lunes, mayo 16, 2016

Death metal, una breve historia.

Los ochenta, la década que quizá más nostalgia genera desde que murió con la llegada de 1990. Musicalmente hablando hay muchas maneras de entender esa nostalgia pero depende en gran medida desde que postura se les mire. En México por ejemplo fue la década de Timbiriche, Flans y Pandora; de los baladistas tipo Emmanuel, José José y Juan Gabriel; de fenómenos latinoamericanos como Menudo y Los Chamos y claro, de esa mentira mal llamada Rock en tu Idioma, encabezada por bandas como Soda Stereo, Charly García y La Unión.

En el plano internacional fue la década de incontables “one hit wonders” en el mundo pop. ¿Alguien recuerda nombres como Frankie Goes to Hollywood, Culture Club, Wham!, New Kids On The Block, Bananarama, Hal and Oates, Whitney Houston..? Eso era lo que dominaba las listas de popularidad y claro, estaban los grandes de la década como Madonna, Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Cindy Lauper, Bruce Springsteen y algunos más. Fue también la década en la que géneros más subterráneos como el hip hop y el rap comenzaban a dar de que hablar.

Por eso, la nostalgia no siempre es una buena idea, porque los rockeros que hablan de los 80 con esa creencia de “qué padre era todo” tal vez no lo vivieron en carne propia o tal vez, ya olvidaron como era esa época.

Pero el metal tuvo en esos diez años una etapa que dio vida y consolidó innumerables sub géneros. Fue la década del New Wave Of British Heavy Metal, del glam, del thrash… fue también la década en la que nació el death metal.

Los 80 fueron años en los que la tecnología avanzó considerablemente. En el mundo de la música se crearon y mejoraron muchas técnicas para grabar y producir discos, pero en el metal fue una década en la que se consolidó el concepto de subterráneo, el famoso “underground”. No existía internet, por lo menos no de manera comercial, los metaleros del mundo se comunicaban entre sí gracias a la cultura del intercambio de casetes. Había una gran cantidad de fanzines en todo el mundo y en casi todos había secciones de cartas. El metalero de los 80 intercambiaba cintas y conocía bandas gracias a esa cultura del fanzine, iba a los conciertos y apoyaba su escena local (y me refiero a la de su ciudad, era algo muy íntimo).

Cuando el thrash comenzó a ser notorio con bandas como Metallica, Exodus, Slayer, Megadeth y Anthrax entre otras, hubo algunas otras que tomaron elementos de ese sonido, que le pusieron tintes de Motorhead y Kreator y lo modificaron poco a poco. Una de las bandas más influyentes de ese tiempo fue Venom, vigente desde antes que las recién mencionadas. Sucedió entonces que algunas personas tomaron la violencia musical de Venom, la velocidad de Metallica y Slayer, hicieron más grave la afinación de sus guitarras, le subieron aún más a la distorsión, inventaron los llamados “blast beats” en el doble bombo de la batería y sin saberlo, crearon el death metal.

Ponerle padre y madre al género es una labor complicada y comúnmente generadora de controversia, pero hay ciertos puntos de encuentro que son comúnmente aceptados por la mayoría. Así, es viable y más o menos certero decir que la primera banda que estableció un sonido que ya no era del todo thrash y que se mostraba tendiente hacia la creación de algo distinto fue Possessed. El reconocido sitio musical All Music Guide acredita a este cuarteto californiano, fundado en 1983, como el primero que “unió los puntos entre el thrash y el death” con el lanzamiento de su álbum debut, Seven Churches, en 1985.

Pero 1983 fue un año clave para el death, porque en la otra costa de los Estados Unidos, la del Este, concretamente en el Estado de Florida, nació también la otra banda que podría disputar la paternidad del género: Death. Originalmente se llamaban Mantas y grabaron su primer demo en 1984 bajo el sugerente título de Death By Metal. Ese y otros de sus primeros demos fueron ampliamente distribuidos en el circuito de intercambio de cintas, lo cual les ayudó de inmediato a establecerse como una banda que proponía algo nuevo, mucho más extremo que el thrash y muy excitante. Tal vez lo que apoye la teoría de que Possessed es el padre del género más que la banda del ya fallecido Chuck Shuldiner, además de la innegable brutalidad de Seven Churches sea que ese disco fue editado en 1985, mientras que Death sacó Scream Bloody Gore, su debutante larga duración, hasta 1987.

