martes, julio 26, 2016

Twisted Fuckin' Sister y algo del Hell and Heaven

Twisted Fucking Sister!
Ya no importan la cantidad de textos y notas que anuncian que la del Hell and Heaven marcó la primera y última vez que Twisted Sister se presentó en México porque, como el mismo Jay Jay French dijo desde el escenario, habían tocado hace 12 años en Monterrey.
A estas alturas ya no importa que muchas personas se hayan ofendido porque hace muchos meses Dee Snider apoyaba a Donald Trump -antes de que mostrara su verdadera cara racista- aunque hace algunas semanas el mismo Dee en un video se desligara públicamente del político y su plataforma e incluso le negara ya el uso del tema We’re not gonna take it y que desde el escenario del Hell and Heaven dijera con toda claridad y contundencia: “for the record, fuck Donald Trump! (que quede constancia, chingue a su madre Donald Trump). A esos que por creerse todo lo que sale en la red se lo perdieron, mis condolencias.

Importan a nivel curiosidad y hasta chisme que al presentar a la banda dijera “en la batería, Mike –toco-cada-semana-en-México-Portnoy” y que luego dijera “ahora sí, los originales” y entonces presentara a Eddi “Fingers” Ojeda, Mark “The Animal” Mendoza, Jay Jay French y que a él lo presentaran como “si Lady Gaga fuera hombre no sería ni tan atractiva ni tan talentosa como Dee Snider”.
Importa que a pesar de que el formato de festival y el hecho de que arriba de ellos estaba Rammstein como banda estelar redujo su set a una hora nada más (lo cual hubiera sucedido en cualquier festival porque así se manejan los tiempos en ese contexto), Twisted Sister mostró que 40 años después sigue pateándole el trasero a cientos de bandas mucho más jóvenes que no tienen ni la actitud, ni la entrega ni la calidad del quinteto neoyorquino.
No necesitaron gran parafernalia; apenas una imagen de fondo con el logo adornado con banderas de todo el mundo alternada con otra imagen del mismo logo pero limpio, un montaje de luces que combinó a la perfección lo moderno (luces robóticas) con lo clásico (luces fijas), algunas llamas por aquí y por allá y un set que incluyó 4 de los 5 discos en estudio que tienen.
Importó que Dee Snider aún mantiene una enorme capacidad de tener al público pendiente del escenario. Agradeció por ejemplo a la madre naturaleza por no dejar caer la lluvia para cerrar con un maravilloso Bitch: “Thank you mother nature for not raining, bitch!”. Importó que tocaron temas oscuros como The firse still burns o Destroyer y que no dejaran fuera clásicos como S.M.F y I wanna rock y por supuesto, We’re not gonna take it con una especie de encore especial para poner a cantar a todo mundo el clásico “huevos con aceite, y jamón”. 40 años después de su nacimiento y 12 después de su primera visita al país por fin saldaron la cuenta pendiente con los capitalinos, y lo hicieron de manera que ninguno que haya estado ahí lo olvide, ni siquiera los que estaban esperando a Rammstein en el otro escenario a quienes les dijo “ya sé que están esperando al puto Rammstein pero eso no quita que se diviertan con nosotros, ¿o sí?”.
Cada quien tendrá su momento memorable en el show. Para muchos ese fue cuando tocaron The Price porque, como lo dice su letra, “es el precio que debemos pagar, y todos los juegos que debemos jugar me hacen preguntarme si vale la pena hacerlo, porque es un juego que vamos a perder, aunque es un tipo de vida que hay que escoger, y el premio es justamente nuestra vida hasta que termine”. La dedicatoria ahí fue para AJ Pero (ex baterista de TS), Jimmy Bain (Rainbow) y Lemmy (Motorhead, quienes perdieron la vida este año o el pasado y han sido de los incontables decesos de los últimos dos años...

Como tributo a las bandas que se mantienen activas a pesar de los pesares tocaron The Fire Still Burns, para lo cual Jay Jay French dijo que la dedicaba “a esas bandas que no se rinden 15, 20, 30 o 40 años después”. Grata sorpresa porque el disco Come Out and Play no era uno de los que se esperaba fueran representados en el set.
Tardaron demasiado años en venir pero lo hicieron estando en muy buena forma y eso sólo hace que el recuerdo de haberlos visto sea aún mejor. Una cuenta pendiente menos con el metal.

Lo demás.
Ahora, en cuanto al festival en sí, trataré de escribir lo más objetivamente posible y desde la perspectiva del público cada vez que se pueda.
Lo bueno:
La cantidad de gente. El mundo dice que el metal está de salida y bueno, la realidad vivida en el festival parece indicar que no es así. Hasta el cierre de esta edición (jaja) no tengo una cifra oficial. Se habla igual de 50 mil que de 80 mil y cualquier cantidad entre esas dos así que ese dato queda pendiente.
El comportamiento de esa gente. Que yo sepa, saldo blanco en términos generales, nada que lamentar, ningún problema de esos que algunos imbéciles vaticinan cada vez que hay conciertos de metal porque “ese tipo de gente no se sabe comportar”.
El aspecto visual del festival. Se veía bien todo, ante los ojos aparecía de verdad como algo que te puedes encontrar en otras partes del mundo. Los escenarios Hell y Heaven muy bien decorados con las dos letras H en medio, aunque eso supongo afectó el tamaño de la pantalla central que pudo ser más grande. La otra es que haya sido por cuestiones presupuestales o que simplemente no le pusieron atención a ese detalle. El escenario True con dos cajas de tráiler de cada lado se veía imponente y el Alternative, aunque más austero, cumplía cabalmente con lo que uno espera llamar escenario en un festival. El New Blood de plano no lo ví pero las fotos muestran que este año ya fue un escenario y no una carpa de vacunación con dos bocinas. Bien ahí.
Se respetó el tiempo que debía tocar cada banda. No todo estuvo a tiempo pero eso no impidió que las bandas tocaran lo que se suponía debían tocar.
Aunque los de El Universal y Paco Castorela se enojen, los precios de los boletos. 880 pesos en general por 50 bandas no es caro, le busques por donde le busques. También, y esto es MUY destacable, que no hicieran promoción 2x1, eso daña enormemente a la escena porque la gente se espera a ese día, no compran boletos y si no hay promoción, ya no se vendió lo que se debía. En ese sentido los Live Talent aguantaron vara y no aflojaron, lo cual insisto, es un acierto.
Su apertura a tener medios transmitiendo en vivo y en tiempo real. Esto también estará en lo malo pero de entrada, que dejaran que hubiera medios transmitiendo (por ejemplo Canal 11, Reactor, Sonica Tv, Coca Cola Tv, Grita Radio entre otros) con una sección destinada para tal efecto habla de una apertura que sucede en todo el mundo pero que en México era poco explorada.
Que no lloviera. La noche anterior se cayó el cielo y había zonas lodosas que fueron cubiertas con una especie de alfombras lo cual, gracias a que ya no llovió más, sirvieron perfecto para que se pudiera caminar por todos lados sin mayores contratiempos.
Las actividades extra. Desde mujeres muy sexys enjauladas a zanqueros disfrazados a botargas hasta juegos mecánicos (bueno, uno), área para niños, un pequeño beer garten o un corredor de mercancía de diversos productos, había muchas oportunidades de entretenerse si en un momento dado ninguna de las bandas eran del agrado de alguien.
Lo malo:
Los baños. Un asco total y además, ponerlos todos juntos sin especificar cuáles debían ser para hombres y cuáles para mujeres fue un gran error. Sobre todo para las mujeres, ir al baño se convirtió en una pesadilla. Además no tenían agua ni desinfectante así que con el calor, a 50 metros de distancia sabías donde estaban colocados los baños por la terrible peste que emanaban.
Algunos ingenieros de audio eran realmente una facha. Las bandas más grandes probablemente traían al suyo pero en general los inges eran los mismos banda tras banda en cada escenario, y por ejemplo el que estaba en el escenario Alternativo cuando tocaron los colombianos Koji k Utho y después de ellos A.N.I.M.A.L. era una facha. Los colombianos subieron a un nió de 12 años a tocar una tarola y un tom (tambor de piso) y jamás sonó. Además fue muy evidente porque el niño hizo un mini solo de percusiones que simplemente no sonó jamás. Y así detalles en todos los escenarios porque, si bien es cierto que el viento entorpece el audio cuando sopla fuerte (y por momentos sucedió) también es cierto que se nota cuando un ingeniero no sabe lo que hace o no conoce a la banda.
La brutal lejanía del New Blood Stage. Si de por sí el espacio era vasto, pones un escenario en el culo del festival y logras que nadie vaya.
El mal trato a algunas bandas nacionales. Lo digo siempre, si no te gustan, si no te caen, si a tus amigos que pones de stage managers (porque en algunos casos eran amigos, no gente profesional) les caen mal, mejor no los invites. Digo, el apoyo a la escena nacional es muy necesario pero no es a fuerza, y si vas a atropellar a algunos en lugar de apoyarlos, pues mejor no los invites.
Ok, abrieron esa oportunidad de que algunos medios transmitieran en exclusiva, pero no les ofrecieron la infraestructura completa. Es decir, eso se hace por ejemplo en el Vive Latino y la producción del festival provee el internet. Aquí se proveyó un espacio, una carpa con luz pero sin internet. Son detalles que parecen nimios pero hacen la diferencia entre “lo mejor de…” y un festival más.
La logística. El festival empezó (y por lo tanto terminó) tarde. Y ahí no hay nada de que las bandas al final pusieron panchos, si anuncias puertas a una hora, abres a esa hora y las bandas empiezan como debe ser, si empiezas tarde, digas lo que digas, la falla es atribuíble a ti, así de fácil. En ese rubro de logística entra también por ejemplo el que hubiera zonas denominadas Recogida Uber, pero a los Uber no les avisaron y no los dejaban pasar al estacionamiento obligando a la gente a tomar el que es compartido. También en ese rubro de logística cabe mencionar que muchos de los puestos de mercancía que estaban ya dentro del autódromo y que estaban en fila y acreditados, no tenían luz. Así las cosas, ya de noche pues no venden nada.
Los precios de la comida y el agua. Si bien es cierto que los puestos oficiales y sus encarecidos precios son problema de Ocesa, que es la empresa que administra el inmueble, los Live Talent pusieron food trucks que dependían de ellos y ahí también, los precios eran un abuso. Digo, así son los festivales, pero si es un dineral el que se necesita para comer y beber.
Finalmente está el gran problema de la acreditación a medios de comunicación. Eso realmente no compete a una nota de este tipo pero sí vale resaltar que hubo quienes esperaron hasta 4 horas para poder entrar, y eso sencillamente es lo más anti profesional que puede suceder. Lo peor es que el acuchillado es un publirrelacionista muy capaz que al ser quien tenía que dar la cara se llevó todas las críticas. ¿Qué pasó exactamente y por qué no estaban las pulseras listas? Eso sólo lo saben ellos pero esperemos que lo arreglen porque no es la primera vez que tropiezan con esa misma piedra, es más bien una constante. Su comunicado para los medios sólo ofrecía sentidas disculpas pero no aclaraba nada. Decía que lo sucedido fue por causas ajenas a Live Talent (típico ¿no?, siempre es culpa de alguien más) y demás, pero sin explicar cuáles fueron esas causas. Una verdadera facha eso. Y sí, insisto, la diferencia entre “el mejor festival…” y un festival cualquiera con muchas bandas está en esos detalles. No sólo es que las bandas sean buenas (lo cual es muy subjetivo y debatirlo es infructuoso porque finalmente depende del gusto de cada quién), es que sepas llevar las riendas del festival y Live Talent aún no muestra tener esa capacidad de manera cabal.
También el acceso a ganadores de diversas promociones y de personas que venían en tours de diferentes estados de la República fue terriblemente mal organizado y también ellos estuvieron ahí horas, esperando, perdiéndose bandas.
Ya lo demás, las distancias a recorrer por ejemplo no son sujetas a debate. Es un festival muy grande así que hay que ir preparado física y mentalmente para aguantar muchas horas, eso no tiene remedio y eso sí es igual en los grandes festivales de Europa por ejemplo.

