por ejemplo y entonces te dicen que no
entienden tal canción. Y alguien más viene y dice que es realmente buena, pero
otro dice que no la entiende y que tal otra es mejor y así hasta que
eventualmente debemos encontrar una solución. Y la disquera también opina, y
ellos también tienen una manera distinta de verlo. Entonces es una mezcla de
todo eso. Y a veces es doloroso porque cuando tienes una canción nueva es como
tu bebé y quieres expresar algo con ella pero eventualmente se queda fuera del
disco, eso es bastante triste, es algo que puede hacer que sufras muchos desde
una perspectiva creativa.Cuando eso
pasa esperas que al menos pueda ser lanzada como Bonus Track o lado B de un
sencillo o en un disco posterior. Al final del día esperas traer algo más que
sí quede en el disco porque cuando lo logras te sientes realmente orgulloso. Es
un punto muy sensible, puede ser algo muy triste, pero hay veces en que todo es
muy claro. Es una buena idea mantenerse dentro de un concepto y hacer algo
cercano a lo que la gente espera en lugar de hacer algo aventurado, a pesar de
que la aventura pueda ser muy interesante, es solo que tal vez la mayoría de la
gente no lo va a aceptar o no lo va a disfrutar tanto como algo más cercano a
su expectativa. Y ese es un problema cuando eres creativo.
Lo entiendo porque soy fan. La gente
siempre quiere algo similar a los Keeper of the Seven Keys, pero para mi,
discos como Master of The Rings, The Time of the Oath y Better Than Raw, los
primeros tres con Andi Deris son muy buenos. ¿Crees que de pronto son
eclipsados por los Keepers? Esos son importantísimos no solo para Helloween
sino para el metal pero estos otros tres redefinieron a Helloween en los 90.
¿Tú como lo ves?
Te entiendo. Mencionabas que tienen
audiencias más jóvenes. En México ustedes solían tocar en el Circo Volador, que
tiene capacidad de unos 3 mil, pero la vez pasada tocaron en una arena y había
como 9 mil personas. Y así es en el resto del mundo, triplicaron sus
audiencias.
Claro, y eso es
gracias a los ex miembros, no se puede minimizar la magia y el poder que tienen
estos personajes. En algún momento tuvieron que dejar la banda, pero es
algo que no se explica fácilmente. Por ejemplo, hicimos el Pink Bubbles Go Ape
y aún estaban Ingo y Kiske pero la gente no respondió tanto ante el disco.
Desde una visión lógica uno pensaría que debió ser un éxito por Michael Kiske
aún estaba en la banda ¿cierto? E Ingo, aunque Kai Hansen ya no estaba. Pero son emociones y ellas crean sus propias dinámicas, uno
termina por no poder explicar las cosas desde una perspectiva lógica. Pero
como dices, hemos triplicado nuestra audiencia porque parece que la mayoría
está de acuerdo con lo que hacemos. Puede que haya un pequeño grupo de personas
que piensen que no les gusta la idea de las tres guitarras y los dos cantantes,
y es algo con lo que nos toca lidiar. Gente que piensa que solo si regresáramos
a como eran las cosas en el inicio estarían felices pero nosotros más bien
estamos felices de encontrarnos en esta situación donde tanta gente está
contenta. No sabemos como explicarlo porque incluso entre nosotros siete no
logramos explicar cómo es que esto funciona, es algo mágico. Podemos lograr
mucho, siempre y cuando la gente siga contenta con esto, y saberlo es
maravilloso. Puedes tratar de analizarlo y explicarlo pero es muy difícil saber
qué pasa por la cabeza de los humanos, y especialmente de los mexicanos (risas)
La gente ama a Helloween aquí. Pensaba que
el más joven entre ustedes es Dani, el baterista, y pensaba que Charlie Watts
de los Rolling Stones acaba de cumplir 80 años. La pregunta es ¿cuánto tiempo
más crees que podrán seguir adelante? Sobre todo porque el baterista que es el
de más desgaste, es joven.
Bueno y Charlie Watts no tiene que tocar
todo lo que Dani toca ¿cierto? Dani es como un dinamo, una planta de energía
por si mismo. Tendremos que ver hasta dónde podemos seguir y que sea
humanamente posible, pero Dani además conoce algunas técnicas para tocar que le
ayudan, además siempre está en forma, y es algo que hace por su cuenta, no
porque se lo pidamos, es muy estricto consigo mismo y es también estricto con
sus opiniones y decisiones de vida, es disciplinado en casi todo, es su forma
de ser y eso al final nos beneficia a nosotros como banda. No sé cuánto tiempo
podremos hacer esto, somos una banda muy intensa y es difícil así que o tengo
idea, pero si te puedo decir que hacemos lo mejor que podemos. Nos estamos
haciendo viejos, yo ya no puedo memorizar tantas cosas como antes, los
cantantes por ejemplo también han envejecido un poco, ya no recuerdan todas las
putas letras así que tienen un monitor que les muestra todas las letras, y ya
no es por culpa del jet lag. Es una pregunta interesante, digamos que mientras
uno esté saludable y fuerte puede intentar seguir adelante. Para mi fue difícil
porque por ejemplo, cuando llegamos a la CDMX al inicio de la gira. Michael
Kiske tenía sus cuerdas vocales afectadas por los viajes, tenía algún tipo de
inflamación en las cuerdas vocales que agarró en el viaje a la Ciudad de México
y yo tenía una gripa horrible que me duró como mes y medio. Y empezó ahí en
México y me sentía realmente mal pero debía tocar, y seguí así incluso cuando
estuvimos en España, al final de esa primera parte de la gira. Pensé que nunca
me recuperaría, cada noche tosía mucho y me sentía realmente mal.