La tercera banda que conforma la que se podría llamar “santísima trinidad del Death Metal” fue Master, una agrupación originaria de Chicago que empezó también por 1983. La diferencia entre ellos y los otros dos fue que tuvieron una combinación de mala suerte y malas decisiones de parte de su manager de la época, mismo que desechó un contrato con Combat Records con la idea de que su banda, entonces no tan influyente, merecía mejores condiciones. Combat siguió adelante (ese mismo contrato lo firmó por ejemplo Death) y Master nunca logró establecer una carrera firme. Aun así, su impacto en el circuito de intercambio de cintas no ha muerto y su nombre se encuentra ahí, junto a los pioneros del género.

Ya casi para finalizar la década había otros nombres que sonaban fuerte. El uso de blast beats, popularizado sobre todo por los británicos Napalm Death y el desarrollo de técnicas para mejorar la velocidad de los bateristas ya había logrado establecer como sub género y no como una idea al Death Metal.

El establecimiento formal del nombre Death Metal por cierto se atribuye indistintamente a un demo de Possessed editado en 1984 bajo ese rubro; al demo de la banda Death llamado Death by Metal y a un fanzine de nombre Death Metal creado por Thomas Fischer y Martin Ain, dos personajes suizos que también tendrían que ver con el desarrollo del metal extremo en Europa con Hellhammer y posteriormente con Celtic Frost.

Poco tiempo después de que aquellas tres bandas (Possessed, Death y Master) definieran el nuevo sonido surgió una camada de agrupaciones -muchas originales de Florida- que tomaron el nuevo estilo y lo llevaron a sitios diversos. Entre esas estaban Obituary, Morbid Angel, Deicide y Cannibal Corpse. Desde el primer momento, el death metal exploró en su aspecto lírico temas como violencia, muerte, mutilaciones, horror, sangre, satanismo, misticismo, política, ocultismo, enfermedades y en general todas esas situaciones y aspectos de la vida que hacen que exista el horror. Todos son temas que se encuentran en bandas de otros sub géneros del metal, pero en el death se exploraban de manera mucho más directa y brutal.

Desde el inicio, el death metal se caracterizó por usar voces mucho más graves que la norma, lo que casi de inmediato fue denominado como “voces guturales”. Fue sin embargo Cannibal Corpse, en ese tiempo liderada por Chris Barnes, la primera banda que llevó el concepto de guturales a un plano superior e inconfundible. A muchos no les gusta, pero desde que Barnes apareció en escena, a ese estilo de cantar se le llamó en diversos medios “cookie monster” por el parecido entre esa forma de cantar con la voz oscura y grave del monstruo come galletas de Plaza Sésamo.

A partir de la llegada de Cannibal Corpse, el death ha sido el sub género metalero más popular que hay. Ciertamente algunas bandas de otros géneros han vendido tantos discos que equivaldrían a la población total de varios países –Metallica y AC/DC por ejemplo-, pero esas bandas salieron del subterráneo y se establecieron (aunque fuera sin quererlo) en el mundo del llamado mainstream, un término que en español es sinónimo de alcance masivo. En el contexto subterráneo, el death es el estilo de metal extremo que más vende, que tiene la escena más sólida y fiel y que se mantiene vibrante y cambiante. Baste decir que de sí mismo han nacido otros sub géneros como el melodic death metal, acreditado principalmente a Carcass; technical o progressive death metal (Nile, Opeth…), death doom (My Dying Bride, Asphyx, Paradise Lost), deathcore (Suicide Silence, Misery Index), entre otros.

Lo que hizo diferente a Cannibal Corpse fue que accedieron al éxito comercial –hoy por hoy está certificada como la banda death que más discos ha vendido en el mundo- sin comprometer su sonido o su concepto. Ciertamente el hecho de que diversos países hayan prohibido sus portadas, canciones y artes ha sido un impulso importante, pero también lo ha sido el mantenerse apegados a un estilo, a una idea sonora pero sin negarse la oportunidad de experimentar un poco.

En la actualidad hay muchísimos sellos discográficos especializados o semi especializados en el death, pero a finales de los 80 y principios de los 90 fueron tres los que ayudaron a establecer y consolidar al género: Roadrunner, Earache y Relativity.

Pero no todo sucedió en Estados Unidos. Europa tuvo también en aquellos años su propia escena death, aunque comenzó un poco después y primero se estableció con otro de los sub géneros más brutales del metal: el grindcore. Napalm Death es la banda pionera del género y de acuerdo a diversas definiciones lo que hacían era básicamente una forma más rápida y con canciones mucho más breves de death metal. Son ellos a quienes se les atribuye el establecimiento de los blast beats como base sonora para desarrollar la música. Carcass fue la otra gran pionera del grind y fue una de las primeras bandas en el mundo, si no es que la primera, en hacer un disco que se consideraría melodic death, el Heartwork. De ahí surgieron infinidad de grupos que llevaron la idea de colocar melodía en una base death al límite, sobre todo en la ciudad sueca de Gotenburgo.