Mis tres centavos de aporte (aunque no parezca, de crítica constructiva).
Creo que 5 escenarios son demasiados. No hacen falta tantos. Insisto, si lo haces sólo por meter bandas nacionales en uno de ellos y cumplir con esa demanda pero pones el escenario en el punto más lejano, no ayudas a nadie. Cuatro escenarios serían suficientes, que inviten a bandas nacionales que ellos crean merecen estar ahí o a las de sus amigos y que en lugar de darles 20 minutos les den 35, por ejemplo. Digo, El Clan es una de las máximas leyendas del gótico en México y tocaron en el culo del festival, 20 minutos. Eso se puede evitar quitando el quinto e innecesario escenario New Blood.
Sí, han mejorado bastante, tanto que lograron un festival de buen nivel, pero para hacerlo el mejor o de élite TODO debe funcionar bien, no sólo lo que se ve desde afuera sino lo que sucede tras bambalinas. Hay más fotos de fan de gente que estaba en “producción” que en cualquier otro evento del mismo tipo, por ejemplo.
Ya para finalizar, por diversas razones que van desde el tiempo que tardé en entrar hasta el hecho de que buena parte de la tarde estuve transmitiendo desde la carpa de Sónica y pasando por el hecho de que la mayoría de las bandas no me llamaban la atención, fuera de TS no vi casi nada. Vi como mencioné a Koyi K Utho (que no me gustó), a A.N.I.M.A.L. que me dejó claro que ese tipo de música en mi vida fue sólo un gusto pasajero, un poco de Bulldozer - muy buenos aunque me llevó algo de tiempo encontrar un sitio donde se escuchara bien- y un poco de Ghost que, para mí, es una banda absolutamente disfrutable. Ya sé que a muchos les molesta y les choca pero a mí me encanta, y su concierto me pareció muy bueno. No vi nada más así que no tengo nada que agregar.
Tomando en cuenta todo lo expuesto y valorándolo en una tabla numérica tipo calificación escolar, creo que como público el festival puede llevarse un 8.5 o 9, pero viéndolo como un todo, con lo que sucede tras bambalinas, aún es un inamovible 7.

lunes, junio 06, 2016

Scorpions, reseña

**Todas las fotos son propiedad de André Dulché de Pólvora Rock Si quieren ver más fotos y leer otra reseña, pásenle a su sitio**.

Pactado para las 9 de la noche, el concierto de 50 aniversario de los Scorpions arrancó a las 9:13 de la noche con una Arena Ciudad de México que cada vez que me ha tocado visitarla se consolida más en mi gusto como el mejor recinto para escuchar y ver conciertos en vivo.
No recuerdo francamente cuántas veces he visto a los Scorpions, tal vez unas 5 o 6, pero sí me quedaba claro que las últimas dos (en México) no habían sido tan especiales, así que en esta ocasión tenía duda de qué esperar. En lo que es una costumbre que como parte del medio periodístico tienes a agradecer mucho pero que como fan suele romperte un poco la ilusión, antes de subir al comodísimo palco de prensa ya tenía en mis manos el set que tocaría la banda. Eso significaba entonces que no habría sorpresas para mí pero también auguraba que no necesariamente sería como las veces anteriores; había algunos detalles interesantes y estaba ansioso por vivirlos.

Lo primero que hay que destacar es que a pesar de la distancia, la Arena es un lugar absolutamente espectacular. La comida y bebida es cara pero eso sucede en todos los recintos de ese gran formato en México pero aquí hablo de que incluso si vas al baño hay pantallas de alta definición que transmiten via circuito cerrado el concierto. El estacionamiento es gratuito, lo cual representa otra enorme ventaja aunque en ese sentido, el problema es que a la salida como la av de las Granjas es angosta y los puesteros se ponen en la banqueta y hay muchísima gente que camina hacia el metro, salir puede ser bastante engorroso.
De entrada el escenario estaba tapado con una manta que replicaba en el centro la portada de Return to Forever, el décimo octavo y más reciente disco de la banda y que en los costados mostraba unos escorpiones plateados muy en la onda de la portada alternativa del Lovedrive, con un toque un poco más moderno. Luego de una intro que dejaba ver detrás de dicha manta una gran variedad de luces, cayó el telón y arrancaron de lleno con Going Out With a Bang, una de las canciones nuevas del disco más reciente que, aun que suene contradictorio, encuentra su explicación en el hecho de que la mayoría de los temas en Return son arreglos a rolas viejas, sobre de la era entre Blackout y Crazy World.

Normalmente la primera canción en los conciertos se usa para ajustar nuevamente niveles y detalles, así que no importaba mucho que empezaran con una canción no tan conocida, aunque el audio tampoco necesitaba mayores ajustes.
Detrás de ellos estuvo la gran novedad y la razón principal por la que, para mí, el concierto tenía esa aura de no querer perdértelo, Mikkey Dee. El baterista oficial, James Kottack, alejado de la banda “para atender problemas con su salud” de acuerdo a un comunicado de principios de año (parece que esté en busca de rehabilitarse en contra de su adicción al alcohol). Y detrás y debajo de Mikkey Dee estuvieron unas pantallas que en todo momento mostraron imágenes varias que diversificaban la atención visual. Probablemente los que estaban ahí en general A estaban más pendientes de los músicos por tenerlos cerquita, pero si estás lejos, las pantallas y sus videos son una buena oferta.
Ya establecidos en el escenario, ya más flojitos luego de tocar la rola de inicio aventaron sin piedad un doblete de 1980 con Make It Real y The Zoo, ambas del Animal Magnetism. Ya para entonces en la mente de miles (la arena estaba como al 98%) no importaban tanto los comentarios en Facebook de la gente que cuestionaba la validez de verlos una vez más en vivo o la validez de asistir cuando engañaron a todos con una supuesta gira de despedida o la validez de asistir cuando Meine ha tenido algunos problemas fuertes con su voz. Esa es la magia del heavy y de las bandas veteranas que envejecen con clase; todo lo que el cuerpo ya no te puede dar lo sustituyes con detalles, con tocar sin errores, con un excelente sonido…

Los Scorpions no son tontos y saben que aunque 18 discos en estudio en una carrera de 50 años por ahí no son tantos, su época realmente dorada fue en la década de los 80 así que se siguieron en ese mismo decenio con Coast To Coast, la primera de cuatro canciones que eventualmente ofrecerían de ese clásico llamado Love At First Sting.
La primera grata sopresa llegó con un pequeño popurrí de 4 canciones de discos de los años 70. Como nota al calce, hace algunos meses cuando anduve manejando la van de la gira de Voltax con Cauchemar y Metalian, Judas Priest y Scorpions de los 70 fueron buena parte de nuestro soundtrack en la carretera así que escuchar pedazos de minuto y medio de Top Of The Bill (del Fly To The Rainbow de 1974), Steamrock Fever (Taken By Force, 1978), Speedy’s Coming (Fly To The Rainbow) y Catch Your Train del Virgin Killer fueron un verdadero agasajo.
Luego de un solo de Mathias Jabbs denominado Delicate Dance vino otro popurrí, pero ahora de versiones acústicas. En mi opinión, hacer por ahí algunas baladas de vez en cuando no le afecta a nadie, la bronca con Scorpions y la razón por la cual las últimas dos veces que los había visto en México no me gustaron tanto fue porque el show ya era mitad baladas y mitad temas rockeros. Ahora, inteligentemente conjuntaron Always Somewhere, Eye Of The Storm y la muy coreada Send me An Angel en un solo momento del show que además supongo le ayuda mucho a Klaus Meine a calmar la garganta.
El momento cliché para muchos llegó con Wind Of Change. Lo que habría que entender es qué significa cliché para cada quien. Presentada por Klaus con las palabras “creo que esta aún es una canción de esperanza”, le moleste a quien le moleste, es el tema que tres cuartas partes de la audiencia quiere escuchar. Insisto, si es cliché en mal plan o no depende de cada quien pero ese tipo de canción que sabes que estará en el set, punto.