-No se te notaba-
Bueno, en España alguien escribió que me
veía 20 años más viejo. Pero eso pasa, es el factor humano. Y luego es normal
que todos pasemos por alguna gripa, pero es bueno que no se notara. Es
complicado, a veces necesitas correr al baño y no hay baño, son cosas humanas.
Y claro, aún así uno trata de hacer el concierto de la mejor manera posible.
Sabes cómo la gente percibe a la banda y
lo importante que ha sido Helloween para el metal. Tú has tocado con Helloween
desde el inicio así que cómo te ves tú a ti mismo. ¿Crees que 40 años después
has logrado algo, crees que la gente exagera en cuanto a la banda o que no
exageran? ¿Cómo ves a Helloween como su guitarrista por 40 años?
Y en México, ya que lo mencionas, a la
gente le encanta leer alguna anécdota sobre el país. Buena, mala o como sea
pero a la gente le gusta saber cómo perciben los artistas a este país. ¿Qué
recuerdas?
Bueno, lo decía porque yo nunca había
hablado contigo pero sí tengo una anécdota contigo, en Wacken, aunque no
recuerdo el año, La gente te considera muy serio, nunca te ríes pero… (la anécdota
en pocas palabras es que un niño como de 10 años se le acercó con miedo para
pedirle un autógrafo y Weikath más que eso le hizo todo un dibujo con
calabazas. Es más larga pero ese es el punto).
Sí bueno es cierto que no sonrío tanto,
soy muy racional y muy lógico pero además es algo con mi boca, los dientes de
arriba (es más explicación visual) pero es algo genético que heredé de mi papá,
es la forma en que me veo, no puedo hacer mucho al respecto, no soy tan guapo
como otros y siempre ando ocupado pensando cosas y si trato de sonreír se ve
así (muecas) y no es muy convincente, y luego la gente se pregunta por qué no
sonrío pero en realidad estoy sonriendo. Es difícil.
Siempre recuerdo esa anécdota porque los
músicos no siempre son receptivos con los fans, y menos con los niños.
Es que no sé realmente qué hacer con los
niños, especialmente con los más chicos. Siempre se me ocurre decirles algo del
mundo o de Dios pero no a todo el mundo le grada eso. A un niño de 12 años se
me puede ocurrir algo que decirle pero más chicos que eso me dan terror, no sé
que decirles o qué regalarles. La paternidad no está en mi naturaleza, no me
interesa, tengo como una fobia por los niños pero trato de ser amable con todos
en la medida de mis posibilidades.
Y en cuanto a Helloween, ya me decías que
la gente luego se clava en que solo les interesa la época de la alineación
original o solo la era Deris, pero con la reunión tomaron la decisión contraria
a lo que suele pasar que es correr a alguien para que regrese alguien más. Ustedes
decidieron sumar en lugar de correr gente. Es algo distinto.
Y es algo que facilita la vida a los
cantantes. Ya de por sí tienen mucho que hacer, uno se imagina que luego de un
tiempo se paniquean del trabajo que tienen que hacer, porque es muy demandante.
Es como Cantinflas, ¿no crees que alguna vez se habrá preguntado por que
chingados quiso ser comediante? Bueno los cantantes son iguales, ahora tocamos
más y tendrían que cantar más y seguro querrán que los deje uno en paz, puede
ser una pesadilla tener que entretener a la gente todo el tiempo y ser creativo
todo el tiempo y dando algo para la gente pero es duro porque no siempre puedes
estar en tu mejor punto con la voz, son seres humanos así que a veces ver que
terminan bien un show es como un milagro. Pero entonces aquí tenemos tres
cantantes y se pueden dividir la carga de trabajo, para ellos es relajante,
Deris y Kiske son como una pareja de casados, encontraron a alguien que los
apoya en los momentos difíciles y aún así, siendo cantantes de Helloween
siempre tienen mucho que hacer, deben recordar las letras y las armonías. Por
eso luego es sorprendente que esto funcione, pero funciona, y mientras dure
deberían considerarlo una especie de milagro y disfrutarlo, porque nadie sabe
cuánto va a durar. Y es que sobre el escenario hace mucho calor y ahora tocamos
tres horas, y son tres horas de estrés permanente y debes saber lidiar con eso
y al menos hacer las cosas bien para que la gente salga contenta. [Fin de la entrevista].
Bueno, hasta ahí la charla, ya solo queda disfrutar del show. Si llegaste hasta aquí, ¡muchas gracias!