Con el paso del tiempo muchas de las bandas pioneras se han ido (Possessed, Death, Master), algunas lograron establecer carreras sólidas (Obituary, CannibalCorpse) y otras han tenido altibajos que los han mantenido vigentes, pero sin recuperar la gloria de sus días primarios (Morbid Angel, Deicide).

En el 2003, las siete bandas de death metal que más discos habían vendido en la historia de los Estados Unidos eran, en orden descendente (primero la más vendedora y de ahí para abajo) eran Cannibal Corpse, con poco más de 558 mil copias; Deicide, más de 481 mil; Morbid Angel, arribita de las 445 mil; Six Feet Under con cerca de 371 mil, Obituary con 368 mil, Death con una cifra muy cercana a la de los hermanos Tardy y Carcass, arriba de los 220 mil. Y parece poco comparado con las ventas de otros, pero son números que muestran una tendencia, una fidelidad que no se agota.

En cuanto a discos individuales (reitero, hasta 2003), el “Covenant” de Morbid Angel era el disco death más comprado en E.U con poco más de 127 mil copias, seguido en los lugares dos y tres por Deicide, que en sus primeros años realmente se hizo de un gran nombre con “Deicide” (el álbum de 1990) y “Legion” que alcanzaron 110 mil y 103 mil respectivamente y luego Obituary que vendió también un poquito más de 103 mil copias de “The End Complete”. Curiosamente, a partir de esos discos que en todos los casos son el primero o segundo de cada banda, no volvieron a alcanzar esos niveles de venta. Cannibal Corpse en cambio fue al revés; hasta ese 2003 había logrado con The Bleeding su mayor alcance al mover poco más de 93 mil copias; ya para el 2015, en febrero para ser exactos, el sello discográfico Metal Blade les otorgó una placa conmemorativa como la banda que más discos ha vendido en el death metal al alcanzar poco más de 2 millones copias repartidas entre sus 13 discos. Ese número significa que en promedio, el quinteto neoyorquino ha colocado 153, 846 copias de cada placa que han editado.

Tampoco es que en ese número haya algún truco como por ejemplo haber logrado que un solo disco alcanzara un porcentaje alto de esas ventas, su popularidad se ha incrementado año con año y para muestra se puede mencionar su movimiento en la lista Billboard 200 en los últimos años, ya que 5 de sus discos han logrado colarse ahí (y tres de ellos incluso en el Top 100), otro hecho inédito en el death metal.

Consistencia es entonces la palabra con Cannibal Corpse, un trabajo sistemático y sustentado en la vieja escuela, en cómo se hacían las cosas justo en el amanecer del género que era sacar discos de manera constante y promoverlos con giras y conciertos en cualquier parte del mundo que quisiera darles una oportunidad. De esa manera se alcanzan hitos como ser llamados “la banda Death Metal más grande en el mundo” por una publicación con autoridad para hacer el comentario como lo es Metal Hammer UK.

En la actualidad, el death es tal vez el sub género del cual se han derivado más sub géneros, a pesar de la redundancia. Su popularidad no ha menguado y por el contrario, cada vez crece más. Prueba de esto podrían ser la cantidad de festivales que sucederán en este 2016 dedicados al Death o con fuerte presencia del mismo como son por ejemplo Maryland Death Fest XIV, Raleigh Deathfest, In Flammen Open Air, With Full Force, Obscene Extreme, Brutal Assault y Party.San Open Air.


De esa manera el death metal ha mantenido su vigencia. Y en este texto sólo se mencionan a algunas bandas que dieron vida al género porque la lista de contribuyentes al establecimiento y mantenimiento de dicho sonido es larguísima y diversa.