La gira finalmente es para promover un disco reciente así que el siguiente tema fue Rock and roll Band. Muchos opinan que las bandas “clásicas” no deberían tocar temas nuevos, ni siquiera grabar discos (Jay Jay Frencha de Twisted es uno de ellos por ejemplo) pero yo creo que es perfectamente válido, además, aunque algunos opinan que tocar esos temas quita espacio para otros clásicos, si tocaran clásicos se les acusaría a las bandas de ser sólo vendedores de nostalgia. La rola en sí es buena, movida y deja todo calientito para el tema apertura del lado B del Blackout, Dynamite, que también fue de las más coreadas.
Es imposible no darse cuenta de que está Mikkey Dee detrás de una batería. Además de que no para de mover la mata y muy a pesar del evidente sobre peso que traía, su solidez en los tambores es absolutamente destacada. Digamos que aunque en la mezcla de audio los ingenieros siempre tratan de que la batería tenga cierto protagonismo por su cualidad de instrumento que lleva el ritmo. Dee le agrega estilo, dinamismo, actitud, enorme talento y muchísimo carisma. Le dio vida nueva a muchos de los temas así que llegado el momento nos regaló, como siempre en su carrera (o por lo menos en sus años con Motorhead) un maravilloso solo. La plataforma de soporte de la batería se levantó unos 3 o 4 metros y ahí arriba, como dueño único de una audiencia que si no sabía quién era ahí se le derritió, demostró una vez más que aún no hay quien le gane a la hora de hacer muy entretenido algo que muchas veces y con muchas bandas se convierte en una pausa tediosa.

Terminado el solo regresó la banda y descargó una tras otra Blackout, No One Like You y Big City Nights para dejar bien claro que a pesar de las baladas, Scorpions es una banda que se construyó un gran nombre tocando heavy de excelente manufactura.
Tras un par de minutos regresaron para el clásico encore que, en mi opinión, estuvo al revés. Tocaron Still Loving You y se despidieron de la Ciudad de México (quien sabe si para siempre) con Rock You Like A Hurricane. El éxtasis que me dejaba en la piel cada nota de Still Loving You no se alcanza con una rola como Hurricane, por más clásica que sea, pero eso finalmente además de ser una apreciación personal, es irrelevante.
De los conciertos de las primeras veces que vinieron a este hay muchas diferencias. Se extrañaban por ejemplo los Marshall y el ampli de bajo que de ñpronto aparecían pero sólo como imágenes digitalizadas en la pantalla del pie de la plataforma de la batería. Por otro lado, el usar monitores in ears y guitarras inalámbricas ofrecen una visión del escenario un tanto desnuda, aunque eso seguramente sólo se nota en los ojos de los fans veteranos porque para los más jóvenes, esas configuraciones “austeras” cada vez son más comunes.

Al final del día un concierto ampliamente disfrutable. No será el concierto del año ni nada pero 1 hora y 45 minutos después todos salieron de ahí con una enorme sonrisa, que es de lo que siempre se ha tratado. Además, la compañía siempre juega rol importante y la siempre guerrera Sra Interesante hace de cualquier situación un acontecimiento divertido, así que nada que reprocharle a la noche.
Ya de ahí nos fuimos al bar Metal Brothers por unas chelas más accesibles y una excelente banda de covers, pero esa historia volvería este post en tesis y nadie lo va a leer así que mejor regreso al bar este fin de semana y dejo que nazca una historia más.



Si llegaste hasta aquí, muchas gracias.

miércoles, junio 01, 2016

No Metal: Entrevista con Pat Mastelotto (King Crimson, TU, ORK...)


1-¿Cómo te iniciaste en la batería?
Cuando tenía como 10 años estaba muy afectado por los Beatles y toda aquella invasión británica. Intenté tocar muchos instrumentos antes de decidirme por la batería. Una vez que me decidí formé un power trío de rock and roll y el resto es historia.

2- ¿All Music Guide escribió aquella famosa línea que incluso tú compartiste en tu página web que dice que que muy rara vez los bateristas se vuelven exitosos tras haber salido de una banda exitosa, valga la redundancia, pero tú pareces ser mucho más reconocido tras tu salida de Mr Mister que durante ese periodo. ¿Cómo son tus recuerdos de esos días?
¿Los días de Mr Mr? Fue una época maravillosa pero todo sucedió en un flashazo de tiempo. Desearía haber sabido entonces todo lo que sé ahora 
Me queda claro que he sido muy afortunado de poder seguir en lo que hago y hacer de la música una carrera porque el negocio de la música es una chingadera. Hoy en día es mucho más complicado para los músicos jóvenes establecer una carrera. Creo que fui bendecido con haber vivido en el tiempo que me tocó hacerlo.

3- Un doble trío es en sí misma una idea extraña, pero para los melómanos, verte compartir las labores de baterista con una leyenda como Bill Bruford fue surrealista. ¿Cómo fue para ti esa experiencia desde un punto de vista profesional?
Creo que la idea del doble trío de King Crimson fue increíble, una experiencia muy disfrutable, ¡me hubiera encantado que durara más! Bill y yo apenas estábamos calentando motores. Traíamos un montón de ideas que apenas se estaban cocinando, música cruda y poderosa dentro de la química y el contexto clásico de “banda”

4- El ultimo disco de Mister Mister nunca se editó. ¿Te interesaría verlo editado en algún momento? ¿Por qué?
Salió finalmente en el 2010 tras estar guardado por 20 años, se llama Pull y supongo que está disponible en Amazon. Llevaré una pequeña caja de mercancía para vender en México y llevaré algunos. De verdad es un gran disco, para mí el mejor que hicimos… trae a Trevor Rabin en la guitarra… tiene algunas de las mejores composiciones que logramos como banda. La producción también es fantástica, volvimos a trabajar con Paul Deviliers, el mismo con el que hicimos el disco Broken Wings. Yo lo considero como una gema infravalorada.

5- En tu biografía dice que en algún momento mientras estabas con King Crimson tomaste algunas clases de batería y percusión. Uno pensaría que alguien de tu nivel sería más un maestro que un estudiante. En ese contexto, ¿cuál es la motivación o el proceso de pensamiento detrás de una decisión como esa de tomar clases cuando casi todo mundo te ve como un héroe de la batería?
No soy ningún héroe, solo soy un baterista más que debe aprender mucho aún. Hay muchos huecos en mi forma de tocar y muchas cosas que aún debo aprender. Esa es la parte divertida de ser músico, divertida y frustrante, una sola vida no te alcanza para llegar al lugar al que quisieras estar. Cuando King Crimson se tomó un breve descanso en 1997 fue cuando ocupé tiempo para tomar muchas clases, Jimbe, Kangier, Tabja, Trap Kit… también estudié otras cosas como piano y solfeo. Sabía que estaría en casa por seis meses así que acomodé todo en ese tiempo.

6- Leyendo tu biografía da la impresión de que te quedan muy pocas ventanas afuera de la música, y sin embargo tienes una familia. ¿Cómo lo haces funcionar, en verdad es posible llegar a casa y dejar atrás todo para ser un esposo durante el tiempo que estás fuera de la carretera?
Bueno justo ahora acabo de regresar a casa luego de una gira de 32 conciertos con Tony Levin y su Stick Men. Estuve fuera cinco semanas y llegué a casa apenas ayer y perdí mi teléfono, lo cual fue maravilloso porque escribo esto a las 11 de la mañana y aún no lo encuentro así que mi esposa tiene toda mi atención (por cierto, le propuse matrimonio a mi esposa en la Ciudad de México). La voy a llevar conmigo al show de Ciudad de México y ya de ahí ella se regresa al norte y yo viajo al sur pero digamos que esa una de las ventajas que puede ofrecerle un músico viajero a una esposa, el poder conocer otros lugares de vez en cuando. Como podrás imaginar cuando las giras son con King Crimson las condiciones de viaje son mucho mejores y constantemente nos quedamos en una sola ciudad por varios días. El año pasado por ejemplo pude llevarla conmigo a Tokio y estuvimos ahí una semana completa.

7- ¿Cuál es la historia detrás del nombre TU?
Cuando Trey y yo terminamos de grabar el disco The Power to Believe de King Crimson nos juntamos para grabar algunas ideas, yo viajé a Seattle que es donde vive él y usamos el estudio de Matt Chamberlain (baterista de Tori Amos por ejemplo). Yo llevé a Bill Munyon que es mi ingeniero y pasamos cerca de una semana escribiendo e improvisando y creando tracks desde ahí … lo que salió es el único disco de estudio que tenemos y realmente fue algo que sucedió muy rápido. Luego tuve la idea de llamarlo Two (dos) pero escrito como TU. Luego vino el concepto de conseguir a otros dos músicos para que cada que tocáramos un concierto fuera algo especial y llamarlo TU + 2. Así, los primeros dos músicos que contacté fueron Kimmo Pojohjen y Samuel Kosimen, dos freaks finlandeses de la world music futurista. Ese proyecto lo llamamos KTu -te lo recomiendo mucho-, luego me junté con Butch /el baterista de EELS) y el me presentó a Azam Ali (un increíble cantante americano/iraní) y tuvimos otra cita musical a ciegas. No estoy seguro que cocinaremos para los shows que vienen.



8- Pareciera como que la música de TU es como un jam extendido de improvisaciones inducidas con café de grano. Con ese contexto, cuando tocan en vivo ¿tienen una estructura básica sobre la cual improvisan nuevamente o es más como sesiones organizadas de improvisación que guardan cierta similitud entre sí mismas cada noche?
No, eso no es tan preciso. Realmente casi no improvisamos. Tenemos música que tiene estructuras muy estrictas y otras que tienen algunos espacios propicios para la improvisación. Otra cosa es que creamos cada concierto un poco a la medida y la vibra del inmueble en el que vamos a tocar y tomamos en cuenta las características de la audiencia. Y siempre tocamos con un filme de fondo. Eso nos ayuda a crear atmósferas, pero definitivamente tenemos siempre un plan de juego 
Además usamos también nuestras laptops y tocamos una buena cantidad de IDM Electrónica (Música Electrónica Inteligente y Bailable). Hace como 15 años algunas personas nos decían que hacíamos dub step y yo jamás había escuchado el término así que podríamos decir que de cierto modo somos precursores del dub step, aunque desde un formato prog rock.