**Los flyers fueron tomados de la siguiente página.

viernes, mayo 06, 2016

AC/DC y la novela Axl Rose

Mucho se ha dicho y escrito sobre la decisión que tomó AC/DC de reemplazar a Brian Johnson con Axl Rose. Pasaron ya varios días y hasta ahora la banda había guardado silencio. El mismo Johnson había aclarado que no lo corrieron, que simplemente por salud no podía seguir en el futuro inmediato y probablemente más a mediano y largo plazo.
Pero a la gente nunca le importan los comunicados oficiales, siempre les queda mejor creer los chismes y alegatos infundados que surgen en la red y más si les brinda la oportunidad de encontrar uno o varios villanos. Aquí tuvieron por lo menos a dos: Angus Young y Axl Rose.
Primero, dejaré mi postura sobre por qué yo no estoy de acuerdo con la elección de Rose como sustituto. Y en ese tenor lo primero que quiero expresar es que no pasa tanto por su capacidad vocal, para mí el gran pero en esta historia es el personaje creado por Brian Johnson y el creado por Axl Rose.
Musicalmente hablando Axl puede con el paquete porque Brian es un cantante único en cuanto a estilo, pero no en cuanto a capacidad vocal. es decir, es absolutamente reconocible cuando canta pero no es ni remotamente un súper dotado como Dio, Halford, Gillan o Dickinson. Es más como Lemmy, una voz inconfundible y entrañable, pero nada más, y Axl, que tampoco es un dios de las cuerdas vocales `por lo menos tiene un buen rango vocal, mucha experiencia y actitud al cantar.
El problema es entonces el personaje en sí. AC/DC ha tenido a lo largo de los años algunos problemas de abusos de sustancias por ejemplo, pero jamás fueron escándalos. Tienen una reputación de caballeros y son de las bandas que más respeto muestran a sus fans ofreciendo siempre lo más básico de un grupo de ese tamaño: profesionalismo. Nunca cancelan a menos que su cantante se quede sordo, no salen borrachos o drogados a tocar, no se pelean con los medios, no se pelean públicamente entre ellos, no salen tarde, no cortan sets sin razón aparente, no agreden a nadie, no dejan pasar 13 años entre un disco y otro, no provocan historias mediáticas llenas de controversia nomás porque sí, no buscan constantemente la luz sobre sus hombros, cuando responden entrevistas lo hacen de manera formal y seria, no están metidos en escándalos de esposas ex estrellas porno o modelos que luego se divorcian de ellos y les sacan dinero y trapitos al sol... Todo eso sin embargo define a Guns and Roses y la mayoría de los casos define por lo menos ante la mirada del público a Axl Rose. Ese es para mí el verdadero problema, la volatilidad del cantante de Guns and Roses.
Y claro, habrán firmado contratos y habrá cláusulas y demás, y tal vez Rose sea un poco menos megalomaniaco hoy que hace 20 años, pero no es posible saberlo hasta que concluya la gira y veamos si estuvo a la altura. El problema para mí es que es demasiado riesgo innecesario.
Todo esto sin embargo no importa porque es meramente mi opinión y ni Axl ni AC/DC la conocen o la toman en cuenta, pero como todos, tengo derecho a expresarla. A lo que no tenemos derecho, nadie, es a creer las cosas que nos dicen sin investigar. Lo que detonó el que AC/DC finalmente hablara públicamente de lo sucedido no fueron las firmas de inconformidad por la adhesión de rose a la banda ni las ridículas sugerencias de que se deberían retirar (ya quiero ver que alguien le diga lo mismo a todos esos que gritaron que mejor se retiraran, a ver qué opinan) ni las 7 mil entradas devueltas en Bélgica (que por cierto se pusieron de n uevo a la venta). No fue nada de eso, lo que detonó la respuesta fue la acusación cada vez más repetida de que a Brian lo corrieron. Así las cosas, ayer sacaron un video de 1:17 minutos en el que Angus, Cliff y Axl dijeron lo siguiente:
Angus dijo: “hay muchos rumores por ahí que aseguran que Brian fue despedido de la banda, pero eso no es verdad. La razón principal de su salida fue su problema con el oído. Ya de por sí andaba muy mal de un oído y el que le funcionaba bien estaba perdiendo su capacidad rápidamente. En verdad ya era algo que llevaba tiempo, casi desde el inicio de la gira”
Cliff agregó: “hubo un momento en el que la audición en el oído bueno disminuyó mucho, pero luego regresó, sólo que ya no de manera completa. El doctor le dijo que esa variación de audición podría volver a suceder y que podría ya no regresar. Y bueno, ya sabes, ¿qué puedes hacer ante algo así?
Angus agregó que la decisión “estaba fuera de nuestras manos, la decisión de no seguir fue de Brian porque creyó que era la mejor manera de proceder. De todas maneras no había un escenario en el que todos ganáramos porque si simplemente hubiéramos parado, entonces muchos se habrían enojado por eso”.
En ese primer video, Axl comentó que “es horrible lo que le pasó a Brian y uno espera que mejore. Yo no estoy tomando esto como un juego ni presumiéndolo por todas partes porque no es como que la banda decidió hacer un proyecto diferente, lo que sucedió fue una circunstancia muy desafortunada, y yo estoy muy consciente de ello”.


En otra edición del mismo video Axl habló sobre el reto que representa sustituir a Brian: “Back in Black es el disco de rock más vendido de la historia así que me queda claro que muchos van a estar pendientes de cómo lo canto. Y realmente no hay nada que pueda yo mejorarle a Brian como cantante, es lo que hay, es uno al que le puedes llamar EL cantante de rock. Además, ¿cuántos discos tienen? Ya sabes, yo tengo un par (risas) y ellos tienen todo un bonche”.