9- ¿Qué opines de esa cinta llamada Whiplash? ¿Será que esa necesidad de practicar todo el día para adquirir un buen nivel como baterista se acerca a la realidad, o es mera exageración?
Esa película es pura mierda, yo como baterista no pude ni terminar de verla. Checa mejor Bird Man, no pierdas el tiempo con Whiplash, Bird Man salió más o menos al mismo tiempo y es fantástica.

10- Alguna vez Ozzy Osbourne dijo acerca de uno de sus bateristas (no recuerdo cual) algo así como “Sí, de verdad está loco, todos los bateristas están locos, viven de golpear cosas”. ¿En verdad será que los bateristas son tan distintos que por ejemplo los guitarristas o cantantes?
Ciertamente nosotros los bateristas somos una raza totalmente distinta. Eso es al mismo tiempo una exageración y un prejuicio pero sí existe una “personalidad típica” para casi cualquier posición en una banda. En la comunidad de bateristas hay una hermandad más sólida por ejemplo.


11- A ti se te considera una leyenda. ¿Te sientes a gusto con esa descripción o te provoca algún tiempo de presión?
No no no yo no soy ninguna leyenda y no me siento cómodo con esa descripción. Está bien que te acerquen un poco a la luz pero si es demasiado entonces te quema.

12- Tú has sido líder de banda, músico de sesión, miembro de banda, músico fantasma… ¿cuál de esas opciones prefieres y por qué?
Diablos, nunca pienso en mi carrera desde esa perspectiva, para mí todo es vivir el momento. Se trata de la canción que estás tratando de presentar, que haya una buena comunión con los músicos con los que estás, ya sean muchos o pocos sin importar la posición en la que yo esté, la idea es presentar la música en cuestión de la mejor manera posible.

13- Los guitarristas y bajistas suelen tener instrumentos customizados o personalizados. No estoy seguro pero no recuerdo algún set de batería personalizado que se comercialice como tal. ¿Qué tan complicado es armar la batería perfecta cuando debes usar piezas de diferentes compañías?
Si te refieres a la batería que usaré en México … la cosa está más o menos así: cuando viajas con una banda grande como Mister Mister o King Crimson puedes llevar todo el equipo que quieras (aunque por supuesto los precios de sobrecarga o envío son elevadísimos). Para shows como este en México con Trey lo que hago es llevar conmigo la mayor cantidad de mi equipo personal hasta donde el equipaje documentado me lo permite pero lo demás, los tambores, atriles, platillos y demás, esos te los provee el promotor en cada ciudad. Yo estoy patrocinado por ciertos productos así que mando a cada promotor con tiempo una lista de cosas que necesito (se le llama rider) en el cual van especificados a detalle los elementos que deseo para mi batería. Por supuesto no siempre te dan todo lo que les pides y aún cuando así es no siempre el golpe que das con la baqueta en el tambor suena siempre igual. En verdad es un reto divertido recrear el armado de la batería a mi entero gusto con las pocas horas que normalmente tenemos para montar y hacer prueba de sonido. Definitivamente llevaré mi computadora para tocar algunos sampleos y algunas piezas de batería electrónica. En situaciones de estudio normalmente tengo acceso a todo lo que quiero y necesito y puedo duplicar sonidos (overdub) pero para tocar en vivo debo concentrarme y prepararme.

14- ¿Qué tanto te involucras en el proceso de composición de la música de King Crimson? O en todo caso, ¿cómo es el proceso creativo en King Crimson?
Bueno ha sido muy distinto de acuerdo a cada alineación en las que he estado involucrado. A mí nunca me han dicho qué tocar pero si han existido las sugerencias ocasionales  Robert suele presionarte para que llegues al siguiente nivel así que suele existir un sentimiento muy abierto de exploración y muy a menudo, en Crimson, lo que hacemos es tocar las canciones en vivo en el estudio para dejarlas desarrollarse y que de esa manera suceden las cosas de forma muy orgánica, a veces son cosas muy extrañas, a veces incluso los errores suenan mejor que lo que se pretendía originalmente.

lunes, mayo 16, 2016

Death metal, una breve historia.

Los ochenta, la década que quizá más nostalgia genera desde que murió con la llegada de 1990. Musicalmente hablando hay muchas maneras de entender esa nostalgia pero depende en gran medida desde que postura se les mire. En México por ejemplo fue la década de Timbiriche, Flans y Pandora; de los baladistas tipo Emmanuel, José José y Juan Gabriel; de fenómenos latinoamericanos como Menudo y Los Chamos y claro, de esa mentira mal llamada Rock en tu Idioma, encabezada por bandas como Soda Stereo, Charly García y La Unión.

En el plano internacional fue la década de incontables “one hit wonders” en el mundo pop. ¿Alguien recuerda nombres como Frankie Goes to Hollywood, Culture Club, Wham!, New Kids On The Block, Bananarama, Hal and Oates, Whitney Houston..? Eso era lo que dominaba las listas de popularidad y claro, estaban los grandes de la década como Madonna, Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Cindy Lauper, Bruce Springsteen y algunos más. Fue también la década en la que géneros más subterráneos como el hip hop y el rap comenzaban a dar de que hablar.

Por eso, la nostalgia no siempre es una buena idea, porque los rockeros que hablan de los 80 con esa creencia de “qué padre era todo” tal vez no lo vivieron en carne propia o tal vez, ya olvidaron como era esa época.

Pero el metal tuvo en esos diez años una etapa que dio vida y consolidó innumerables sub géneros. Fue la década del New Wave Of British Heavy Metal, del glam, del thrash… fue también la década en la que nació el death metal.

Los 80 fueron años en los que la tecnología avanzó considerablemente. En el mundo de la música se crearon y mejoraron muchas técnicas para grabar y producir discos, pero en el metal fue una década en la que se consolidó el concepto de subterráneo, el famoso “underground”. No existía internet, por lo menos no de manera comercial, los metaleros del mundo se comunicaban entre sí gracias a la cultura del intercambio de casetes. Había una gran cantidad de fanzines en todo el mundo y en casi todos había secciones de cartas. El metalero de los 80 intercambiaba cintas y conocía bandas gracias a esa cultura del fanzine, iba a los conciertos y apoyaba su escena local (y me refiero a la de su ciudad, era algo muy íntimo).

Cuando el thrash comenzó a ser notorio con bandas como Metallica, Exodus, Slayer, Megadeth y Anthrax entre otras, hubo algunas otras que tomaron elementos de ese sonido, que le pusieron tintes de Motorhead y Kreator y lo modificaron poco a poco. Una de las bandas más influyentes de ese tiempo fue Venom, vigente desde antes que las recién mencionadas. Sucedió entonces que algunas personas tomaron la violencia musical de Venom, la velocidad de Metallica y Slayer, hicieron más grave la afinación de sus guitarras, le subieron aún más a la distorsión, inventaron los llamados “blast beats” en el doble bombo de la batería y sin saberlo, crearon el death metal.

Ponerle padre y madre al género es una labor complicada y comúnmente generadora de controversia, pero hay ciertos puntos de encuentro que son comúnmente aceptados por la mayoría. Así, es viable y más o menos certero decir que la primera banda que estableció un sonido que ya no era del todo thrash y que se mostraba tendiente hacia la creación de algo distinto fue Possessed. El reconocido sitio musical All Music Guide acredita a este cuarteto californiano, fundado en 1983, como el primero que “unió los puntos entre el thrash y el death” con el lanzamiento de su álbum debut, Seven Churches, en 1985.

Pero 1983 fue un año clave para el death, porque en la otra costa de los Estados Unidos, la del Este, concretamente en el Estado de Florida, nació también la otra banda que podría disputar la paternidad del género: Death. Originalmente se llamaban Mantas y grabaron su primer demo en 1984 bajo el sugerente título de Death By Metal. Ese y otros de sus primeros demos fueron ampliamente distribuidos en el circuito de intercambio de cintas, lo cual les ayudó de inmediato a establecerse como una banda que proponía algo nuevo, mucho más extremo que el thrash y muy excitante. Tal vez lo que apoye la teoría de que Possessed es el padre del género más que la banda del ya fallecido Chuck Shuldiner, además de la innegable brutalidad de Seven Churches sea que ese disco fue editado en 1985, mientras que Death sacó Scream Bloody Gore, su debutante larga duración, hasta 1987.

La tercera banda que conforma la que se podría llamar “santísima trinidad del Death Metal” fue Master, una agrupación originaria de Chicago que empezó también por 1983. La diferencia entre ellos y los otros dos fue que tuvieron una combinación de mala suerte y malas decisiones de parte de su manager de la época, mismo que desechó un contrato con Combat Records con la idea de que su banda, entonces no tan influyente, merecía mejores condiciones. Combat siguió adelante (ese mismo contrato lo firmó por ejemplo Death) y Master nunca logró establecer una carrera firme. Aun así, su impacto en el circuito de intercambio de cintas no ha muerto y su nombre se encuentra ahí, junto a los pioneros del género.

Ya casi para finalizar la década había otros nombres que sonaban fuerte. El uso de blast beats, popularizado sobre todo por los británicos Napalm Death y el desarrollo de técnicas para mejorar la velocidad de los bateristas ya había logrado establecer como sub género y no como una idea al Death Metal.

El establecimiento formal del nombre Death Metal por cierto se atribuye indistintamente a un demo de Possessed editado en 1984 bajo ese rubro; al demo de la banda Death llamado Death by Metal y a un fanzine de nombre Death Metal creado por Thomas Fischer y Martin Ain, dos personajes suizos que también tendrían que ver con el desarrollo del metal extremo en Europa con Hellhammer y posteriormente con Celtic Frost.

Poco tiempo después de que aquellas tres bandas (Possessed, Death y Master) definieran el nuevo sonido surgió una camada de agrupaciones -muchas originales de Florida- que tomaron el nuevo estilo y lo llevaron a sitios diversos. Entre esas estaban Obituary, Morbid Angel, Deicide y Cannibal Corpse. Desde el primer momento, el death metal exploró en su aspecto lírico temas como violencia, muerte, mutilaciones, horror, sangre, satanismo, misticismo, política, ocultismo, enfermedades y en general todas esas situaciones y aspectos de la vida que hacen que exista el horror. Todos son temas que se encuentran en bandas de otros sub géneros del metal, pero en el death se exploraban de manera mucho más directa y brutal.