Rose admitió que al principio no sabía si podría hacer o no los shows. Explicó que “de entrada era la agenda. Dos, es la manera en que ellos hacen las cosas y hay mucho que yo no sabía. Me preguntaba si funcionaría, si nos llevaríamos bien, ese tipo de cosas. Además está el material en sí mismo. Había ciertas cosas que yo nunca había escuchado con atención. Supongo que como cualquiera alguna vez en el coche canté Back in Black pero nunca la había cantado completa, o alguna vez habré cantado parte de Shoot to thrill pero no completa, uno sabe que es una canción bien complicada para cantar. Y nunca lo había hecho de manera profesional o me había aprendido todo así que ciertamente es un gran reto y yo quiero hacer lo mejor para la banda y para los fans”.
Video donde Axl habla un poco más


Así las cosas, cada uno tendrá su idea de si Axl tiene los tamaños o no, pero por lo menos ahora cada uno tendrá oportunidad de conocer un poco más de la historia. Pero eso no es todo, eso es sólo en cuanto al famoso video. El sitio NME tuvo una larga entrevista exclusiva con Angus, Cliff y Axl y me dí a la tarea de traducir algunas de las preguntas más importantes, mismas que les pongo a continuación. Para consultar la nota completa sólo hay que dar click aquí. Está en inglés obviamente pero está muy interesante.
NME (New Musical Express es hoy un medio en la red que comenzó como diario musical desde 1949. En los 70 se convirtió en la publicación de mayor venta en el Reino Unido y luego en los 80 adoptó el formato de revista. En la primera mitad del 2015 su circulación pagada fue de apenas 15 mil y pico de ejemplares y como ya se había establecido como número en la red, se decidió que el formato impreso ahora sería gratuito.
¿Cómo han sido los ensayos?
Angus (A): ¡Muy buenos!
Axl (X): ¡Maravillosos porque ya se acabaron!

La práctica hace al maestro. ¿Cómo se sienten ahora sobre el inicio de la gira, se siente diferente a lo normal?
A. Estamos muy emocionados
(X). Hay algunas diferencias pero al mismo tiempo no porque para este momento he estado cerca de estos tipos por alrededor de un mes, he ido conociendo a todos en el equipo de trabajo, viendo como hacen el show, viendo conciertos, has de cuenta como un futbolista, viendo videos. Así que para mí sí hay diferencias pero porque se trata de un show diferente y de canciones nuevas para mí.

¿Cuántas veces los has visto en vivo?
(X) Nos conocimos muy al inicio de Guns and Roses, en los primeros años, en el Forum de Los Ángeles, lo conocí a él (Angus) y a Cliff en el backstage.
(A) ¿Qué no fue en aquella estación de policía?
(X) No… bueno esa fue la segunda vez.

¿Cuánta influencia tuvo AC/DC en Guns and Roses?
(X) Mucha, fue una gran influencia para Izzy y para mí. Y luego fue algo que teníamos en común cuando conocimos a Slash porque su novia lo hacía escuchar a AC/DC todo el tiempo, si no lo hacía ella no salía con él.

¿Por qué Axl? ¿Cómo sucedió todo esto de tenerlo ahora a él?
(X) Les pagué una lanota
(A) ¡Y yo lo gasté bien Axl! Creo que Axl mismo podría contar mejor la historia, contactó a un tipo que había trabajado con nosotros…
(X) Opie, una persona de su equipo de producción de hace tiempo y que también trabaja para los Stones está haciendo la gira de Guns and Roses ahora mismo. Así pues teníamos a esta persona en común. Cuando supe lo de Brian le llamé a Opie para preguntarle qué iban a hacer –y no en el sentido de ofrecerme mal plan o agandallando- era más bien como si hay algo que yop pueda hacer, aquí estoy. Yo ni siquiera sabía que canciones podría cantar, no sabía nada de sus fechas, nada, pero luego supe que Opie ya había puesto mi nombre en la mesa.

¿Qué otros nombres estaban en la mesa?
(X) Era mi mesa así que no había más nombres ahí
(A) Ya estaba todo arreglado por debajo de la mesa
Cliff (C) Trabajamos con varias personas
(A) Te llega mucha gente, siendo el mundo como es ahora todos llegan y dicen que ñpieden cantar.
(X) Hay muchos desafíos en el material, hay toda clase de cosas que ambos cantantes hacen (Bon y Brian) que hacen que cada canción sea especial. Cada canción está casi gravada en piedra en cómo se debe de cantar.
(A) Ví lo que hiciste con Guns and Roses, lo ví en internet…
(X) Alguien anda moviendo ahí nuestro material
(A) Era Whole Lotta Rosie versión Guns and Roses así que sabía que él era capaz de hacerlo, lo ví y pensé que era un buen inicio.

¿Llegaron a considerar el tener diversos cantantes invitados?
(A) Para serte honesto era más un caso de ¿y ahora qué hacemos?
(X) Estaban en el proceso de determinar como banda qué camino seguir, eso es lo que yo entiendo, porque sucedió de repente.
(A) Era una crisis repentina y teníamos que acyuar. Estábamos en Miami en ese momento, cuando todo esto pasó y desafortunadamente cuando estás en ese tipo de escenario no te queda más que tomar decisiones rápido porque tienes detrás a mucha gente esperando. Se suponía que íbamos a tocar en Atlanta así que estábamos presionados, tipo ¿qué hacemos?. Debido a la naturaleza de la pérdida de audición de Brian sabíamos que la respuesta no sería fácil así que llega el momento en que te preguntas ¿y qué hacemos ahora? Las opciones eran muy limitadas y pensábamos que si deteníamos todo de golpe entonces tendríamos un verdadero tinglado legal que resolver.
(X) Eso y los fans, además no quieres que la banda pase por todo eso, ¡lo digo por experiencia!
(A) Fue un alivio que él se ofreciera ¿sabes? Llegó y dijo “si puedo hacerlo, lo hago”.
(X) Y yo no tenía idea de si podría hacerlo, digo, ellos tocan realmente fuerte, tienen su propia manera de trabajar y uno nunca sabe si va a acoplarse o no. Pero todo empezó muy bien y ha ido mejorando con los días. ¡Espero terminar el primer show antes de que me corran!

¡Llegaron a pensar en cancelar la gira?
(C) Queríamos terminar lo que empezamos
(A) Y esa era nuestra principal meta, sobre todo para Cliff y para mí ya que somos los que más tiempo llevamos en la banda. Queríamos terminar lo que iniciamos. Además, no puedes llamar a una gira Rockea o Revienta ¡y luego reventar!
(X) Jaja, esa estuvo genial.

¿Qué pasará luego de los shows, continuarán con este formato? ¿Traerán a otro cantante? ¿Regresará Brian?
(X) Sea lo que sea que hagan con Brian a mí no me corresponde hablarlo, es cosa de ellos. Sobre que fuera alguien más, ¡lo envenenaría lentamente!

¿Cuál es el pronóstico de Brian, podría reincorporarse a la banda?
(A) Él debe ser muy cuidadoso con la audición que le queda. Eso es lo que nos dijo, eso y que estaba encabronado de poder terminar porque no le gusta dejar las cosas a medias, pero la decisión fue de él. No quería quedarse sordo. Y yo lo entiendo perfectamente bien, ¡quieres que cuando te toque salirte de esto sea con tu ser completo, con todas las piezas! ¡Yo no querría salir y que me faltara siquiera una uña!

¿Qué le dirías a los 7 mil fans en Bélgica que pidieron su reembolso?
(A) Que se perderán una gran noche
(X) Yo siento que ya los extraño, y eso que ni siquiera los conozco

Ya veremos si vienen a México. Mientras, más o menos así suena Axl interpretando a AC/DC, aunque el video es de Guns con Angus con invitado.
Riff Raff




martes, mayo 03, 2016

Reseña Origins Vol. 1 de Ace Frehley

**Las canciones que se muestran son propiedad del autor, yo sólo las uso como muestra. No pretendo lucrar ni mucho menos infringir los derechos de autor**

Inicialmente un “plan B” de la discográfica (E1 Music, antes Koch Records) en caso de que Ace no pudiera completar lo que eventualmente fue Space Invader a tiempo para capitalizar la inducción del Spaceman al Salón de la Fama del Rock and Roll junto con los otros tres fundadores de Kiss, Origins Vol 1 es ahora una realidad y además ofrece gran calidad. Desde que Ace grabó su primer disco solista en 1978, cada uno de sus discos con su nombre o bajo el rubro de Frehley’s Comet ha contado con al menos un cover, por lo que el proyecto en sí no parece tan fuera de lo común. Ofrecido el contexto, esta es mi reseña de éste, un trabajo que con poco más de 16 300 copias vendidas en su primera semana alcanzó el nada despreciable puesto 23 en el Billboard 200, #1 en el Billboard Hard Music Chart y #3 en la Billboard Rock Chart.