Desde el inicio, el death metal se caracterizó por usar voces mucho más graves que la norma, lo que casi de inmediato fue denominado como “voces guturales”. Fue sin embargo Cannibal Corpse, en ese tiempo liderada por Chris Barnes, la primera banda que llevó el concepto de guturales a un plano superior e inconfundible. A muchos no les gusta, pero desde que Barnes apareció en escena, a ese estilo de cantar se le llamó en diversos medios “cookie monster” por el parecido entre esa forma de cantar con la voz oscura y grave del monstruo come galletas de Plaza Sésamo.

A partir de la llegada de Cannibal Corpse, el death ha sido el sub género metalero más popular que hay. Ciertamente algunas bandas de otros géneros han vendido tantos discos que equivaldrían a la población total de varios países –Metallica y AC/DC por ejemplo-, pero esas bandas salieron del subterráneo y se establecieron (aunque fuera sin quererlo) en el mundo del llamado mainstream, un término que en español es sinónimo de alcance masivo. En el contexto subterráneo, el death es el estilo de metal extremo que más vende, que tiene la escena más sólida y fiel y que se mantiene vibrante y cambiante. Baste decir que de sí mismo han nacido otros sub géneros como el melodic death metal, acreditado principalmente a Carcass; technical o progressive death metal (Nile, Opeth…), death doom (My Dying Bride, Asphyx, Paradise Lost), deathcore (Suicide Silence, Misery Index), entre otros.

Lo que hizo diferente a Cannibal Corpse fue que accedieron al éxito comercial –hoy por hoy está certificada como la banda death que más discos ha vendido en el mundo- sin comprometer su sonido o su concepto. Ciertamente el hecho de que diversos países hayan prohibido sus portadas, canciones y artes ha sido un impulso importante, pero también lo ha sido el mantenerse apegados a un estilo, a una idea sonora pero sin negarse la oportunidad de experimentar un poco.

En la actualidad hay muchísimos sellos discográficos especializados o semi especializados en el death, pero a finales de los 80 y principios de los 90 fueron tres los que ayudaron a establecer y consolidar al género: Roadrunner, Earache y Relativity.

Pero no todo sucedió en Estados Unidos. Europa tuvo también en aquellos años su propia escena death, aunque comenzó un poco después y primero se estableció con otro de los sub géneros más brutales del metal: el grindcore. Napalm Death es la banda pionera del género y de acuerdo a diversas definiciones lo que hacían era básicamente una forma más rápida y con canciones mucho más breves de death metal. Son ellos a quienes se les atribuye el establecimiento de los blast beats como base sonora para desarrollar la música. Carcass fue la otra gran pionera del grind y fue una de las primeras bandas en el mundo, si no es que la primera, en hacer un disco que se consideraría melodic death, el Heartwork. De ahí surgieron infinidad de grupos que llevaron la idea de colocar melodía en una base death al límite, sobre todo en la ciudad sueca de Gotenburgo.

Con el paso del tiempo muchas de las bandas pioneras se han ido (Possessed, Death, Master), algunas lograron establecer carreras sólidas (Obituary, CannibalCorpse) y otras han tenido altibajos que los han mantenido vigentes, pero sin recuperar la gloria de sus días primarios (Morbid Angel, Deicide).

En el 2003, las siete bandas de death metal que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos eran, en orden descendente (primero la más vendedora y de ahí para abajo) eran Cannibal Corpse, con poco más de 558 mil copias; Deicide, más de 481 mil; Morbid Angel, arribita de las 445 mil; Six Feet Under con cerca de 371 mil, Obituary con 368 mil, Death con una cifra muy cercana a la de los hermanos Tardy y Carcass, arriba de los 220 mil. Y parece poco comparado con las ventas de otros, pero son números que muestran una tendencia, una fidelidad que no se agota.

En cuanto a discos individuales (reitero, hasta 2003), el “Covenant” de Morbid Angel era el disco death más comprado en E.U con poco más de 127 mil copias, seguido en los lugares dos y tres por Deicide, que en sus primeros años realmente se hizo de un gran nombre con “Deicide” (el álbum de 1990) y “Legion” que alcanzaron 110 mil y 103 mil respectivamente y luego Obituary que vendió también un poquito más de 103 mil copias de “The End Complete”. Curiosamente, a partir de esos discos que en todos los casos son el primero o segundo de cada banda, no volvieron a alcanzar esos niveles de venta. Cannibal Corpse en cambio fue al revés; hasta ese 2003 había logrado con The Bleeding su mayor alcance al mover poco más de 93 mil copias; ya para el 2015, en febrero para ser exactos, el sello discográfico Metal Blade les otorgó una placa conmemorativa como la banda que más discos ha vendido en el death metal al alcanzar poco más de 2 millones copias repartidas entre sus 13 discos. Ese número significa que en promedio, el quinteto neoyorquino ha colocado 153, 846 copias de cada placa que han editado.

Tampoco es que en ese número haya algún truco como por ejemplo haber logrado que un solo disco alcanzara un porcentaje alto de esas ventas, su popularidad se ha incrementado año con año y para muestra se puede mencionar su movimiento en la lista Billboard 200 en los últimos años, ya que 5 de sus discos han logrado colarse ahí (y tres de ellos incluso en el Top 100), otro hecho inédito en el death metal.

Consistencia es entonces la palabra con Cannibal Corpse, un trabajo sistemático y sustentado en la vieja escuela, en cómo se hacían las cosas justo en el amanecer del género que era sacar discos de manera constante y promoverlos con giras y conciertos en cualquier parte del mundo que quisiera darles una oportunidad. De esa manera se alcanzan hitos como ser llamados “la banda Death Metal más grande en el mundo” por una publicación con autoridad para hacer el comentario como lo es Metal Hammer UK.

En la actualidad, el death es tal vez el sub género del cual se han derivado más sub géneros, a pesar de la redundancia. Su popularidad no ha menguado y por el contrario, cada vez crece más. Prueba de esto podrían ser la cantidad de festivales que sucederán en este 2016 dedicados al Death o con fuerte presencia del mismo como son por ejemplo Maryland Death Fest XIV, Raleigh Deathfest, In Flammen Open Air, With Full Force, Obscene Extreme, Brutal Assault y Party.San Open Air.


De esa manera el death metal ha mantenido su vigencia. Y en este texto sólo se mencionan a algunas bandas que dieron vida al género porque la lista de contribuyentes al establecimiento y mantenimiento de dicho sonido es larguísima y diversa.

**Los flyers fueron tomados de la siguiente página.

viernes, mayo 06, 2016

AC/DC y la novela Axl Rose

Mucho se ha dicho y escrito sobre la decisión que tomó AC/DC de reemplazar a Brian Johnson con Axl Rose. Pasaron ya varios días y hasta ahora la banda había guardado silencio. El mismo Johnson había aclarado que no lo corrieron, que simplemente por salud no podía seguir en el futuro inmediato y probablemente más a mediano y largo plazo.
Pero a la gente nunca le importan los comunicados oficiales, siempre les queda mejor creer los chismes y alegatos infundados que surgen en la red y más si les brinda la oportunidad de encontrar uno o varios villanos. Aquí tuvieron por lo menos a dos: Angus Young y Axl Rose.
Primero, dejaré mi postura sobre por qué yo no estoy de acuerdo con la elección de Rose como sustituto. Y en ese tenor lo primero que quiero expresar es que no pasa tanto por su capacidad vocal, para mí el gran pero en esta historia es el personaje creado por Brian Johnson y el creado por Axl Rose.
Musicalmente hablando Axl puede con el paquete porque Brian es un cantante único en cuanto a estilo, pero no en cuanto a capacidad vocal. es decir, es absolutamente reconocible cuando canta pero no es ni remotamente un súper dotado como Dio, Halford, Gillan o Dickinson. Es más como Lemmy, una voz inconfundible y entrañable, pero nada más, y Axl, que tampoco es un dios de las cuerdas vocales `por lo menos tiene un buen rango vocal, mucha experiencia y actitud al cantar.
El problema es entonces el personaje en sí. AC/DC ha tenido a lo largo de los años algunos problemas de abusos de sustancias por ejemplo, pero jamás fueron escándalos. Tienen una reputación de caballeros y son de las bandas que más respeto muestran a sus fans ofreciendo siempre lo más básico de un grupo de ese tamaño: profesionalismo. Nunca cancelan a menos que su cantante se quede sordo, no salen borrachos o drogados a tocar, no se pelean con los medios, no se pelean públicamente entre ellos, no salen tarde, no cortan sets sin razón aparente, no agreden a nadie, no dejan pasar 13 años entre un disco y otro, no provocan historias mediáticas llenas de controversia nomás porque sí, no buscan constantemente la luz sobre sus hombros, cuando responden entrevistas lo hacen de manera formal y seria, no están metidos en escándalos de esposas ex estrellas porno o modelos que luego se divorcian de ellos y les sacan dinero y trapitos al sol... Todo eso sin embargo define a Guns and Roses y la mayoría de los casos define por lo menos ante la mirada del público a Axl Rose. Ese es para mí el verdadero problema, la volatilidad del cantante de Guns and Roses.
Y claro, habrán firmado contratos y habrá cláusulas y demás, y tal vez Rose sea un poco menos megalomaniaco hoy que hace 20 años, pero no es posible saberlo hasta que concluya la gira y veamos si estuvo a la altura. El problema para mí es que es demasiado riesgo innecesario.
Todo esto sin embargo no importa porque es meramente mi opinión y ni Axl ni AC/DC la conocen o la toman en cuenta, pero como todos, tengo derecho a expresarla. A lo que no tenemos derecho, nadie, es a creer las cosas que nos dicen sin investigar. Lo que detonó el que AC/DC finalmente hablara públicamente de lo sucedido no fueron las firmas de inconformidad por la adhesión de rose a la banda ni las ridículas sugerencias de que se deberían retirar (ya quiero ver que alguien le diga lo mismo a todos esos que gritaron que mejor se retiraran, a ver qué opinan) ni las 7 mil entradas devueltas en Bélgica (que por cierto se pusieron de n uevo a la venta). No fue nada de eso, lo que detonó la respuesta fue la acusación cada vez más repetida de que a Brian lo corrieron. Así las cosas, ayer sacaron un video de 1:17 minutos en el que Angus, Cliff y Axl dijeron lo siguiente:
Angus dijo: “hay muchos rumores por ahí que aseguran que Brian fue despedido de la banda, pero eso no es verdad. La razón principal de su salida fue su problema con el oído. Ya de por sí andaba muy mal de un oído y el que le funcionaba bien estaba perdiendo su capacidad rápidamente. En verdad ya era algo que llevaba tiempo, casi desde el inicio de la gira”
Cliff agregó: “hubo un momento en el que la audición en el oído bueno disminuyó mucho, pero luego regresó, sólo que ya no de manera completa. El doctor le dijo que esa variación de audición podría volver a suceder y que podría ya no regresar. Y bueno, ya sabes, ¿qué puedes hacer ante algo así?
Angus agregó que la decisión “estaba fuera de nuestras manos, la decisión de no seguir fue de Brian porque creyó que era la mejor manera de proceder. De todas maneras no había un escenario en el que todos ganáramos porque si simplemente hubiéramos parado, entonces muchos se habrían enojado por eso”.
En ese primer video, Axl comentó que “es horrible lo que le pasó a Brian y uno espera que mejore. Yo no estoy tomando esto como un juego ni presumiéndolo por todas partes porque no es como que la banda decidió hacer un proyecto diferente, lo que sucedió fue una circunstancia muy desafortunada, y yo estoy muy consciente de ello”.


En otra edición del mismo video Axl habló sobre el reto que representa sustituir a Brian: “Back in Black es el disco de rock más vendido de la historia así que me queda claro que muchos van a estar pendientes de cómo lo canto. Y realmente no hay nada que pueda yo mejorarle a Brian como cantante, es lo que hay, es uno al que le puedes llamar EL cantante de rock. Además, ¿cuántos discos tienen? Ya sabes, yo tengo un par (risas) y ellos tienen todo un bonche”.

Rose admitió que al principio no sabía si podría hacer o no los shows. Explicó que “de entrada era la agenda. Dos, es la manera en que ellos hacen las cosas y hay mucho que yo no sabía. Me preguntaba si funcionaría, si nos llevaríamos bien, ese tipo de cosas. Además está el material en sí mismo. Había ciertas cosas que yo nunca había escuchado con atención. Supongo que como cualquiera alguna vez en el coche canté Back in Black pero nunca la había cantado completa, o alguna vez habré cantado parte de Shoot to thrill pero no completa, uno sabe que es una canción bien complicada para cantar. Y nunca lo había hecho de manera profesional o me había aprendido todo así que ciertamente es un gran reto y yo quiero hacer lo mejor para la banda y para los fans”.
Video donde Axl habla un poco más


Así las cosas, cada uno tendrá su idea de si Axl tiene los tamaños o no, pero por lo menos ahora cada uno tendrá oportunidad de conocer un poco más de la historia. Pero eso no es todo, eso es sólo en cuanto al famoso video. El sitio NME tuvo una larga entrevista exclusiva con Angus, Cliff y Axl y me dí a la tarea de traducir algunas de las preguntas más importantes, mismas que les pongo a continuación. Para consultar la nota completa sólo hay que dar click aquí. Está en inglés obviamente pero está muy interesante.
NME (New Musical Express es hoy un medio en la red que comenzó como diario musical desde 1949. En los 70 se convirtió en la publicación de mayor venta en el Reino Unido y luego en los 80 adoptó el formato de revista. En la primera mitad del 2015 su circulación pagada fue de apenas 15 mil y pico de ejemplares y como ya se había establecido como número en la red, se decidió que el formato impreso ahora sería gratuito.
¿Cómo han sido los ensayos?
Angus (A): ¡Muy buenos!
Axl (X): ¡Maravillosos porque ya se acabaron!

La práctica hace al maestro. ¿Cómo se sienten ahora sobre el inicio de la gira, se siente diferente a lo normal?
A. Estamos muy emocionados
(X). Hay algunas diferencias pero al mismo tiempo no porque para este momento he estado cerca de estos tipos por alrededor de un mes, he ido conociendo a todos en el equipo de trabajo, viendo como hacen el show, viendo conciertos, has de cuenta como un futbolista, viendo videos. Así que para mí sí hay diferencias pero porque se trata de un show diferente y de canciones nuevas para mí.

¿Cuántas veces los has visto en vivo?
(X) Nos conocimos muy al inicio de Guns and Roses, en los primeros años, en el Forum de Los Ángeles, lo conocí a él (Angus) y a Cliff en el backstage.
(A) ¿Qué no fue en aquella estación de policía?
(X) No… bueno esa fue la segunda vez.

¿Cuánta influencia tuvo AC/DC en Guns and Roses?
(X) Mucha, fue una gran influencia para Izzy y para mí. Y luego fue algo que teníamos en común cuando conocimos a Slash porque su novia lo hacía escuchar a AC/DC todo el tiempo, si no lo hacía ella no salía con él.

¿Por qué Axl? ¿Cómo sucedió todo esto de tenerlo ahora a él?
(X) Les pagué una lanota
(A) ¡Y yo lo gasté bien Axl! Creo que Axl mismo podría contar mejor la historia, contactó a un tipo que había trabajado con nosotros…
(X) Opie, una persona de su equipo de producción de hace tiempo y que también trabaja para los Stones está haciendo la gira de Guns and Roses ahora mismo. Así pues teníamos a esta persona en común. Cuando supe lo de Brian le llamé a Opie para preguntarle qué iban a hacer –y no en el sentido de ofrecerme mal plan o agandallando- era más bien como si hay algo que yop pueda hacer, aquí estoy. Yo ni siquiera sabía que canciones podría cantar, no sabía nada de sus fechas, nada, pero luego supe que Opie ya había puesto mi nombre en la mesa.

¿Qué otros nombres estaban en la mesa?
(X) Era mi mesa así que no había más nombres ahí
(A) Ya estaba todo arreglado por debajo de la mesa
Cliff (C) Trabajamos con varias personas
(A) Te llega mucha gente, siendo el mundo como es ahora todos llegan y dicen que ñpieden cantar.
(X) Hay muchos desafíos en el material, hay toda clase de cosas que ambos cantantes hacen (Bon y Brian) que hacen que cada canción sea especial. Cada canción está casi gravada en piedra en cómo se debe de cantar.
(A) Ví lo que hiciste con Guns and Roses, lo ví en internet…
(X) Alguien anda moviendo ahí nuestro material
(A) Era Whole Lotta Rosie versión Guns and Roses así que sabía que él era capaz de hacerlo, lo ví y pensé que era un buen inicio.

¿Llegaron a considerar el tener diversos cantantes invitados?
(A) Para serte honesto era más un caso de ¿y ahora qué hacemos?
(X) Estaban en el proceso de determinar como banda qué camino seguir, eso es lo que yo entiendo, porque sucedió de repente.
(A) Era una crisis repentina y teníamos que acyuar. Estábamos en Miami en ese momento, cuando todo esto pasó y desafortunadamente cuando estás en ese tipo de escenario no te queda más que tomar decisiones rápido porque tienes detrás a mucha gente esperando. Se suponía que íbamos a tocar en Atlanta así que estábamos presionados, tipo ¿qué hacemos?. Debido a la naturaleza de la pérdida de audición de Brian sabíamos que la respuesta no sería fácil así que llega el momento en que te preguntas ¿y qué hacemos ahora? Las opciones eran muy limitadas y pensábamos que si deteníamos todo de golpe entonces tendríamos un verdadero tinglado legal que resolver.
(X) Eso y los fans, además no quieres que la banda pase por todo eso, ¡lo digo por experiencia!
(A) Fue un alivio que él se ofreciera ¿sabes? Llegó y dijo “si puedo hacerlo, lo hago”.
(X) Y yo no tenía idea de si podría hacerlo, digo, ellos tocan realmente fuerte, tienen su propia manera de trabajar y uno nunca sabe si va a acoplarse o no. Pero todo empezó muy bien y ha ido mejorando con los días. ¡Espero terminar el primer show antes de que me corran!

¡Llegaron a pensar en cancelar la gira?
(C) Queríamos terminar lo que empezamos
(A) Y esa era nuestra principal meta, sobre todo para Cliff y para mí ya que somos los que más tiempo llevamos en la banda. Queríamos terminar lo que iniciamos. Además, no puedes llamar a una gira Rockea o Revienta ¡y luego reventar!
(X) Jaja, esa estuvo genial.

¿Qué pasará luego de los shows, continuarán con este formato? ¿Traerán a otro cantante? ¿Regresará Brian?
(X) Sea lo que sea que hagan con Brian a mí no me corresponde hablarlo, es cosa de ellos. Sobre que fuera alguien más, ¡lo envenenaría lentamente!

¿Cuál es el pronóstico de Brian, podría reincorporarse a la banda?
(A) Él debe ser muy cuidadoso con la audición que le queda. Eso es lo que nos dijo, eso y que estaba encabronado de poder terminar porque no le gusta dejar las cosas a medias, pero la decisión fue de él. No quería quedarse sordo. Y yo lo entiendo perfectamente bien, ¡quieres que cuando te toque salirte de esto sea con tu ser completo, con todas las piezas! ¡Yo no querría salir y que me faltara siquiera una uña!

¿Qué le dirías a los 7 mil fans en Bélgica que pidieron su reembolso?
(A) Que se perderán una gran noche
(X) Yo siento que ya los extraño, y eso que ni siquiera los conozco

Ya veremos si vienen a México. Mientras, más o menos así suena Axl interpretando a AC/DC, aunque el video es de Guns con Angus con invitado.
Riff Raff




martes, mayo 03, 2016

Reseña Origins Vol. 1 de Ace Frehley

**Las canciones que se muestran son propiedad del autor, yo sólo las uso como muestra. No pretendo lucrar ni mucho menos infringir los derechos de autor**

Inicialmente un “plan B” de la discográfica (E1 Music, antes Koch Records) en caso de que Ace no pudiera completar lo que eventualmente fue Space Invader a tiempo para capitalizar la inducción del Spaceman al Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los otros tres fundadores de Kiss, Origins Vol 1 es ahora una realidad y además ofrece gran calidad. Desde que Ace grabó su primer disco solista en 1978, cada uno de sus discos con su nombre o bajo el rubro de Frehley’s Comet ha contado con al menos un cover, por lo que el proyecto en sí no parece tan fuera de lo común. Ofrecido el contexto, esta es mi reseña de éste, un trabajo que con poco más de 16 300 copias vendidas en su primera semana alcanzó el nada despreciable puesto 23 en el Billboard 200, #1 en el Billboard Hard Music Chart y #3 en la Billboard Rock Chart.