El disco empieza de manera sobresaliente con una maravillosa versión de White Room, tema del cual el solo original es el segundo mejor de la historia según la revista Guitar World y que fue de los primeros en usar el pedal wah wah. Ya desde aquí se nota que el disco tendrá mucho respeto por las versiones originales pero que también estará la firma Frehley por todos lados. Por ejemplo, contrario al clásico de Cream, en Origins no hay teclado; la versión original tiene en la mezcla al mismo nivel bajo, guitarra y batería, probablemente por la desmedida calidad que tenía el trío, pero en la versión de Ace la mezcla es con las guitarras al frente dejando la maravillosa base rítmica del tema como soporte nada más. Otra gran diferencia o algo que hace que se note que es una creación desde la perspectiva de Frehley es que toca dos guitarras: una hace el riff básico que en la original hace el bajo y la otra toca solos empapados de efecto wah todo el tiempo. Al final es un excelente tributo ya que Ace ha dicho muchas veces que haber visto a Cream y concretamente a Clapton cuando tenía 15 años fue una experiencia que le cambió la vida.


Con Street Fighting Man igual que en su momento con 2000 Man, Ace lleva la música de los Rolling Stones por una vereda desconocida. Respeta algunos detalles clásicos del tema, como el uso de maracas al inicio por ejemplo pero luego la llena con el sonido clásico de Les Paul y le agrega algunos solos que la versión original no tiene. Es además una canción cuya letra le queda perfecto a lo que vivió Frehley de niño y adolescente. Probablemente será sacrílego decir que mejoró la versión original ya que es u clásico de Sus Satánicas Majestades pero ciertamente le da un aura absolutamente rockera y moderna que la original no tiene.

La idea del disco era usar temas de bandas o guitarristas que marcaron a Ace en su etapa de crecimiento y por lo tanto no sorprende que aparezca un tributo a Jimi Hendrix, concretamente Spanish Castle Magic. La versión de Origins es muy buena, una vez más con el toque Ace, sobre todo en el solo, pero ciertamente hay una razón por la que Hendrix es el papá de los dioses de la guitarra. Es tal vez la primera canción en el disco en la que se siente que falta más peso en el bajo y la batería ya que en la original de Jimi Hendrix Experience esos dos instrumentos no sólo acompañan sino que redondean magistralmente la canción.

Luego viene el momento del morbo, el que todos los Kisseros esperaban con ansias y que finalmente es bien recompensado. En Fire and Water, una vez más Ace ofrece una versión moderna, mucho más guitarrera que la original. Ojo, en ningún caso esto quiere decir que Ace hace mejores las canciones que ya existían, eso dependerá de cada escucha pero logra llevar temas que tienen30 años o más a un sonido que es mezcla de modernidad y del tono característico de Frehley, además de agregar, modificar o incluso inventar, eso sí, solos maravillosos. Excelente decisión poner a Paul Stanley ya que la voz de Paul Rodgers (cantante de Free) es más grave que lo que se acostumbra escuchar de Paul y al ser ese el caso, no sufre con su desgastadas cuerdas vocales. La mezcla de ambos personajes irremediablemente recuerda al Kiss primigenio, lo cual para los Kisseros es bueno evidentemente. Es en general una de las canciones mejor logradas del disco.


Emerald es otro de los momentos más plausibles de Origins. La combinación es perfecta: un tema de Thin Lizzy y un duelo extendido de solos entre Ace Frehley y Slash, poco más se puede pedir. En una entrevista con Rolling Stone comentaba Frehley que Slash sugirió que tocaran en vivo en el estudio, cara a cara. El resultado es un maravilloso ir y venir de esos solos que se distinguen inmediatamente por el tono de cada guitarra y por la manera de “requintear” de cada uno. Dice Ace que le llevó 3 días escoger las mejores tomas y a uno sólo le queda maldecir en broma al ingeniero que estuvo ahí y vio esa parte de la historia suceder frente a sus ojos. White Room fue el primer sencillo, ahora lo es Fire and Water y resulta muy claro que es el empuje mediático que le puede dar Paul Stanley, pero Emerald es tal vez el mejor track del CD y podría ser sencillo sin ningún problema. Una joya de verdad.


El blues nunca ha sido referente en la música de Ace o de Kiss, sin embargo la versión de Bring it on home lo muestra en buena forma y a pesar de que su interpretación del género es con un sonido menos pulcro que el clásico, la parte media de la canción que ya está sustentada en un riff Zeppeliniano pone inmediatamente una sonrisa en el escucha. A destacar el truco que habrán usado en el estudio para hacer que el Spaceman sonara parecido a Robert Plant. Es también la canción del disco que más se acerca a la original en cuestión sonora (excepción obvia los 3 temas de Kiss). Ésta probablemente sea la canción más tributo de todo el álbum en el sentido de su apego a la versión clásica, ya que en el caso Led Zeppelin también es un cover.

Muchos han cuestionado la relevancia de tocar una vez más Wild Thing de The Troggs. Probablemente quienes tengan en sus colecciones de discos muchos compilados de versiones de diferentes artistas podrían estar hartos pero en el caso del rocker clásico que tal vez ha escuchado la canción en alguna fiesta no debería ser algo tan oneroso. La versión es sin embargo bastante sencilla y cuenta con Lita Ford en la voz y guitarra líder. El solo de la dama es muy bueno y si se toma en cuenta que la idea de Ace al hacer estas tomas era pasarla bien y que los que escuchen el disco se pasen un buen rato, la canción entonces cumple y con creces. La batería por cierto realza el aura pesada que le ponen el Spaceman y Lita.

En el caso de Parasite y Cold Gin, la primera con la colaboración de John 5 (Marylin Manson, Rob Zombie…) y la segunda con Mike McCready (Pearl Jam), aunque son bastante apegadas a las versiones originales de Kiss excepto por algún lick por ahí de cada uno de los invitados que le pone su propio sello, lo realmente destacado es que son temas que se hicieron clásicos en la voz de Gene Simmons, pero ambos fueron escritos por Ace. Tímido en sus inicios con la banda, nunca se sintió lo suficientemente a gusto consigo mismo en su faceta de cantante para ponerle voz a sus propias creaciones. El resultado final, para mí, es que le pone quizás el sentimiento y la intención que debía llevar cada uno de los temas, sobre todo en el caso de Cold Gin, aunque también queda claro que gene Simmons había hecho un gran trabajo vocal en ambas.

Steppenwolf es conocido por todos gracias a Born To Be Wild, pero Magic Carpet Ride también fue un sencillo importante en su carrera y parece una elección menos obvia para tributar. Una vez más Ace lleva la guitarra a primer plano y vocalmente es uno de los temas que los fans del músico de 65 años más gozarán porque tiene todos esos matices de timbre típicos en él. La mayor variante contrastada con la versión original es el agregado de un solo que sustituye de cierta manera la segunda parte del tema original que es más bien una especie de outro de psicodelia prolongada.

En cuanto a Till The End of The Day de The Kinks es también una version bastante fiel a la original ya que los británicos tenían ese sonido distorsionado que después se convirtió en precursor del hard rock, sólo que con un sonido más enfocado en la guitarra, unos cuantos gramos más pesado y con un solo creado por Ace para la ocasión.

Finalmente la versión que le hace a Rock and Roll Hell tiene varios matices dignos de ser comentados. De inicio, a mi parecer, en la versión de Ace la voz queda un poco, si no a deber, sí un poco forzada. Será tal vez la cantidad de veces que la escuché con Kiss y con los tonos y matices de Gene Simmons que la hacen parecer más ruda. La voz de Ace en esta versión es más funky, le falta agresividad. Sin embargo en cuanto a lo instrumental y concretamente el trabajo de adaptación que le hizo en la guitarra es sencillamente soberbio. De entrada el riff básico de los primeros versos que en la original hace Gene con el bajo, aquí Ace la toca con la guitarra, con un tono grave machacante y soberbio que potencia mucho esa vibra callejera que tiene la rola; es como ese riff lento, sencillo pero magistral de The Zoo de los Scorpions sólo que en formato Ace y en una canción de uno de los discos más pesados de Kiss. Además le agregó dos solos muy a su estilo, con un toque de crudeza callejera pero que le quedan perfecto al tema y lo visten mucho. Sólo queda imaginar lo fantástico que hubiera sonado con esa base en la guitarra y la voz de Gene.


En general, Origins Vol. 1 es lo que se espera de un disco tributo de Ace Frehley: rocker, sin compromisos, con temas que a él lo marcaron y sin ningún propósito extravagante más allá de tocar por el puro placer de hacerlo y sin la presión que conlleva escribir temas nuevos y lograr que pasen los criterios de selección de una discográfica. Supongo que nunca se trató de descubrir el hilo negro o hacer versiones alocadas y extravagantes de las canciones ofrecidas sino divertirse, darles un toque guitarrero y moderno y ofrecerlo al público para que lo ponga a buen volumen mientras vbiaja por ejemplo en la carretera. La parte del título que dice Vol. 1 abre necesariamente la puerta para que venga uno más en el futuro cercano. Cuando se empezó a hablar de este disco se mencionaban bandas como The Beatles y The Who, mismas que no aparecen en esta entrega por lo cual no queda más que esperar, por qué no, que en años venideros aparezcan el sucesor de Space Invader y un nuevo Origins. Los jendelianos y kisseros por igual lo recibiremos con gusto.