El disco empieza de manera sobresaliente con una maravillosa versión de White Room, tema del cual el solo original es el segundo mejor de la historia según la revista Guitar World y que fue de los primeros en usar el pedal wah wah. Ya desde aquí se nota que el disco tendrá mucho respeto por las versiones originales pero que también estará la firma Frehley por todos lados. Por ejemplo, contrario al clásico de Cream, en Origins no hay teclado; la versión original tiene en la mezcla al mismo nivel bajo, guitarra y batería, probablemente por la desmedida calidad que tenía el trío, pero en la versión de Ace la mezcla es con las guitarras al frente dejando la maravillosa base rítmica del tema como soporte nada más. Otra gran diferencia o algo que hace que se note que es una creación desde la perspectiva de Frehley es que toca dos guitarras: una hace el riff básico que en la original hace el bajo y la otra toca solos empapados de efecto wah todo el tiempo. Al final es un excelente tributo ya que Ace ha dicho muchas veces que haber visto a Cream y concretamente a Clapton cuando tenía 15 años fue una experiencia que le cambió la vida.


Con Street Fighting Man igual que en su momento con 2000 Man, Ace lleva la música de los Rolling Stones por una vereda desconocida. Respeta algunos detalles clásicos del tema, como el uso de maracas al inicio por ejemplo pero luego la llena con el sonido clásico de Les Paul y le agrega algunos solos que la versión original no tiene. Es además una canción cuya letra le queda perfecto a lo que vivió Frehley de niño y adolescente. Probablemente será sacrílego decir que mejoró la versión original ya que es u clásico de Sus Satánicas Majestades pero ciertamente le da un aura absolutamente rockera y moderna que la original no tiene.

La idea del disco era usar temas de bandas o guitarristas que marcaron a Ace en su etapa de crecimiento y por lo tanto no sorprende que aparezca un tributo a Jimi Hendrix, concretamente Spanish Castle Magic. La versión de Origins es muy buena, una vez más con el toque Ace, sobre todo en el solo, pero ciertamente hay una razón por la que Hendrix es el papá de los dioses de la guitarra. Es tal vez la primera canción en el disco en la que se siente que falta más peso en el bajo y la batería ya que en la original de Jimi Hendrix Experience esos dos instrumentos no sólo acompañan sino que redondean magistralmente la canción.

Luego viene el momento del morbo, el que todos los Kisseros esperaban con ansias y que finalmente es bien recompensado. En Fire and Water, una vez más Ace ofrece una versión moderna, mucho más guitarrera que la original. Ojo, en ningún caso esto quiere decir que Ace hace mejores las canciones que ya existían, eso dependerá de cada escucha pero logra llevar temas que tienen30 años o más a un sonido que es mezcla de modernidad y del tono característico de Frehley, además de agregar, modificar o incluso inventar, eso sí, solos maravillosos. Excelente decisión poner a Paul Stanley ya que la voz de Paul Rodgers (cantante de Free) es más grave que lo que se acostumbra escuchar de Paul y al ser ese el caso, no sufre con su desgastadas cuerdas vocales. La mezcla de ambos personajes irremediablemente recuerda al Kiss primigenio, lo cual para los Kisseros es bueno evidentemente. Es en general una de las canciones mejor logradas del disco.


Emerald es otro de los momentos más plausibles de Origins. La combinación es perfecta: un tema de Thin Lizzy y un duelo extendido de solos entre Ace Frehley y Slash, poco más se puede pedir. En una entrevista con Rolling Stone comentaba Frehley que Slash sugirió que tocaran en vivo en el estudio, cara a cara. El resultado es un maravilloso ir y venir de esos solos que se distinguen inmediatamente por el tono de cada guitarra y por la manera de “requintear” de cada uno. Dice Ace que le llevó 3 días escoger las mejores tomas y a uno sólo le queda maldecir en broma al ingeniero que estuvo ahí y vio esa parte de la historia suceder frente a sus ojos. White Room fue el primer sencillo, ahora lo es Fire and Water y resulta muy claro que es el empuje mediático que le puede dar Paul Stanley, pero Emerald es tal vez el mejor track del CD y podría ser sencillo sin ningún problema. Una joya de verdad.


El blues nunca ha sido referente en la música de Ace o de Kiss, sin embargo la versión de Bring it on home lo muestra en buena forma y a pesar de que su interpretación del género es con un sonido menos pulcro que el clásico, la parte media de la canción que ya está sustentada en un riff Zeppeliniano pone inmediatamente una sonrisa en el escucha. A destacar el truco que habrán usado en el estudio para hacer que el Spaceman sonara parecido a Robert Plant. Es también la canción del disco que más se acerca a la original en cuestión sonora (excepción obvia los 3 temas de Kiss). Ésta probablemente sea la canción más tributo de todo el álbum en el sentido de su apego a la versión clásica, ya que en el caso Led Zeppelin también es un cover.

Muchos han cuestionado la relevancia de tocar una vez más Wild Thing de The Troggs. Probablemente quienes tengan en sus colecciones de discos muchos compilados de versiones de diferentes artistas podrían estar hartos pero en el caso del rocker clásico que tal vez ha escuchado la canción en alguna fiesta no debería ser algo tan oneroso. La versión es sin embargo bastante sencilla y cuenta con Lita Ford en la voz y guitarra líder. El solo de la dama es muy bueno y si se toma en cuenta que la idea de Ace al hacer estas tomas era pasarla bien y que los que escuchen el disco se pasen un buen rato, la canción entonces cumple y con creces. La batería por cierto realza el aura pesada que le ponen el Spaceman y Lita.

En el caso de Parasite y Cold Gin, la primera con la colaboración de John 5 (Marylin Manson, Rob Zombie…) y la segunda con Mike McCready (Pearl Jam), aunque son bastante apegadas a las versiones originales de Kiss excepto por algún lick por ahí de cada uno de los invitados que le pone su propio sello, lo realmente destacado es que son temas que se hicieron clásicos en la voz de Gene Simmons, pero ambos fueron escritos por Ace. Tímido en sus inicios con la banda, nunca se sintió lo suficientemente a gusto consigo mismo en su faceta de cantante para ponerle voz a sus propias creaciones. El resultado final, para mí, es que le pone quizás el sentimiento y la intención que debía llevar cada uno de los temas, sobre todo en el caso de Cold Gin, aunque también queda claro que gene Simmons había hecho un gran trabajo vocal en ambas.

Steppenwolf es conocido por todos gracias a Born To Be Wild, pero Magic Carpet Ride también fue un sencillo importante en su carrera y parece una elección menos obvia para tributar. Una vez más Ace lleva la guitarra a primer plano y vocalmente es uno de los temas que los fans del músico de 65 años más gozarán porque tiene todos esos matices de timbre típicos en él. La mayor variante contrastada con la versión original es el agregado de un solo que sustituye de cierta manera la segunda parte del tema original que es más bien una especie de outro de psicodelia prolongada.

En cuanto a Till The End of The Day de The Kinks es también una version bastante fiel a la original ya que los británicos tenían ese sonido distorsionado que después se convirtió en precursor del hard rock, sólo que con un sonido más enfocado en la guitarra, unos cuantos gramos más pesado y con un solo creado por Ace para la ocasión.

Finalmente la versión que le hace a Rock and Roll Hell tiene varios matices dignos de ser comentados. De inicio, a mi parecer, en la versión de Ace la voz queda un poco, si no a deber, sí un poco forzada. Será tal vez la cantidad de veces que la escuché con Kiss y con los tonos y matices de Gene Simmons que la hacen parecer más ruda. La voz de Ace en esta versión es más funky, le falta agresividad. Sin embargo en cuanto a lo instrumental y concretamente el trabajo de adaptación que le hizo en la guitarra es sencillamente soberbio. De entrada el riff básico de los primeros versos que en la original hace Gene con el bajo, aquí Ace la toca con la guitarra, con un tono grave machacante y soberbio que potencia mucho esa vibra callejera que tiene la rola; es como ese riff lento, sencillo pero magistral de The Zoo de los Scorpions sólo que en formato Ace y en una canción de uno de los discos más pesados de Kiss. Además le agregó dos solos muy a su estilo, con un toque de crudeza callejera pero que le quedan perfecto al tema y lo visten mucho. Sólo queda imaginar lo fantástico que hubiera sonado con esa base en la guitarra y la voz de Gene.


En general, Origins Vol. 1 es lo que se espera de un disco tributo de Ace Frehley: rocker, sin compromisos, con temas que a él lo marcaron y sin ningún propósito extravagante más allá de tocar por el puro placer de hacerlo y sin la presión que conlleva escribir temas nuevos y lograr que pasen los criterios de selección de una discográfica. Supongo que nunca se trató de descubrir el hilo negro o hacer versiones alocadas y extravagantes de las canciones ofrecidas sino divertirse, darles un toque guitarrero y moderno y ofrecerlo al público para que lo ponga a buen volumen mientras vbiaja por ejemplo en la carretera. La parte del título que dice Vol. 1 abre necesariamente la puerta para que venga uno más en el futuro cercano. Cuando se empezó a hablar de este disco se mencionaban bandas como The Beatles y The Who, mismas que no aparecen en esta entrega por lo cual no queda más que esperar, por qué no, que en años venideros aparezcan el sucesor de Space Invader y un nuevo Origins. Los jendelianos y kisseros por igual lo recibiremos con gusto.

martes, abril 26, 2016

Entrevista con Nervosa, Prika Amaral.

Por esas cosas que no dependen de uno (ni de ellas), esta entrevista fue la primera que hice por audios de whatsapp. Eso complica que haya una charla fluida así que las preguntas son más bien sin chance de variarle o de seguir algún concepto que te respondan en la entrevista, es como por mail, sin interacción real. Aún así, muy amablemente Prika Amaral, la guitarrista, accedió a contestarla. Aquí el resultado.


Sobre la historia detrás del nombre, su significado…
El nombre Nervosa viene de la palabra en español Rabiosa. En inglés es Angry pero es una palabra en portugués, una palabra femenina que ustedes pueden aplicar para cuando una mujer está rabiosa, cuando es así, en portugués decimos que la mujer está nervosa. Es una palabra agresiva y aunque está en portugués es fácil de decir para mucha gente, se parece a muchas palabras de otros idiomas así que no es difícil entender su significado. Cuando creé el nombre de la banda me inspiré en Sepultura, ese también es un nombre en portugués que es agresivo y que va muy bien en el metal así que Sepultura digamos que fue una influencia para crear el nombre.

Sobre su opinión de la escena metalera en Latinoamérica, si existe tal escena fuera de las grandes bandas que todos conocemos y que siempre llenan en nuestra parte del continente…
La escena de Latinoamérica es diferente por una cuestión económica también. Son realidades diferentes (se refiere a Europa) aunque no creo que sea inferior o mejor, apenas diferente. Brasil es un país muy grande y tenemos muchas bandas, como en toda América Latina; nosotras hemos tocado con muchas bandas buenísimas en Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, Bolivia, Guatemala, El Salvador, en verdad es una escena muy grande y muy especial. En Europa las cosas son un poco diferentes porque ellos tienen mejores condiciones que nosotros, comparando, nosotros somos más bien países pobres, entonces nos resulta mucho más difícil hacer ciertas cosas que por ahí para ellos son fáciles. También creo que nosotros tenemos algo especial en cuanto a la escena latinoamericana ya que somos muy pasionales, tenemos muchas ganas de tocar y el sonido es muy diferente. Las bandas que salen de Sud América y Latinoamérica tienen algo que a los norteamericanos y europeos les gusta mucho y lo reconocen siempre. Nosotras estamos orgullosas de ser latinoamericanas, de venir de esta parte maravillosa del mundo y aunque tenemos muchas dificultades por ser países pobres y con tanta corrupción yo siempre digo que somos como hermanos, porque todos vivimos lo mismo. Pero es una escena muy grande y maravillosa.


Sobre su actual alineación, si les ha hecho falta tener un músico extra o si el futuro será ya siempre como trío…
Estamos acostumbradas a ser solamente un trío, es muy difícil hallar chicas que toquen metal y que estén dispuestas a dejar a sus familias y amigos y pasar mucho tiempo fuera de casa, dedicarse a esto de manera profesional es muy difícil para una mujer. Además es muy importante que las integrantes de la banda sean de fácil convivencia, en realidad son muchas cosas las que nos llevaron a ser solamente tres personas. Nosotras componemos la música pensando sólo en una guitarra así que por lo pronto no necesitaríamos otra integrante. Ya en el futuro no sabemos que pueda pasar, sería buenísimo tener otra guitarra porque yo podría trabajar más las guitarras, hay muchas cosas que no puedo hacer porque en todo caso me falta una guitarra más que esté haciendo base pero creo que esta fórmula nos funciona bien. Hay algunas ventajas como que en las giras los costos, la logística y demás se facilitan al ser sólo tres. Además tenemos una gran energía así que ahora no necesitaríamos a nadie más. Ya somos conocidas como tres y yo creo que eso es especial también. Estamos felices así.

Más o menos padecemos los mismos problemas en Latino América como corrupción y demás, en ese sentido ¿les afecta piratería?
Eso es algo nuevo, algo que ha sucedido apenas en los últimos años y que no podemos controlar, es una cosa natural pero también creo que los verdaderos fans, aquellos a los que les gusta nuestra música normalmente comprarán las cosas. Quienes hacen eso (copiar un disco y venderlo) normalmente es porque no tienen dinero, lo importante para mí es que les guste la música, que vayan al show y disfruten lo que hacemos porque lo demás, aunque puede ser importante, no importa más que la música. Hoy en día no podemos ganar dinero vendiendo discos pero sí vendiendo shows, tocando seguido y haciendo giras, eso es suficiente para nosotras. Yo creo que la piratería es una cosa natural pero espero que puedan vernos en vivo, que les guste la música y puedan comprar nuestro material y disfrutar. Lo más importante siempre es disfrutar.

Sobre internet, empezaron su carrera ya en la época digital, redes sociales y sitios como Spotify y Deezer. ¿Crees que la tecnología y la internet benefician a las bandas o no? Algunas bandas más viejas dicen que las bandas nuevas no tendrán futuro porque internet y las descargas mataron la industria. ¿Qué opinas?
La internet nos ayuda mucho, sin ella no podríamos hacer lo que estamos haciendo, es una herramienta muy importante para la difusión, es como una gran grabadora global. Gracias a internet nosotras que apenas tenemos seis años como banda hemos podido tocar en todo el mundo. La industria musical cambió mucho, en los 90 era posible ganar mucho dinero vendiendo discos, era fácil vender un millón de copias pero todo eso cambió por las descargas, la internet y la piratería. Nosotras hemos logrado ganar algo de dinero haciendo shows pero tampoco somos tan interesadas, necesitamos el dinero suficiente para vivir bien y hacer lo que nos gusta. El dinero es más una consecuencia del trabajo pero te digo, no necesitamos de mucho, no queremos ser millonarias. Creo que lo mejor de todo esto es la experiencia de poder tocar en todo el mundo, hacer amigos, tener contacto con bandas de las que somos fans. Ser parte de todo eso es lo que realmente nos parece importante, hacer música. Por otro lado también es cierto que sin dinero todo se complica porque te imposibilita el hacer ciertas cosas. Entonces, para tener dinero la banda tiene que trabajar y no pensar tanto en vender discos, por ese lado las cosas son más difíciles pero yo no creo que sea tanto así como dicen que las bandas nuevas no tienen futuro sin industria discográfica, pienso más bien que haciendo lo que te gusta todo es posible.

Sobre lo cansado y tedioso que puede resultar hacer giras, si vale o no la pena…
Sí, hay veces que es muy cansado pero no me parece que sea tedioso. Parte de estar en una banda implica pasar por todo eso pero no es algo que nos pese. Nos gusta mucho viajar y conocer distintos lugares y personas. Lo que nosotras siempre quisimos fue estar en el escenario y tocar en todos los lugares que se pueda, hacer muchas giras, conocer muchas personas. La parte mala es dejar atrás a la familia y amigos pero es normal, nosotras nos divertimos mucho en el escenario, lo disfrutamos y eso es lo que queríamos así que lo hacemos con muchas ganas y mucho placer.

El circuito del metal tiende a ser machista o misógino, puede ser un medio en que a las mujeres se les maltrata un poco, ¿ cómo ha sido su experiencia?
Para mí es muy natural tocar con otras chicas, tanto como para un hombre lo sería el tocar con puros hombres. Hay algunas cosas positivas como que al ser sólo chicas es más fácil hacer promoción por ejemplo, pero al comienzo de la banda fue difícil porque mucha gente decía que por ser chicas no sabríamos tocar y eso no es verdad claro, hay muchas bandas de mujeres y si nosotras estamos haciendo muchos shows y giras no es por ser mujeres, es porque somos profesionales y hacemos muchas cosas extra que otras bandas no hacen porque sacan un disco y se sientan a esperar a que las cosas sucedan. Nosotras tocamos puertas y hacemos todo el trabajo que haga falta para que nos conozcan y eso fue complicado, pero a estas alturas ya no pasa, hoy nos respetan y si a alguien no le gusta nuestro sonido ya no nos dicen de cosas. Así que tener una banda de mujeres es igual que una de hombres, existen los mismos problemas.

¿Cómo funciona Nervosa a la hora de componer?
Nosotras componemos juntas, es un trabajo comunitario en el que todas participamos. Casi siempre empieza con un riff mío de guitarra, luego Fernanda agrega un riff de bajo, Pitchu pone las partes de la batería o puede empezar con un riff de Fernanda y luego yo le agrego lo mío o le modifico alguna cosa pero siempre cada una se encarga de su instrumento. Yo sólo compongo lo que es de guitarras, Fernanda solamente el bajo y Pitcho sólo la batería, pero siempre juntas. Yo podría hacer la música por ejemplo pero eso no representaría a la banda, me representaría en todo caso a mí, por eso creo que es importante que todas participemos en todas las cosas de la banda. Las letras son escritas por mí y recientemente por Fernanda también, mitad y mitad pero lo instrumental es trabajo de las tres.

Si existieran los genios de las lámparas y te concedieran sólo una oportunidad de tocar con la banda o músico que prefieras, vivo o muerto, ¿a quién escogerías?
Es una pregunta muy difícil pero escogería personajes que ya murieron porque con los vivos siempre existe la posibilidad de que algún día toquemos con ellos. Igual es una oportunidad muy lejana pero existe y con los muertos ya no así que con gran dificultad para elegir sólo a uno sería o Dimebag Darrell o Jimmi Hendrix. Creo que sería al final Dimebag porque yo toco metal, pero si fuera blues escogería a Hendrix. Obvio no toco como Dimebag pero por lo menos él tocaba metal, y yo también. Tengo algo de influencia del blues pero toco muy poco así que me sentiría más cómoda tocando con Dimebag Darrell.

Sobre su relación con Napalm Records y sobre planes de disco nuevo… Nuestra gira por México será sólo de tocar el disco que ya tenemos, Victim of yourself, porque nunca hemos tocado ahí pero esperamos regresar más adelante y ya tocar temas de nuestro disco que aunque ya está grabado, como no se ha lanzado no tiene caso tocar temas de él. El disco saldrá en junio por Napalm Records, estamos muy felices con ellos, nos dan libertad para hacer lo que queremos, nos apoyan mucho así que en junio saldrá, ya con Pitchu en la batería porque en el anterior no estaba. Será un disco diferente al primero, con más influencia del death metal pero con mucho thrash también. Estamos muy ansiosas por sacarlo ya y regresar a México para presentarlo.